Lightning Bolt – Wonderful Rainbow

USA - 2003

Wonderful Rainbow es un titulo perfectamente burlón para el material contenido en este disco, material que en si mismo también resulta burlón hacia lo que es la música en general. Dos norteamericanos, socios entre sí, socios del ruido y algo desquiciados se inspiran para crear unos ruidos que al fin y al cabo uno logra enlazar con lo que se conoce como música gracias a los ritmos atolondrados pero correctos que Brian Chippendale le impregna a su latosa batería, batería que a veces lidera, pero otras veces ciertamente sigue a el bajo (escuchar la carrera por el mando del compás en la emocionante two towers). 

Luego Brian Gibson en el bajo sólo tendría que llenar el aire de distorsiones motivadoras y todo saldría bien, sería un drum and bass más. Pero no es así, pues el flaco se manda unos riffs sencillos pero contundentes que recuerdan algo al punk más viejo e inmaduro y con ello Lightning Bolt queda como una cosa que se tiene que disfrutar necesariamente.  Aunque parezca una (o conduzca a la) locura.

La descarga inicial de assassins, dracula mountain, two towers y on fire casi y se hacen todo el disco. El retumbar de las lunas de la habitación al mando de los solitarios graves distorsionados es suficiente para saber que este disco ofrece poco y mucho al mismo tiempo (depende de uno con qué quedarse).

Ya como capricho compositivo, Chippendale se anima a balbucear incoherencias al micrófono, graficando con ello el inconformismo de los que hacen esta música, y de los que la escuchan.

El placer sónico que ofrece esta placa es algo que no se entiende, sólo se experimenta. Ahora, si leíste hasta aquí deberás obligatoriamente ver el video de abajo y luego, si lo quieres, descargar la bulla.

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Drive-by Truckers – Southern Rock Opera

USA – 2001

A los Driver-by Truckers les importa un carajo que su sonido sea completamente norteamericano, que sus guitarras huelan a carretera, que su nombre refiera a el típico camionero malhumorado de History channel, que sus canciones tengan todas el mismo riff guitarrero que ni siquiera es propio de ellos, y lo que es más fresco, que hayan hecho un disco doble con esa misma formula repitiéndose una y otra vez. Con todo eso son casi ídolos en su país y el disco es altamente bueno, En realidad es jodidamente pegajoso.

La historia contada en 2 partes –para darle la redondez al asunto- está llena de perlitas bastante típicas pero que siempre caen bien escuchar para quienes tenemos debilidad por unas guitarras y platos brillosos bien ejecutados. Así es, sus personajes se llaman, Wallace, Bob, Ronnie (fácil se me pierde algún Bob por ahí), quienes toman Jack Daniel’s, latean por Alabama y son borrachitos vagabundos haciéndole sombra a lo que todo buen macho americano debe preciarse, amar el rock and roll, el juego y la bebida. Es decir Southern Rock Opera dice directo, y sin dudar lo que quiere decir, y realmente esa honestidad combinada con eficaces arreglos orquestales es muy difícil de resistir. Y cuando digo eficaces quiero decir eficaces, ¿o acaso esa batería dura y llevadera junto a esas 3 guitarras perfectamente fusionadas son algo a poner en duda?. Hasta las voces tienen el timbre justo que todo yanqui –y no yanqui- quiere oír cuando se anima a sumergirse en este mundo de carreteras interestatales.

 

A veces te dices, diablos si ese riff es como el de la canción anterior. Poco importa, igual caes pegado a la nueva tramposa que te seduce y te vez pronto tamborileando el piso. En ese sentido este disco puede ser rockero hasta el ultimo toque, pero algo de pop también tiene.

Al final, si te gustan Eagles, Lynyrd Skynyrd, Neil Young o hasta Nada surf este disco te va a gustar si o si. Y ya poniéndonos menos matemáticos, hay que decir que este doble whisky sonoro al final convence y es uno más de los tantos buenos obreros modernos del sueño americano que quiere volver a sus raíces de donde alguna vez se desvió para su mal –según ellos-.

Pd: casi entra en mi lista
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The Hold Steady – Stay Positive

 

The Hold Steady – USA

Stay Positive - 2008

 

Huelen a carreteras, motos, cerveza y rock and roll. Pero se dan tiempo para sonar bonito.

