Los Chapillacs – Odisea Cumbia 3000

 
Perú - 2010

Odisea cumbia 3000 tiene 3 de los 4 rincones de la cumbia peruana reunidos en sus 12 tracks. La parte norteña queda olvidada porque, parece ser poco interesante pues.

La expresión artística iniciada en Lima por Los Destellos, ampliada en la selva por los Mirlos y demás músicos de la cumbia primigenia, sabrosa y bastante aceptada de aquellos años sesenta y setenta, fue seguida por una tercera corriente: una oleada de músicos serranos, inmigrantes, alienados e inolvidables todos, quienes en los complicados ochentas inyectaron dosis de una chicha  que nunca terminó de verse bien para los Limeños, pero que escuchándose en retrospectiva no deja de sorprender por su carácter gráfico que proyecta aquellos tiempos de racismos nacientes y dificultades sociales. 

No es este disco un recopilatorio (más) de aquellas épocas fantásticas de nuestra música popular tropical e intensa, y es justamente eso lo que lo hace ser interesante. Los Chapillacs usan, que duda cabe, muchos sonidos de estos antecesores inolvidables, pero también proponen su sonido y actitud dando en todos lo blancos que se proponen. Mientras composiciones como La marcha del Chullachaqui y su video casero evoca un viaje lisérgico en las entrañas de la selva, Un shipibo en el desierto combina eficazmente sonidos árabes con altas velocidades de un cumbión abuelo. Luego una creación más radial como La cumbia delincuencial deja la duda conveniente de si aquello es una crítica social o una actitud delincuencial al fin. A que te pones a bailar igual.

Y así, más detalles coloridos como la inclusión del más atorrante de todos en He traidionado tu amor: Pascualillo, los samples de barrio, los pequeños detalles chicheros esparcidos a lo largo del disco que tienes que oír antes que yo contarte y un frontman que baila horrible. Todo eso hace de este, un disco por demás interesante y, claro, bailable gozable y recontra achorao’ porque mientras alguna cumbia actual saquea miserablemente creaciones iniciales sin ninguna pretensión que no sea otra que el lucro, estos arequipeños se encargan de hacer cosas diferentes con ritmos bastante viejos, y sobre todo celebrar desde ya la cumbia del año 3000.

Así es varón, Odisea comprometerá tu respetabilidad, compromete la de ellos, pero es un disco que no falla, y como decían los también achoradazos Anarquía Tropical en aquel concierto del bar Etnias: “Aguante la cumbia conchatumadreee!!

 

 

 

 

 

Aquí

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Jens Lekman – Night falls over Kortelada

Suecia – 2007

La portada que muestra a Jens Lekman recibiendo un corte de cabello de Shirin o bien de Dios encierra un gran grupo de canciones coloridas para toda la familia. Las mismas que incluyen pasajes pintados por acordeones, violines, samples de niños y flautas bailando algunas veces a ritmos de música disco, otras veces a cosas mas parecidas a cumbia. Arcoíris musical que no intenta deslumbrar la vista, sino sólo hacer música agraciada y reconocible a cualquier oído con lo que fuere necesario. De todas maneras un buen grado de riesgo y talento es responsabilidad total de Lekman, quien de todo se vale para arrancarte una sonrisa de paz (cuando eres ajeno a la letra) aunque sea por unos minutos.

Ahí en esos campos de moderna gracilidad donde pocos se atreven a hacer música, Jens Lekman consigue sacar adelante temas tan bonitos y conseguidos como The opposite of hallelujah o bien it was a strange time in my life, esto sin desmerecer de ninguna manera a los demás, ya que Night falls… es en realidad un álbum de canciones una mejor que la otra.

El carácter autobiográfico y directo de las letras, And I remember every kiss parece ser un repaso por todas las relaciones pasadas, siempre con énfasis y cariño en la primera. Y If I could cry más que una lacónica letra es una apertura de sentimientos musicalizada hermosamente.

Difícil no encariñarse con un disco tan dulce como este


The Opposite of hallelujah

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Vince Guaraldi trio – A Charlie Brown Christmas

 

 

 

Italia - 1965

Este año ha sido un buen año, fuera de todo. Sigo aprendiendo cosas, y una de ellas es el valor de la familia. Y no es necesaria la navidad para expresar el cariño por ella, pero es un buen pretexto para reunirse todos y escuchar un mismo disco mientras se come paneton con chocolate. Navideño claro.

 

Este es uno de los buenos, jazzero, elegante y calmado, para escucharlo con el viejo mañana 25. ¿Por qué Charlie Brown? los detalles aquí y el link de descarga acá 

Una probadita aquí

Felices fiestas a todos y nos vemos el 2010!

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Los Planetas – Unidad de Desplazamiento

 

 

 

España - 2000

Unidad de Desplazamiento es como vestir a un hippie adorable con un traje límpido en una sala lujosa y ordenada. Y es que su sonido lustroso y brilloso –que se acerca más que nunca a Mercury Rev- se sale algo de los demás trabajos de la banda, en general más caóticos y despreocupados.

Pero eso no significa que se pierda la esencia. Resultaría difícil enmudecer a Jota y amigos en su sentir. El hablar del amor, la existencia del ser y de lo que fuere que hablen estos tipos -que siempre tiende hacia esos tópicos- también se da aquí. Es una ración más del sonido planetario, nada se ha perdido, todo sigue en su sitio, ¿te gustó Súper 8? ¿Semana en el Motor de una autobús? entonces aquí estas invitado a continuar el viaje.

Por ahí Flotando sobre Loscos y Paseo en el parque abren, descansan y cierran el disco con una etapa instrumental tipo post-rock, novedoso en ellos. Claro, no son Mogway y sus tormentosos ataques sonoros, ellos hacen algo bastante cálido con silbidos y lluvias de otoño incluidas. Sin embargo estos ensayos vienen bastante bien con lo que probablemente tu te esperas cuando te enfrentas a escuchar a tus adorados granadinos.

Y luego lo de siempre, las genialidades económicas que siempre obtenemos de cualquier disco de los Planetas, como Santos que yo te pinté, tremenda canción tan enorme en emotividad como simple en estructura. Un buen día, un diario abierto, sencilla en letras como ella sola, Canción para ligar entre las demás. 

La imagen de la banda ha disco lo que su sonido mismo es,  un bajo perfil detrás de una obvia emotividad que se llega a conectar con alguna parte de tu ser. Quizá es la voz escuálida de Jota –que se desnuda algo más en esta placa-, quizá esos acordes de dolor, hasta el golpe batero puede tener culpa. Los Planetas ya son parte de nosotros.

