Miki GOnzález – Inka Beats apu sessions (Café Inkaterra)

 

 

Miki Gonzáles – Perú

Inka Beats apu sessions (Café Inkaterra) – 2006

 

Esta criatura tranquilamente puede ser la mejor expresión electrónica que se haya conseguido en este lado de la cordillera andina.

Y eso que le pudo haber quedado mejor...

Todo comienza cuando Miki quien siempre va buscando cosas nuevas (su discografía lo demuestra) decide montar cual jinete, su admirada cultura musical serrana y ceja-selvática sobre un potro que lo haga llegar más allá de lo que éste jinete peruano ya ha llegado hasta ahora. Por jinete me refiero al el Huayno, que como género padre de muchos sub-géneros es fácil la expresión musical más importante del país. Claro que está venido a menos últimamente, mucho lucro y poca imaginación es la bandera en estos tiempos.

El cuadrúpedo acústico elegido en esta oportunidad es el electrónico de matiz suave. Miki se tomó el riesgo con, el a veces soporifero estilo chill out que en malas manos puede ser realmente olvidable. Felizmente aqui la cosa le salió sencillamente redonda. Temas bastante sólidos, agradables, sutiles y sobre todo que logran impregnar el ambiente de los sonidos serranos, cosa que probablemente fué de saque la meta de Miki.

Los aportes vienen de todos lados: Cajamarca, Ayacucho, Cuzco, etc. Siempre tocados por instrumentos tan raros como reales. Ojo y oido: no hay samples aqui, ésto es Huayno electrónico si se quiere. Hay todo un trabajo de composición y arreglos que demuestran todo el potencial que siempre estuvo escondido detras de esas montañas, los que gustamos de esta música ya lo sabiamos, pero fué Miki quien lo trajo a tierra (y al llano limeño ciertamente)

Yendo a los datos, el disco original se llamó Café Inkaterra (2004), y ésta es una edición posterior llamada Inka Beats que contiene una canción más. Y sin duda esta más completa. Destacan prácticamente todas las canciones por igual: Danza del agua tiene el inicio mandolina/órgano que te dice rápidamente de que se trata el asunto, es una gran canción de entrada, muy sólida de cabo a rabo, la amalgama cultural justa. Premonición no llega a despegar demasiado pero anda bien. Munaq retoma las maravillosas mandolinas y con sólo 2 acordes logra uno de los mejores momentos del disco, aún recuerdo escucharla por primera vez bajo el cielo estrellado de Marcahuasi totalmente relajado, qué mejor escenario para disfrutar esta placa?

Nostalgia - loca juventud es la adicional y es una tranquila versión del clásico de los Reales de Cajamarca. Mi abuela, quien apenas escucha, lamentablemente ya no puede disfrutar de esta versión de su canción amada y tantas veces bailada. Aunque a decir verdad no estoy seguro que le guste, lo normal es que los adultos sean reacios al cambio, más aún cuando caiga en conflicto con nostalgias de juventud. Mi vieja ni la reconoció por más que le dije que la escuche bien...

Altiplano y Modesto Sikuri pasan bien y abren campo para la muy relajante divinidades andinas, de entrada larga que poco a poco se convierte en una maravillosa melodia altiplanica emotiva fácilmente identificable llamada Apuyaya, otro de los mejores momentos del disco sin duda.

Y se acaba el relax...

En fiesta de la abundancia la cosa es más agresiva, los sonidos electrónicos se ponen más rápidos y lo folclórico se hace más remoto. Más riesgo que resulta bueno. Luego el chill out termina por esfumarse y aparecen secuencias más agresivas y aceleradas (que recuerdan a The Prodigy) que resultan combinar casi a la perfección con los diametralmente opuestos saxofones y violines misteriosos del huaylas de sierra central profunda, se llama Lagrimas de madre y es la estrella del álbum.

Con ésa lo lograste Miki...

Entonces hay que decir que despues de muchos años de carrera musical inquieta y no siempre efectiva Miki González llega a materializar un disco perdurable y del que debe sentirse orgulloso de haber creado. Estoy seguro que es inspiración de muchos seguidores de ambas tendencias musicales y nos anima también a tratar de intentar cosas similares.  Posteado está el disco, sin embargo merecería estar físicamente en tu colección.

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RUSH - MOVING PICTURES

Más de una vez he escuchado que Canadá es una provincia de Estados Unidos. A veces parece que lo sea, tienen la misma ascendencia europea y hasta el mismo idioma. Son también herederos de una fuerte influencia del rock británico pero con su propio estilo. Esta vez toca un post de los canadienses más influyentes en cuanto a rock se refiere.

El Moving Pictures nació allá por 1981 y es producto de una larga y magistral secuencia de álbumes de Rush. Los discos A Farawell to King, Hemispheres y Permanent Waves son los predecesores a este disco de inicios de los 80´s en donde se deja notar la fuerte influencia del progresivo. Para el Moving Pictures se alejan ligeramente de esa influencia para ser un poco más ellos mismos y lo consiguen muy bien.

Geddy Lee (voz, teclado y bajo), Neil Peart (batería) y Alex Lifeson (guitarra) encontraron la consagración definitiva en esta placa. El disco fue en su momento record de ventas y multiplatino y sería el cierre de una etapa muy productiva para el grupo, ya que luego entrarían a la onda de la música electrónica durante buena parte de los ochentas. El sonido que identifica a Rush en esta etapa "clásica" se debe especialmente a la llegada de Peart como batería del grupo ya que es a partir de 1975 (año de su arrivo) que el grupo encuentra la cohesión de la que carecía. Es también que su sonido a pesar de ser prog-rock, se percibe claramente la influencia de bandas capitales como The Who (es más, la guitarra de Lifeson es como escuchar a Townshend, muy similares) y Led Zeppelin (escuchen la batería, cercana por pasajes a la de Bonham).

El Moving Pictures empieza con el famoso Tom Sawyer, citado por el grupo como su tema bandera. El tema en sí es bueno pero ni por asomo es el mejor del disco. Basta con escuchar el temazo que continua. Red Barchetta es simplemente perfecto, la voz de Lee (bastante andrógina por cierto, siempre pensé que la voz de Rush era una mujer. Él tambièn tiene una apariencia muy andro) es sublime y la guitarra del gran Lifeson fluye, se siente mucha fuerza en este tema inspirado en un auto -un Ferrari 166-.

A continuacòn viene YYZ, probablemente es tema instrumental más potente que uno pueda escuchar. Aquí Lee no canta, destaca obviamente la guitarra de Lifeson -como en todo el disco- pero Peart ...que pedazo de batero! Un dios con los palillos. No hay palabras para describir lo que uno siente con este tema. La cuarta pista es Limelight, el otro clásico de Rush. Más cerca del pop que del hard o del prog, este califica para entrar en rankings radiales pero curiosamente es el tema que canta a la disconformidad del éexito que ya tenía Rush. El quinto track es de lejos a mi entender el mejor tema de Rush y usualmente no está dentro de sus favoritos. The Camera Eye es un canto épico como los de antes. Son 10 minutos de delectación, una batería brutal, un guitarrreo único acompañados de bajos y teclados en el más alto nivel. Fantástica. Lo reprochable de este tema es que Rush no ha vuelto a tocar el tema desde hace 25 años. Las razones pueden ser varias pero una es sin duda la enorme dificultad que entraña ejecutar tan compleja canción. Recomendable para cualquiera y más si eres guitarrista o batero.

La última parte del disco lo componen los 2 temás oscuros. Witch Hunt y Vital Signs son canciones hechas para bajarle el ritmo al Moving... Especialmente Witch Hunt, donde se lucen los teclados pero muy poco Lifeson. Mucho mejor se oye Vital Signs, que tiene màs ritmo pero sigue un tanto la línea de Witch... no està mal para cerrar el disco.

Los Rush han quedado sorprendidos cuando llegaron de gira por Sudamérica hace ya algunos años y tal ha sido su experiencia que repitieron el plato este año. Ojalá y esté cerca el día que toquen en Perú. Les dejo el link de descarga.

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Orbital – Orbital 2 (brown album)

 

Orbital – UK

Orbital 2 – 1993

 

Considerando que, no soy un gran escritor dado que no siempre logro exhortar a la escucha de un disco cuando es lo que me interesaría, antes de escribir el post normal y antes de que te aburras de él sentenciaré al estilo de Zimmerman que:

Si te gusta la música electrónica (rave, Dj session, beats, Creamfields, etc) éste disco es absolutamente necesario de escuchar, y si no te gusta al final de hacerlo, tu gusto quedará en duda.