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Drive-by Truckers – Southern Rock Opera

USA – 2001

A los Driver-by Truckers les importa un carajo que su sonido sea completamente norteamericano, que sus guitarras huelan a carretera, que su nombre refiera a el típico camionero malhumorado de History channel, que sus canciones tengan todas el mismo riff guitarrero que ni siquiera es propio de ellos, y lo que es más fresco, que hayan hecho un disco doble con esa misma formula repitiéndose una y otra vez. Con todo eso son casi ídolos en su país y el disco es altamente bueno, En realidad es jodidamente pegajoso.

La historia contada en 2 partes –para darle la redondez al asunto- está llena de perlitas bastante típicas pero que siempre caen bien escuchar para quienes tenemos debilidad por unas guitarras y platos brillosos bien ejecutados. Así es, sus personajes se llaman, Wallace, Bob, Ronnie (fácil se me pierde algún Bob por ahí), quienes toman Jack Daniel’s, latean por Alabama y son borrachitos vagabundos haciéndole sombra a lo que todo buen macho americano debe preciarse, amar el rock and roll, el juego y la bebida. Es decir Southern Rock Opera dice directo, y sin dudar lo que quiere decir, y realmente esa honestidad combinada con eficaces arreglos orquestales es muy difícil de resistir. Y cuando digo eficaces quiero decir eficaces, ¿o acaso esa batería dura y llevadera junto a esas 3 guitarras perfectamente fusionadas son algo a poner en duda?. Hasta las voces tienen el timbre justo que todo yanqui –y no yanqui- quiere oír cuando se anima a sumergirse en este mundo de carreteras interestatales.

 

A veces te dices, diablos si ese riff es como el de la canción anterior. Poco importa, igual caes pegado a la nueva tramposa que te seduce y te vez pronto tamborileando el piso. En ese sentido este disco puede ser rockero hasta el ultimo toque, pero algo de pop también tiene.

Al final, si te gustan Eagles, Lynyrd Skynyrd, Neil Young o hasta Nada surf este disco te va a gustar si o si. Y ya poniéndonos menos matemáticos, hay que decir que este doble whisky sonoro al final convence y es uno más de los tantos buenos obreros modernos del sueño americano que quiere volver a sus raíces de donde alguna vez se desvió para su mal –según ellos-.

Pd: casi entra en mi lista
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The Ting Tings – We started nothing

The ting tings – UK

We started nothing – 2008

We started nothing es uno de los discos más bacanes de rock-pop de los últimos años (sino el más). No sólo es divertido y fresco, sino que su producción es por demás inteligente, pues exprime y le saca el jugo a lo básico que le resulta tener sólo 2 integrantes, utilizando económicamente los instrumentos que arman cada canción. El resultado: no hay elemento sobrante ni tampoco que se deje extrañar (¿habrase paseado por ahí David Byrne?)

Ahora, cuando escuchas la archiconocida That’s not my name, por ahí que pensarás que son de USA y que son una one-hit-band. Es ahí donde fallarán tus cálculos. Son de Inglaterra y TODO el disco es jodidamente bueno. Ya mismo ando a todo volumen con fruit machine y estoy de buen humor.

Hay que reconocerle a Katie White que tiene una voz deliciosamente pop, la misma que hace la escucha del disco más rica aún de lo que sería el escuchar sólo las (excelentes) percusiones de Jules de Martino engranadas a esas guitarras que funcionan como el ingrediente secreto: sutiles e invisibles pero indispensables.

Shut and let me go tiene matices pop efectivísimos y Be the one se acerca más a lo rockero, más a los sonidos de fin de década. Lo mismo we walk cuyas percusiones de su sencillo estribillo me resultan sencillamente perfectas.

Desde los soñadores acordes guitarreros iniciales de Great Dj hasta le sensacional we started nothing y su hipnótica monotonía acabada con un set de vientos que no te esperarías encontrar aquí, esta placa resulta redondita tanto en arreglos finales como en ventas y fama. Lo tojus.

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The Hold Steady – Stay Positive

 

The Hold Steady – USA

Stay Positive - 2008

 

Huelen a carreteras, motos, cerveza y rock and roll. Pero se dan tiempo para sonar bonito.

Copilotos de camino de los Drive-by truckers, The Hold steady no es más que rock básico y común con la intrusión especial de un órgano.  ¿Y entonces?

Bueno, sólo escucha Lord, I'm Discouraged y piensa si esa melodía fácil cantada por la voz melancólica y evocadora de Craig Finn mas ese sólo de guitarra que parece que lo tocara el mismo Mascis de Dinosaur Jr no resulta por enésima vez cautivante. ¿Podrías también resistirte a Yeah Sapphire cuando sabes que es como tener la oportunidad de escuchar a Husker Du en tu tiempo? y de hecho si no nos pusiéramos a evocar demasiado, así no conocieras a los rockeros viejos, igual te templarías de la canción mencionada porque, es una buena rola al fin.

“Magazines and daddy issues, I know you’re pretty pissed, I hope you still let me kiss you” dicen en un momento, bajo una melodía rockera, barata y voces aguardientosas que van directo a escarapelarte la piel. Los yanquis declaran con ella que tras esa pared de guitarreos y machismo tienen algo que amar y extrañar,  algo que ofrecer a tus oídos demasiado calmados últimamente. Como buenos seguidores del post punk no se complican nadita en la combinación de acordes, apuestan a seguro y no fallan pues Magazines conmueve, de verdad que si.

No he olvidado el tremendo dúo de pistolazos que da inicio al disco, Constructive summer y sequestered in Memphis, yo hincha de los Social Distortion caí bajo la energía suprema de estas 2 poderosas canciones apenas las conocí. “vaya vaya parece que vamos a estar un tiempo escuchando buen rock nuevamente, ya se extrañaba” me dije.

Lo malo es que el disco tiene huecos, las demás canciones no llegan a calar demasiado. Me quedo con el rock más básico que propone este disco, ahí cuando no hay que pensar demasiado Hold Steady consigue algo harto bueno, y para ello paga tributo a todos los padres del rock norteamericano de toda época, y mal o bien nos dice que estamos poniéndonos mayores pero al carajo, tú debes seguir tu camino.