Estoy por inducir a una amiga a que escuche algo de ésta electrónica, he pensado prestarle una copia de Orbital 2, estará bien eso, espero le guste. Ella dice que no le va mucho este estilo pero no es algo definitivo, cuestión de prestarle un oído pues esta placa es efectiva.

Si pensamos en la música electrónica de este tipo: extensa, con un tema tras otro, con las mismas secuencias rítmicas de base durante la mayor parte de la sesión, lo mismo que produce que el oído no acostumbrado (me incluyo) piense que es monótono y que no hay demasiada variedad, es posible que nos desanimemos de este disco antes de escucharlo. Sin embargo Orbital 2 tiene una contundencia muy clara desde el saque. Sin sonidos de más para llenar sólo por llenar, ni carencia de sonidos para aburrir. Un sonido justo que al final termina de ser elegante durante todo el tiempo que dura ésta obra, lo que queda traducido en beats poderosos y ritmos excepcionales.

La estructura son 8 temas mas un intro y “outro” verbalizados, que si bien parecen algo tontos la primera vez que los escuchas, terminan de alguna manera gustándote, se convierten como la apertura y cierre de fiesta (time becomes, input output). Pero vamos a la fiesta, una planet of the shapes que calienta cuerpo y prepara mente para la parte principal del disco, un set de 4 temas poderosos, 28 minutos de secuencias bien pensadas y calculadas por los 2 hermanos Hartnoll en una época (1993) en que aún esto se podía considerar “lo nuevo”. Son Lush3-1, lush3-2, impact y remind las que forman un cuarteto valioso que hasta hoy resulta uno de los mejores momentos que la electrónica ha dado y que nos enseña como se debe desarrollar este estilo para que realmente haga desear mover el cuerpo.

 

                   Orbital – remind – Glastonbury 1994 (ya quisiera haber estado ahí!)

 

Walk now y Monday tampoco se quedan atrás pero después del portentoso ataque anterior quedan ya algo eclipsadas, sin embargo son 2 piezas que ya quisieran muchos Djs construir. Al fin siempre quedan como un descanso y preparativo para la ultima entrega Halcyon + On + On donde los sonidos se tornan algo más dulces y sublimes cortesía de esos gráciles coros femeninos sampleados hábilmente que la convierten también en uno de los referente del disco.

Lo siguiente sonará manido pero que importa: orbital 2 es un disco sólido, maduro y esencial que no puede faltar en la colección de nadie cualquier seguidor de este estilo musical.

Input/output translation -Input/output translation - Input/output translation – … dicen al final, en el outro y los que no se inmutaron por las canciones anteriores aquí suelen decir “¿que es eso?”. Me encanta cuando sucede.

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El disco de vinilo y el siglo 21

 

Piensas que escuchar Vinilos es sólo fetichismo?

Tengo 28 y estoy volviendo al vinilo pues, desde la fecha en que este formato fuera desapareciendo en su producción, y en que los nobles discos oscuros fueran a parar de los estantes de sala a los fondos de las cajas de carton, o para ser usados por los retacos de la casa como discos voladores corta-cabezas (esto ya un tono más macabro en realidad) desde esa época después de haber escuchado durante muchos años unos 600 álbumes en formato CD, y algunos más en MP3 ciertamente estoy cansado del sonido artificial de la era digital, sonido que es limpio, pero no es real. Y que a veces cansa.

Hay 2 hechos puntuales que hacen que sonoramente el vinilo esté por encima del sonido digital (CD, DVD o MP3):