 

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Beach House - Devotion

 

Beach House – USA

Devotion – 2008

 

Las buenas texturas de Devotion me han capturado finalmente. No es que se trate de una obra maestra, de manera que tranquilamente podría no encandilarte en absoluto y hasta dejarte dormido de puro desentendido. Pero, si no ocurre eso, deberías en algún momento estar sucumbiendo tranquilamente ante las relajadísimas melodías de wedding bell y sobre todo de Gila, posiblemente la mejor canción lenta del 2008, un bien diseñado y logrado oasis de confort sobre el confort.

El dúo chico-chica de Baltimore (es un pueblito productivo) nos pasó un buen relajante el año pasado, cogieron como muchos otros el sentimiento de ocaso playero de los Beach Boys y lo pasaron por un baño de dream-pop para actualizarla al instante. A veces la voz de Victoria Legrand se termina ahogando en sus propios sueños y perezosas letanías como en Turtle Island y no obtenemos mucho, pero otras veces la fórmula aterriza mejor y Devotion toca el hombro. Holy Dances se anima a estirarse a lo más hacia lo bailable como su mismo titulo lo sugiere,  y Heart of chambers con su perfecto equilibrio sonoro sostenido en los fieles teclados fanstasmales y baterías invisibles de Beach House nos roba la atención.

Considerando que la fórmula de Beach House es por decirlo así, poco vendedora, y que están restringidos a pocos alcances instrumentales, escuchar la buena productividad dentro del minimalismo de Astronaut demuestra un buen rato de inspiración e ingenio de estos músicos creyentes del romance oscuro de los años viejos.

Ahora bien, mañana es lunes y hay que volver al sistema, el recuerdo de Devotion se desvanecerá con la bulla. pero no las ganas de volver a ingresar a su humilde e imperturbable mundo.

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Zee Avi – Zee Avi

 

Zee Avi – Malasia

Zee Avi - 2009

 

No sabía que pensar ni sentir, hacía calor en una noche de naciente invierno, ella no me había dado el eco que hubiera querido, no me sentía el mejor y venía perdiendo el tiempo hacía tiempo ya; por otro lado mis padres andaban muy felices y yo por ellos. Es decir algo bien por aqui, algo mal por allá. ¿Estar bien? o ¿estar no-bien?

Algo fallaba, un té caliente quizá pueda enjuagar la garganta de grasas y sapos tragados durante el día. Nada, tampoco era eso, intento hablarle a ella, es nueva, andamos en cosas pero aún nada concreto, intento, hay eco, pero no demasiado, por ahí tampoco vendrá la satisfacción.

Lo sé no es gran cosa, es sólo una noche fallida, de esas que probablemente todos están teniendo en todos lados (saludos a mis amigos), dormir y despertar será suficiente. Pero antes escucharé un rato a el disco homónimo de la debutante Zee Avi que últimamente me ha estado coqueteando un poco, además tiene una onda pasiva, quizá caiga en los brazos del sueño.

Pasa una, pasa otra y cuando lo noto, aunque suene raro, no estoy dormido, sino metido en el disco, de hecho regocijado en su calidez y absoluta generosidad. La voz de la malaya ésta vez ha sido definitiva, me ha cautivado y me ha limpiado la mente. No he dormido pero mi cuerpo se ha recuperado al oírla, a ella y a sus instrumentos cómplices que bailan juntos dando en todos los blancos. Quizá sólo necesitaba estar con polvo encima para que sus delicadas cuerdas vocales tengan un efecto notorio ahora si, un efecto de limpiador.

Y si no te animas con eso quizá te interese saber que hay algo de Morrisey metido en ésta obra, y ¿que crees? lo hace bien.

Nunca pasándose de miel, pero si con una buena ración azucarada en relación a las demás. Nunca brusca, siempre ligera, pero tampoco anodina, ella de todas maneras tiene algo para ti. Estoy seguro, necesitas descubrir el momento adecuado. No dejes de escucharla, es un gran debut y si pues, ahora lo tendrá que superar pero eso será otro tiempo, mientras tanto a disfrutarla.

Enlace borrado (cómo jodes Blogger!)

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Okkervil River – The stage names

 

 

Okkervil River – USA

The stage names – 2007

 

Pienso que no estamos más en la época en que es común luchar por impresionar al otro con el sonido, los ochentas lo fueron. Por esos días configurar un componente Pioneer y unos eficientes parlantes triaxiales reproduciendo a los Dire Straits, Michael Jackson o Madonna era un pequeño acontecimiento de barrio, la gente se podía reunir al lado para curiosear y apreciar el sonido estrella. Era el auge del pop y del rock de fácil escucha, sin demasiadas capas encima, no quiero decir que era mejor, era simplemente más limpio. Sin embargo éste espectáculo sonoro fue cayendo poco a poco, sobre todo con la ensuciada en que se metió una buena parte de la música mainstream en los noventas, para luego entrar prácticamente al descuido auditivo total con el auge del sonido digital en formato comprimido.

Hemos terminado acostumbrándonos a eso, poco se vibra ahora con bajos demoledores, baterías secas, guitarras gruesas y platillos filudos; Por ejemplo sabemos que Animal Collective es una buena banda, referente de la época actual, pero realmente su sonido no se puede usar para mucho más que para oírlos de puro gusto, olvídate de pruebas de sonido, test de equipos y esas cosas. Haciendo memoria, lo último que me ha volado el cerebro con el sonido ha sido Lateralus (2001), Who Killed the Zutons (2004) y Amnesiac (2001), tendría que rebuscar forzadamente para encontrar más. No se trata tampoco de algo catastrófico, de hecho dudo que haya mucha gente que piense como yo, o que si quiera le de importancia, pero para mi la guerra por el volumen y la compresión de data son las peores cosas que le pueden haber pasado a la música a nivel auditivo. Y si me dices: "pero los sonidos ochenteros eran más básicos como para sonar mejor", pues ahí tienes el Doolittle y Daydream Nation como claros ejemplos de sonidos contundentes y no necesariamente limpios cuya masterización se lleva de encuentro a la mayoría de discos de los últimos 10 años.

Sin embargo este disco The stage names y supongo otros más que no habré escuchado, nos dicen que aún se trabaja cuidadosamente con sonido en algunas obras contemporáneas. Al oírlo es fácil percatarse de la claridad de llegada que poseen todos sus elementos, su sonido es sencillamente notable a pesar que tiene un formato rock adornado de muchos instrumentos secundarios.

Bien pero esta claro también que su contenido es lo que lo termina por convencer, pues estamos hablando de una obra que llegó el 2007 repleta de composiciones importantes, de mucha calidad de arreglos y de mejores ejecuciones e interpretaciones. Nueve canciones son pocas pero también lo hacen un disco eficiente, sin falla, imprescindible.

Mucho aporta la salivosa voz de Will Sheff, cuyo cantar como que invita al coro como que aterriza la intención de todos los instrumentos para con la canción. En la tripleta inicial es esforzada pero muy emocionante, y en la bonita savannah smiles absolutamente todo la atmósfera se relaja, lo mismo que en a girl in port en donde ya pagan tributo a los Stones sin dejar de ser Okkervil River. Notables estas.

La cadenciosa You Can't Hold The Hand Of A Rock And Roll Man invita simpáticamente al baile, y a la descarga de emociones; Title track recuerda algo a los sufrimientos de los personajes de Berlin y John Allyn Smith Sails finaliza la obra con una porción de esa perfecta e inmortal construcción coral de los Beach Boys llamada Sloop John B, todo esto como para no quejarse de nada y terminar la escucha con una sonrisa de satisfacción en el rostro.

La portada es un arte retro bastante deficiente pero lo de adentro si que es valioso ¿Te hace falta algo así?

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The Magnetic Fields – 69 love songs

The magnetic fields – USA

69 love songs – 1999

Considerando que historias de lo que se suele generalizar en el término “amor” abundan, que las personas dedican buen tiempo a pensar en sus ilusiones, a veces para bien pero más para mal porque no saben por qué sus “tontos corazones” siguen tal camino. la intención de los Magnetic Fields al hacer un disco tan pero tan extenso abordando casi todas las variables de las relaciones entre personas y los tipos de canciones que ya se han creado sobre eso, puede graficar claramente que variedad de historias puede haber, pero conclusiones o explicaciones claras realmente hay pocas.

Entonces deciden simplemente componer y cantar todo lo que les salga del pecho, y a éste difuso mundo entrarle con todo lo que tengan a mano. Aparte de lo normalito que se puede hallar en las canciones, notas también cosas muy propias del sonido Magnetic: mucho colorido instrumental alternativo (xilófono, banjo, sintes, etc), las mismas voces del barítono Stephin Merritt cabeza de todo el proyecto también se destacan claramente, estilos que incluyen secuencias rítmicas primitivas como otras más complejas siempre escoltando las composiciones de onda meliflua hasta la médula. Este es pues un disco preciosista cuya única aparente intención es ofrecerte 69 fugaces homenajes a las canciones de amor.

¿El resultado? Es posible que animado ya a escucharlo, lo hagas pero nunca lo termines, quizá no pases del disco 1 (sin duda el mejor). Hay recibimientos múltiples frente a ésta obra, un amigo me decía: “ése disco es extenso, pero no tiene desperdicio, algún tiempo me hice adicto a varias de sus canciones”. Discuerdo de lo primero, creo que hay canciones que sobran notablemente. Para ponerlo en chuscos porcentajes diría que el 40% del disco vale joya mientras que la otra parte es prescindible. Pero lo otro si es cierto, de esa parte generosa hay canciones realmente bonitas y dulces a las que si pues, podrías hacerte algo menos que adicto:

I Think I Need a New Heart, Washington D.C.,Promises of Eternity, I Don't Want to Get Over You, I Don't Believe in the Sun, How to Say Goodbye, For We are the King, (Crazy for You But) Not that crazy, Come Back from San Francisco, absolutely cuckoo, Busby Berkeley Dreams, Bitter Tears, All My Little Words, A Chicken with Its Head Cut Of, Kiss Me Like You Mean It, The Luckiest Guy on the Lower East Side, Queen of the Savages, Papa Was a Rodeo, The Night You Can't Remember, Nothing Matters When We're Dancing, Let's Pretend We're Bunny Rabbits, The Way You Say Good-Night, Time for Rocking When We're..., the book of love, The Death of Ferdinand, Very Funny, Epitaph for My Heart, I'm Sorry I Love You, Asleep and Dreaming, Acoustic Guitar.

¿Alguien podría dudar de la calidez, lindeza e ingenuidad intencionada de las casi treinta canciones anteriores? ¿pero por qué no se hicieron sólo 2 discos con éstas y algunas más? ¿por qué 69? si tranquilamente hubiera quedado como la obra definitiva del pop romántico contemporáneo! por qué! son cosas de la mente de Merritt, igual el disco queda, igual se agradece el aporte con todos sus puntos álgidos como intrascendentes y está por cumplir 10 añitos en poco tiempo.

Ya tu decide qué haces con su contenido: dedicarlo, absorberlo, proyectarlo, etc. Quizá hacerle un video-fan encantador como el que está abajo, video de corte apropiadísimo para una canción que suena tan dulce. Por cierto escuchar la misma te dará una síntesis de lo que es la obra completa a ver si te animas. Un saludo para Carlita quien me lo enseñó pero no se si me leerá ya.

Y otro para Fanny… que estés bien lindaza, siempre estaré ahí.

Y aquí otra.

Descargar 69 love songs

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PETER GABRIEL - SO

Aunque parezca raro, una verdadera luminaria mundial aterrizará en estas tierras (si es que no lo hizo ya): Peter Gabriel, verdadero factótum de la música llega al Perú. La pregunta que muchos se harán es: ¿quién es este gordito, casi calvo, canoso y barbita candado (irreconocible en la foto arriba)?

No recuerdo bien como escuché por primera vez de este señor. Seguro fue en los ochentas, cuando Genesis sonaba con fuerza en las radios liderada el pelao Collins y a más de uno le escuché decir: me gustaba más el Genesis de Gabriel. Sí, tal vez fue así que escuché de él. Y es que la era "clásica" de Genesis es cuando Gabriel es el vocalista y principal compositor del grupo. Con él editaron los discos Genesis, Foxtrot, Nursery Crime, Selling England by the Pound y The Lamb Lies Down in Broadway. Luego de eso el grupo corrió de la mano de Collins (sacaron el A Trick of the Trail e hicieron el crossover al pop) y en los ochentas son recordados por el enorme éxito que tuvieron... sin Gabriel y haciendo pop.

Mientras, Gabriel se dedicó a su carrera como solista (hasta hoy, rechazando incluso una reunión con Genesis), haciendo varias placas epónimas (Peter Gabriel I, II, III y IV) pero curiosamente alcanzó éxito de ventas cuando viró hacia el siempre rentable pop. Curioso que tanto el grupo como él disputaran los primeros puestos de los rankings, así como disputó con Michael Jackson el cetro del rey de los videoclips -los videos de Gabriel son raros pero muy bien logrados- durante los 80´s. Todo esto pasó a partir de So.