• El vinilo contiene una onda más real, (asumiendo que el disco está limpio y que la aguja es de una calidad aceptable, abstenerse tornamesas del pato Donald o similares). El sonido digital en cualquer formato que quieras (con o sin pérdidas) proviene siempre de la conversión análoga-digital PCM en donde a grandes rasgos la onda real se aproxima a una serie de bits que luego serán reconvertidos en unanueva onda análoga parecida a la inicial, el problema es que si bien la frecuencia de muestreo (teorema de Nyquist) de la onda inicial asegura que la onda saliente es exactamente igual a la analógica, el valor de la onda no es real sino aproximada (en 16 bits, 24 bits, etc), de hecho la conversión PCM tiene un parámetro llamado ruido de cuantificación que te grita en la misma cara que la onda producida por digitalización NO ES LA MISMA que la onda original. Muchos dicen que esto esta bien, el error es aceptable pues el oído no es suceptible al error de cuantificación, yo pienso que si se nota. Por dar ejemplo: un buen vinilo de rock clásico en donde las tarolas y platillos vibren las lunas de las ventanas, y el bajo vaya como comba directo al centro del pecho es algo que la era digital no ha logrado darme hasta ahora. Importa? si nunca lo has escuchado en esa magnitud probablemente no. Y entonces te estás perdiendo de una parte importante de la música. Una lástima.
• Rango dinámico, aunque este tiene más que ver con las masterizaciónes antiguas, que con el vinilo en sí, hay que mencionarlo. En los noventas y coincidiendo con la desaparición del vinilo, apareció la nefasta guerra por el volumen, básicamente significa que en una masterización los diversos sonidos e instrumentos de la mezcla final deben sonar a un nivel promedio todos -léase altos- Prohibidas entonces las explosiones violentas y sorpresivas, prohibidas las partes de volumen tenue, prohibidas los medios ligeros, todo debe sonar como para que “no moleste”. Has puesto un disco pop actual en el que al escucharlo dices “manya suena bien” o “que nítido está” o “suena fuerte esto”? pues eso mismo es lo que se ha conseguido, una falsificación del sonido en pro de el volumen, probablemente de haber existido el vinilo hasta ésta epoca habriamos tenido este suceso igual, pero no ha sido asi y el viejo vinilo (y primeras ediciones de CDs) conserva la masterización seca y sorpresiva que solia electrizar el aire un par de décadas atrás.

 

                    Pastilla Audio Technica de tornamesa Technics (calidad media)

Y los puntos de discusión de siempre:

El vinilo es grande y pesado? no es problema si está en tu colección de casa, y no piensas transportarlo demasiado, además las caratulas y libro del LP se ven muy bien.

El vinilo tiene ruido? no demasiado con una limpieza básica y sobretododo una aguja en buen estado, cuando es algo que aprecias al menos un poco no resulta ningun problema.

Suenan igual? sólo consigue un vinilo de Chemical Brothers (Exit planet dust version 2 vinilos para más amplitud de surco estaría bien), o Supertramp (Breakfast in America en cuaquier edición clásica) en una buena tornamesa más un ampli aceptable (no tiene necesariamente que ser de tubos) y deja que tu oido compare.

Es caro comparado con el MP3? pues esto sí, definitivamente, pero combinemos la tecnología, puedes escuchar MP3 en primera instancia y de engancharte con el álbum en cuestión, podrías pensar comprar el vinilo en la tienda virtual Amazon, normalmente cuesta entre 13 y 18 dólares. Un poco más que el CD pero vamos que la presentación es mucho más bonita y el sonido, pues ya dije antes. Y para armarte el tocadiscos te basta una tornamesa apropiada más un previo para conectarlo a tu amplificador moderno que probablemente no tiene entrada phono (piensa en unos 400 dólares todo eso nuevo y la mitad si es de segunda).

 

Fetiche? para ser sincero hay algo de eso también pero…

Imagina que en algún día (si la tierra no se va al carajo primero) podamos teletransportarnos y dejar los autos, no extrañarás el cariño que le tenías? tú sabes, te encargabas de él, lo arreglabas, lo “enchulabas” y lo limpiabas. Muchas veces no sólo se trataba era ir de aqui para allá, era también el asunto del auto en sí, era parte del ritual del transporte. Pues algo así es un buen Tornamesa girando a un disco de vinilo comparado con el vacuo MP3. El mp3 es trasportable, ligero, rápido,  útil, y de calidad aceptable, pero el feeeling y la fidelidad que se encontraban bien marcados fisicamente en los surcos del vinilo simplemente se ha perdido, al menos hasta ahora.

Pero no por mucho tiempo…

 

 Imponente presencia de 2 vinilos, uno antiguo y otro moderno frente a un ya poco usado CD

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LHF 2008

El LHF ya pasó y me dejó 2 pensamientos para compartir

• Que notable lo de Travis.
• que insólitamente malo el sonido. Auque al final no importara demasiado.

                                                         Travis - Closer

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