So contiene temas clásicos de Gabriel como Red Rain, Slegdehammer (considerado como el mejor video en su momento), In Your Eyes y Big Time y significó el más importante disco de Peter como solista. El disco es excelente, olvídense del prog o del rock experimental, Gabriel entra en el campo del hit radial pero con resultados de calidad que rara vez se escucha. Ni hablar de Slegdehammer, una mezcla de soul y rock hecha para cantarla siempre en coro (además de ser el hit del disco). Don´t Give Up, una balada cantada a dúo con Kate Bush que ha sido motivo de varios covers (hasta el pesado de Bono ha hecho su versión).

Hay mucho para escuchar en este clásico de Gabriel, aquí también empieza sus coqueteos con la fusión como muchos lo reconocen, los singles We Do What We´re Road y This is The Picture son ejemplos muy claros. Por mi parte estaré presente en el concierto del gordito. Luego de esto me queda siempre la duda por qué le cuestionaron a Collins el incursionar en el pop. Tal vez para llenarse de plata (¿o no?), sin embargo el ex líder de Genesis también entró al pop con fuerza (aunque con estilos muy distintos). No hay duda que la segunda parte de los 80´s es el reinado de pop por excelencia. De eso nos ocuparemos en otro post. Por ahora, les dejo el enlace para descargar el So y vayan al concierto (con un poco de esfuerzo les postearé algo de como estuvo el concierto).

Descargar So

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Social Distortion – greatest hits

 

Social Distortion – USA

Greatest hits - 2007

 

Juntas un par de guitarras que toquen acordes básicos y primeras agradables; un bajo simplón y una  batería casi primitiva y no obtienes nada especial. Si sus músicos tienen la visión de llevar una canción de Johnny Cash al punk (uno suave, casi rock and roll) la cosa puede ser interesante. Si pones a Mike Ness a cantar, ahí ya tienes algo bueno.

Un sonido que tiene vida propia, una entidad musical reconocible, una pastilla para la juventud, casi un sentimiento. Social Distortion.

Y es que no se puede concebir la música de ésta banda sin la voz de Mike. Expresando sus cosas con esa ronquera sutil y baja tan reconocible. Su garganta carraspera que se acerca más a Dylan que a Cash, tan querida por los fans es tranquilamente la voz del punk ochentero y noventero.

Pero esto es retro, actualmente no hay mucho lugar para la escena hardcore, los Social Distortion son básicamente un recuerdo agradable aunque sigan juntos. Así es la carrera, el rock es un ser vivo que muta, uno de los pocos de hecho. Mike anda ya casi por los 50 y no sé si la banda piense en grabar, no importa mucho tampoco, ellos ya tienen un nombre ganado, vienen acompañando con relativo bajo perfil casi 30 años a la escena, y ya han producido lo suficiente como para armar un buen compilado, el mismo que posteo aquí.

11 canciones desde el año 83 hasta el 03, y casi ni han variado, lo único diferente son los integrantes salvo Ness. 11 tracks parejitos, te gusta uno te gustan todos. Canciones simples, planas, rockerazas y ponedoras. Claro, menciones especiales para las eternas e incansables Prison Bound, story of my life, ball and chain y ring of fire.

Disco altamente recomendable para ponernos punk a todos. Para recordar que hemos sido adolescentes confundidos y que nunca dejaremos de serlo. Desconfío de la frase “el metal es un sentimiento”  pero sí puedo avalar lo de “el punk es una actitud”.

No hay más que decir, homenaje lacónico para una expresión musical también lacónica. Social Distortion forever!

 

 

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Kings Of leon – Only by the night

 

Kings of leon – USA

Only by the night – 2008

 

Los Kings of leon lo han vuelto a hacer otra vez. Nos dan otra ración de rock sencillo y eficiente.

Y es que Caleb debe ser la voz más representativa de la década, la más inconfundible. De manera que la banda en general sólo necesita reunir (como en los disco anteriores) algunas notas a ganador, salpicarlas de guitarras garageras, bajos alegres y baterías finas para construir un disco entero que se venda bien. Así de fácil.

Incluso en este disco ya se ponen algo “comerciales”, y es que con lo mencionado antes hay que entender que no lo eran exactamente. Triunfaron no en su país USA sino en UK, y ahora quieren ser profetas en su tierra, y es posible que éste disco sea una tibia declaración de esas intenciones. Al final comercial o no, el disco llega a cumplir, lo pongo, lo disfruto y no me trae conflictos, simple.

Y para ser más justos hay canciones que realmente me gustan. Pero lo primero, si venías de conocer  sobretodo sus 2 primeros discos y ahora le das play a la pareja inicial de esta placa, te enfrentas a que la línea se ha modificado. Los juguetones sonidos sureños de garaje rock se han puesto más pesados, el sonido es más definido y suenan más americanos de Nueva York que de Tennessee, pero tranquilo no es tanto tampoco, de hecho Crawl no está tan mala, tranquilamente se disfruta pero no creo que lo hagas tanto como con Sex on fire en donde todo vuelve a ser como antes, bajo el molde de siempre, el molde que tanto nos gusta y que en bajo un pacto invisible entre banda-oyente no nos cansamos de degustar.

Pero y use somebody? … ya sé que parece el soundtrack de no sé… ¿El hombre araña? no es algo que sea propio del sonido de KOL pero al carajo me gusta también. Manhattan es otra bonita, sólo que el mejor sonido de KOL si está aquí, su mejor expresión, su esencia.

Y luego el disco continua en la línea de siempre, la línea que los hizo destacar dentro de toda la movida retro tan característica de la década. Han expresado en este trabajo que quizá estén virando, pero no del todo de momento y para eso la segunda mitad de éste disco será la de siempre. Reverly, Notion, I want you y Cold desert prosiguen el disco y también me caen bastante bien, me alegran y acompañan.

Al fin, con 4 discos en su carrera, parejos los 4, y todos en la década presente, estos muchachos del país del norte tranquilamente pueden colocar ya su nombre no dentro de la lista de las mejores bandas, sino de las más representativas y protagónicas. Fluyendo con la corriente que iniciaran los Strokes años atrás y además viviendo bien de ello y con ello.

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Hercules and love affair – Hercules and love affair

 

Hercules and love affair – USA

Self titled – 2008

 

Responsables de mover una buena cantidad de cinturas el 2008, y con la promesa de hacerlo por algún tiempo más, el proyecto Hercules and Love Affair es una de las actuales propuestas dance más sólidas y me animaría a decir que la más.

No es un buen nombre para un proyecto, no es un disco redondo, hay tracks que por más que los toco no llegan a ninguna parte, como time will que abre a tropiezos el álbum y true false/fake que tampoco le pone exactamente la cereza. Pero éstos deslucidos elementos se compensan con las excepcionales composiciones que están colocadas discretamente por el medio. Por lo que éste trabajo debería ser considerado un disco de singles.

Para hablar de la fiesta, de arranque Hercules teme la hace. Combinación disco-electropop con algunas dosis de alucinaciones corales y vientos acelerados salidos de la cabeza del proyecto: Andy Butler, quien secundado por sus demás compañeros de banda otorga a las pistas de baile con esta canción una pieza alternativa en formato retro-contemporáneo para mover esqueletos inquietos y sexys.

Pero es cuando aparecen los ritmos de bajos sincopados cuando el disco realmente brilla. Athene por ejemplo en su combinación disco-funk-wave es una calienta hormonas. Mientras que su consecutiva Blind bajo la misma cadencia pero más acelerada y vocalizada muy peculiarmente por Antony Hegarty pone el colofón a éste dúo sonoro de pastillas para el ánimo.

Iris es vocalizada lentamente por Nomi Ruiz, quien también canta otras más, y de hecho canta la mayoría de las canciones en vivo, haciendo gran parte del espectáculo y dando lo que éste tipo de música necesita para casar el sonido con la imagen, diversión y actitud. Ella (o él) debe con seguridad ser la mejor en ello actualmente.

La otra dupla This is my love / raise me up es la otra torre del disco. Yo me rindo ante los poderosos ritmos funkis de la primera, ensuciados apropiadamente por vientos jazzeros para darle un poco de particularidad. La segunda que suena más contemporánea y popera pero en el fondo está el espíritu disco y dance presente. Repito esta dupla y reflexiono: que maravillosas son las propuestas que nos permiten reciclar estilos pasados para traerlos al frente nuevamente, maquillados con capas de nuevas texturas que las hacen deshacerse de sus telarañas y gusanos que sólo artistas como Andy se atreven a despojar. 

 

Para moverte, para animarte, inspirarte, etc. prueba una dosis de éste éxtasis digital, aqui abajo el link y allá afuera la noche y la ciudad. Hercules and love affair han llegado para ponerle emoción y sudor al fin de década, casi tan bien como lo hiciera Daft punk la década pasada. Se agradece.

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The flaming lips - The soft bulletin

The Flaming Lips - USA

The soft bulletin - 1999

The soft bulletin es el noveno disco de Flaming Lips, para cuando lo sacaron ya tenian 16 años en la escena musical norteamericana en la que habian tenido... ehhh bueno solo un éxito comercial algunos años atras. A eso yo le llamo perseverancia. Ahi donde la mayoria de bandas espera cierto suceso hasta el tercer disco, quizá hasta el quinto, los Flaming quizá nunca lo esperaron, y aqui la excusa de la independencia a la popularidad masiva no cuenta porque son 16 putos años y 9 discos!

Al fin con este noveno disco, llegó un relativo éxito en ventas, el cual se engrandeceria mas con el álbum venidero tres años después, presentando en ambos trabajos un estilo muy peculiar de hacer pop rock. En realidad The soft bulletin y Yoshimi battles the pink robots son casi 2 caras de la misma moneda, y podrían haber constituido ambos un disco doble. 

La incapacidad vocal de Wayne Coyne en las voces cuando escala forzadamente notas altas,  revelada siempre en vivo, y bajo el generoso consentimiento de su público, en realidad hace que su voz suene frágil y sentida en estudio. Es esta una de las caracteristicas patentadas por esta banda, inconfundible y necesaria tambien para que Soft bulletin suene a Soft bulletin. Y en este disco, los Flaming ofrecen durante una hora musica dirigida tanto a oidos detallistas como a corazones felices y no tan felices. Pop alturado, joven, hermoso, alcanzando puntos sublimes por momentos siempre bajo un formato electrónico de base. Un batiburrillo de melodias azucaradas, pianos clásicos y guitarras con baterias chispeantes siempre exitoso dado el talento de estos viejos batalladores de la música, que al parecer alcanzó un punto apropiado en estas épocas.

En realidad es posible que en primera el disco arranque y finalize sin mayor éxito, sobre todo si has escuchado ya el Yoshimi primero. Recomendable es darle mas vueltas, pues mientras lo vas escuchando mas veces, ante ti va apareciendo todo su esplendor. Un momento, esto sucede con todas las escuchas de discos no? cierto, pero realmente este trabajo bien merece la distinción, siempre escuchas algo más que no te habias percatado en la escucha previa. Y demás esta decir que si ya te ha enganchado entonces te mantendrá asi por un buen tiempo. Esto te recuerda a Pet sounds? pues aqui incluso podrías encontrar mas riqueza.

Race por the price es la apertura, precisa, the spark that bled ya le pone una cota de calidad, deja claro que esto no es cualquier cosa pop, lo mismo the spiderbite song, maravillosa y simple, échale atención a esa percucion que mas parece juegos artificiales de tarolas. The observer pone las cosas algo mas obscuras inicialmente, para luego virar hacia la melancolia de manera natural, no hay voces, solo coros tan breves como intensos. Llega luego el sosiego de waiting for a superman, a la mitad, para que te tomes una pequeña vacación bien planeada. Los bajos electronicos de suddenly everything has changed muestran que también son inquietos en estos sonidos y desarrollos, haciendo agradable y un poco mas propio el resultado final.

Listo para el desenlace? que se viene con The gash, un inicio portentoso, chillon y todo eso, pero vaya que se ponen geniales esas estrofas. Feeling yourself desintegrate continuando tiene un inicio simplemente hermoso, letra corta, y guitarra emotiva. Ahora que la escucho, se me ocurre que es la canción mas bonita de este disco y quizá de los Flaming lips. Completa el disco la instrumentada sleeping on the roof cual si fuera una pieza para cerrar todas las escotillas abiertas durante la escucha ya pasada, antes de que vayas nuevamente a tu mundo donde probablemente flaming lips le suene a la gente a una frase maricona antes que una banda de musica pop dulce y elegante al mismo tiempo.

Y ahora que hay muchos conciertos por aqui, que esperamos con ansias las visitas de Animal Collective, REM, Jesus and Mary chain y demás en Lima, no estaría de mas pensar en que estos tíos vengan por aqui a hacer sus cosas extrañas y surrealistas en el escenario, nosotros por nuestra parte estaremos encantados de ayudar a Coyne a cantar todas las canciones. 

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Bert Kaempfert - greatest hits

Bert Kaempfert - Alemania
Bert kaempfert and his orchestra (greatest hits) - 1958 - 1970

Si regalas un disco como este, estas regalando además de un disco, deseos de sentir alegria interna a tu agasajado. Un verdadero deseo de algo, no una frase mecánica tipo "feliz navidad" o "feliz cumpleaños"

Mi tio escuchaba estas canciones en vinilo, yo las oía desde que era niño hasta que este formato desapareció, quizá tu tia, tu abuela o tu viejo también las escuchaban. En sus épocas o para especificar: años 50 y 60, estas expresiones (artistas, melodías, estilos) estaban de moda, las llamaban sugerentemente easy-listening. Las ponían en las reuniones, mientras conversaban sobre sus vidas, donde todo parece que era mas tranquilo, de seguro vidas menos intensas que las actuales. Los escuchas de entonces se sentaban a disfrutar plácidamente de aquellas obras, frente a su tocadiscos (previa limpieza de surcos y aguja), viendolos girar y girar, emitiendo la música marcada en el vinilo, formato analógico, como debe ser. Nosotros por supuesto no tenemos esa suerte ya, todo ahora es CD y peor aún MP3, el cual por mas que esté con bitrates altos nunca podrá llegar a la fidelidad que tenia el vinilo. Sin embargo y para mi alegria ahora muchos de mis artistas preferidos estan sacando sus trabajos también en este formato asi que, ya viene siendo momento de hacerme de un buen reproductor.

Bert Kaempfert? mayores datos en Wiki por favor, era un músico total. Componía, arreglaba, dirigía, producía y respiraba música. Tiene muchos discos en su discografía segun he visto. Lo conocí por unos vinilos de "hermosas melodias" de mi tio. Decidí hacer una selección de las mejores según mi parecer y regalarla a mi madre, para ser usada en sus habituales "te de tias", pues esa música les gustaba y de hecho a mi también. Me di cuenta que las canciones que más me gustaban eran precisamente de un tal Bert K. Diablos es bueno! decia, me gustaba esa elegancia, ese bajo caminante, ese ritmo jazzístico, coros hipersutiles, y por supuesto los vientos. De la música instrumental clásica debe ser de lo mejor que se haya hecho. Toda esta generosidad estilizada mencionada no se queda sólo en eso, sino que logra transmitir emoción y alegria hasta que en un momento te sorprendes a ti mismo con los pies al son de los platillos, y quizá con un "tururu" acompañando al corito.

Aqui, encontré un excelente compilado de sus composiciones, si, dije composiciones, la mayoria son canciones aregladas por él, en este caso director de orquesta. Estan la hermosísima red roses for a blue lady, la mejor para mi, cuidado puede emocionar mas de lo esperado. Spanish eyes en menor medida, deja su mejor momento para el final; Love es irrefutable, Stranges in the night bueno nada que decir aqui y a swinging safari es una despedida al oyente con buenos deseos mas un plus de energía incluidos.

Los tiempos actuales no dan para mucho Bert Kaempfert, una pisca de su arte en un paréntesis temporal de cuarenta minutos si te agrada sera suficiente alimento para el espiritu, después volverás a tu vida intensa, donde a lo más tienes herederos como Air y Stereolab, pero aquellos tiempos del easy-listening con el teutón Bert K. definitivamente no volverán. Y Mejor que sea asi.

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Máquina total 3 - Tranqui colega

Artistas varios
Máquina total 3 - 1992
Mezclado por Jose M. Castells

Máquina Total? no eran esos mixes algo infantiles que se hacían con retazos de canciones techno normalmente regularonas?

Ah y no olvidemos las carátulas!

Un poco si, y aparte de la saga de máquinas totales tambien existían otros mixes españoles de nombres un poco tontos (Bolero mix, locos por el mix, etc) construidos casi siempre por las mismas personas. Pero toda saga extensa que por más devaluada que haya terminado definitivamente tuvo que haber tenido su momento, Máquina lo tuvo y debió con seguridad ser Máquina Total 3 y 4 (y se podrían colar 5 y 6) de hecho con éstos trabajos llegaron por aqui, por Lima, por primera vez, por el ya lejano 1993 cuando en España ya venia sonando hacía tiempo el techno industrial y el bacalao.

No importa lo que hayas esuchado de los mixes españoles, del pobre techno de años 95, 96, en Máquina total 3 concretamente se consiguió reunir un buen puñado de canciones techno, de esas que rememoran a juegos de video de Nintendo, que solían introducir reverberaciones tipo industriales que luego serian masivas con Prodigy; un techno casi embrionario y de pocas variantes, que evocaban a la guerra del golfo, a la pelicula Terminator y cosas asi. Las canciones estaba bien elegidas y la mezcla principal tambien resultó muy bien hecha, prácticamente se convierte en una sola suite electrónica, muy bien enlazada, pasando de tema en tema de manera uniforme y casi transparante con una misma energia en casi todas sus partes, cosa que la hace mas cohesionada. Esto se perdería en mezclas posteriores, ya con canciones vocalizadas en donde en la mezcla pasa de melodia 1 a melodia 2 y asi sucesivamente, perdiendo un poco la gracia de un mix que resulte un track mas en si mismo.

Los sonidos de espiral, the object, dance your ass off, Hiroshima, James Brown is dead y demás, que son canciones con influencias de bandas básicas como Kraftwerk y New Order fueron bien escogidos y mezclados acertadamente por Jose M Castells con equipos en su mayoria analógicos, realizando las uniones y efectos básicamente "cortando y pegándo cintas". Porsupuesto ahora ya no es necesario ésto, pero hace 16 años si o era. Lo interesante es que en las anteriores máquinas no participó él, y en las sucesivas participó con alguien más, de manera que ésta es una mezcla completamente suya.

Disco doble rescatable de aquella desdibujada saga, donde algunos tracks pueden ser prescindibles pero en suma es un disco que logró algunas cosas, entre ellas traer algo del Bacalao discotequero de fin de semana nocturno español por tierras Peruanas, cosa que finalmente y tras algunas "evoluciones" generó una moda dance de algunos años no necesariamente ricos musicalmente pero divertidos al fin.

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Aphex Twin - Selected ambient works 85-92

Aphex Twin - Reino Unido
Selected ambient works 85-92 - 1992

Para la mayoría de gente de mi generación, la palabra o género techno tiene un lugar en su mente, y quizá en sus memorias. A mediados de los noventas este estilo se volvió muy popular por estos lares, en un inicio con canciones decentes, y luego, con su comercialización con producciones enlatadas bastante mediocres. Digamos que del 92 al 94 hubo cosas interesantes , por mencionar algunas: Culture Beat, Le bouche, Cap Hollywood; quienes produciendo beats bastante facilones pero efectivos pusieron su aporte en la época. Viene a mi memoria con agrado lo mucho que me gustaban los mixes expañoles, en especial las máquina total 3 y 4, que después irían decayendo como el techno en general. Por supuesto ésto es algo completamente subjetivo, a mi no me va mucho el techno con la melodía, lo prefiero industrial o abstracto. Era bastante jóven y recuerdo con agrado esa época.

Ahora, bien, se sabe que este género es solo una rama de la música electrónica en general (rave, acid, house, etc etc y bla bla) pero debido a que el disco que reseño esta ubicado temporalmente en el año 92, se puede considerar que fue influencia para parte de la música mencionada anteriormente, otras produciones interesantes (que haya escuchado) pudieron ser The white room de KLF, cuyos sonidos sumados con los de éste disco contienen un buen catálogo sonidos que se usarían luego por muchas producciones electrónicas venideras, ejemplo clarísimo en este disco: Pulsewidth.

Pero dejando de lado el asunto de influencias e historia, éste trabajo es en serio una expresion artistica genuida, tanto si hubiera salido en el 2007 aún sería aún fresco. Contiene una colección de composiciones sumamente consistentes, sentadas en bases ritmicas repetitivas, pero hipnóticas. Construyendo paisajes sonoros que invitan a acompañar muchas facetas de tu vida. Digamos que si lo usas como fondo sonoro para un video, estaría probablemente perfecto.

Cual es su mérito? pues es simple, Richard D. James es un gran buscador de sonidos agradables, elegantes y extraterrestes, el resto es juntarlos con una base ritmica apropiada para finalmente hacerlos repetir sin nunca perturbar ni agotar al oyente quien ya esté envuelto en su atmósfera. Bajos pesados e interesantes terminan por delinear toda la estructura. De manera que este disco no se hace ni molesto ni aburrido, aunque si es extenso pero vamos, lo puedes escuchar en 2 tiempos, no hay pierde diríase. La mayoria de tracks contienen el mismo efecto, aunque Green calx puede tener un grado de ruido extra debido a su chillon y acida linea de bajo la mayoria invita a darse un viaje espacial similar a los que el talento de APhex Twin o Richard D. James debió tener cuando componía esta obra.

Selected ambien works se convierte sin mayores comentarios en un disco imprescindible para todo amante de la onda electrónica, y un disco de escucha recomendada para los oídos en general. Una de esas obras que que sabes que tiene algo para todos, no desafía, sòlo obsequia e inspira, dejando de paso muchas bases para las futuras construcciones musicales.

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LARCO ES MÁS QUE UNA AVENIDA

Tras ese oscuro tiempo que significó los setentas para el rock en Perú (leer el post sobre Telegraph Avenue y esa década) y en general para toda actividad, se empezaron a respirar otros aires en estos lares. La democracia trajo libertad en todos los campos pero también trajo sus problemas. Sin embargo, la música experimentaría una especie de renacimiento a partir de aquí (renacimiento que moriría en la segunda mitad de los ochentas, no por represión, más bien por una atroz crisis económica propia de un país en guerra). Serían cinco muchachos de Breña, quienes ya tocaban algunos años juntos, los que editarían un disco que significó la primera luz luego de las tinieblas setenteras.

Andrés Dulude (voz), Octavio Castillo (teclados), César Bustamante (bajo), Luis Valderrama (guitarra) y Arturo Creamer (batería, luego reemplazado hasta la actualidad por Jorge Durand) empezaron el proyecto Frágil en 1976. Como es evidente por aquellos años las influencias eran grupos capitales del rock progresivo: Yes, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, Genesis, Led Zeppelin y paro porque la lista es extensa. Creo que las influencias son más que determinantes a la hora de escuchar a Frágil, la voz de Dulude cercana a la Anderson, los teclados de Castillo similares a los Wakeman o Emerson, la flauta... pues la flauta parece más a la de Gabriel que a la del gran Anderson.

Tras tocar covers especialmente de Genesis y Yes (quienes los hayan visto pueden afirman la calidad para esto de Frágil), se animan a realizar sus composiciones propias y alcanzan a pasar a la historia con un disco que lleva el nombre de una avenida. El suceso de Avenida Larco fue tal que recuerdo que mi hermana me contó que cuando los escucharon en la radio, la mayoría pensaba que eran argentinos o mejicanos (algo muy nuestro, no pensamos que podemos hacer buen rock). El resto creo que es historia muy bien conocida por muchos.

Pero, ¿cuántos de nosotros hemos escuchado este disco en su integridad? ¿Es Av. Larco lo mejor del disco? Más allá que en este disco ubiquemos lo que podríamos llamar el himno nacional del rock peruano, aquí se pueden escuchar temas superiores a esa canción -un dato que encontré en Internet es que Av. Larco fue colocada en la placa por presión del productor, Frágil no consideraba a este tema dentro de su début-. Sólo al inicio tenemos el instrumental Obertura (usual tema que abre cada presentación de ellos), un tema muy progre y excelente. A medida que el disco avanza se puede notar claramente el alto contenido social de los temas. Pepas, Pastas y otros Postres es un ejemplo bellísimo, un tema con una melodía maravillosa y una letra fantástica.

A partir de ese tema el disco tiene un nivel de clásico. Esto es Iluminación le sigue a Pepas..., es otro gran tema pero la segunda parte -supongo que correspondería al lado B del LP- es aún más buena. Si te gustó el disco hasta ahí pues luego la cosa se pone mejor con Floral, El Caimán y Oda al Tulipán. Escuchen El Caimán porque es tal vez el mejor tema del disco -en las radios creo que ha sido el único tema aparte de Larco que he escuchado de este disco-. Para terminar está Lizy, tema instrumental con una flauta ejecutada de manera magistral por Tavo Castillo. El único punto bajo es el último corte, Le dicen rock, que cosa curiosa no es cantada por Dulude -en verdad, no sé hasta hoy quién canta esa canción-, tema que rompe con la onda del disco, escúchenla.

La pregunta que sale a flote es por qué siendo el grupo de larga data tienen tan pocos discos, sabemos que sacar un disco en Perú es difícil pero hablamos de nuestro grupo bandera. Sólo nos queda disfrutar de este gran disco y, si pueden, ir a la presentación de Frágil en este mes. Les dejo el link de descarga.

Descargar Avenida Larco

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