Copilotos de camino de los Drive-by truckers, The Hold steady no es más que rock básico y común con la intrusión especial de un órgano.  ¿Y entonces?

Bueno, sólo escucha Lord, I'm Discouraged y piensa si esa melodía fácil cantada por la voz melancólica y evocadora de Craig Finn mas ese sólo de guitarra que parece que lo tocara el mismo Mascis de Dinosaur Jr no resulta por enésima vez cautivante. ¿Podrías también resistirte a Yeah Sapphire cuando sabes que es como tener la oportunidad de escuchar a Husker Du en tu tiempo? y de hecho si no nos pusiéramos a evocar demasiado, así no conocieras a los rockeros viejos, igual te templarías de la canción mencionada porque, es una buena rola al fin.

“Magazines and daddy issues, I know you’re pretty pissed, I hope you still let me kiss you” dicen en un momento, bajo una melodía rockera, barata y voces aguardientosas que van directo a escarapelarte la piel. Los yanquis declaran con ella que tras esa pared de guitarreos y machismo tienen algo que amar y extrañar,  algo que ofrecer a tus oídos demasiado calmados últimamente. Como buenos seguidores del post punk no se complican nadita en la combinación de acordes, apuestan a seguro y no fallan pues Magazines conmueve, de verdad que si.

No he olvidado el tremendo dúo de pistolazos que da inicio al disco, Constructive summer y sequestered in Memphis, yo hincha de los Social Distortion caí bajo la energía suprema de estas 2 poderosas canciones apenas las conocí. “vaya vaya parece que vamos a estar un tiempo escuchando buen rock nuevamente, ya se extrañaba” me dije.

Lo malo es que el disco tiene huecos, las demás canciones no llegan a calar demasiado. Me quedo con el rock más básico que propone este disco, ahí cuando no hay que pensar demasiado Hold Steady consigue algo harto bueno, y para ello paga tributo a todos los padres del rock norteamericano de toda época, y mal o bien nos dice que estamos poniéndonos mayores pero al carajo, tú debes seguir tu camino.

 

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Boris – Smile

 

 

Boris –Japon

Smile – 2008

No estoy molesto, de hecho estoy contento que le daré una sorpresa a mis viejos ésta noche pero debo decir esto:

Odio que cuando subo a los carros la bulla que ponen sea siempre más fuerte que la de mis audífonos. Y nunca puedo ganar en eso, claro que podría subirle más y más el volumen al Ipod pero estaría haciendo estallar mis tímpanos, como esos tipos que cuando estas sentados al lado, puedes escuchar claramente las trompetas de la salsita que se están mandando en sus audífonos que casi bailan de intensidad. No, no soy de eso, le pongo el volumen adecuado y me voy a la calle, pero apenas subo al carro está la maldita bulla siempre jodiéndome la existencia.

No detesto a muerte la cumbia ni el reggaetón, sólo los maldigo un poco, pero realmente cuando escucho mañana y tarde las mismas malditas canciones, puta un odio visceral y honesto sale desde mis entrañas hacia esas canciones. Si tan sólo los choferes tuvieran un poco de independencia de gustos, algunos escucharían cumbia, otros mas sabrosones su rica salsa, otros medios tíos su guaracha, otros mas locos rock n’ roll, otros templados su hora del lonchecito, otros medio fercho-snob su rico indie y cosas así. Pero no mierda, todos escuchan esas basuras de frecuencia modulada llamadas Panamericana, OK Radio, La Mega, etc etc. ¿Puta cuando se volvió tan chacra Lima? ¿quien inició este asqueroso círculo de contaminación auditiva? sabemos que la gente escucha música populocha, por tanto las radios ponen eso, pero es responsabilidad de las radios inculcar nuevas corrientes a la gente y no lo hacen porque así nos los sintonizan. Tamare algún reglamente que rompa con toda esta vaina sería la voz. Por ejemplo quitarle de arranque las licencias a las radios mencionadas anteriormente, luego prohibir que un grupo de cumbia saque más de digamos 10 canciones iguales a su hit principal, prohibir generaciones de bandas exitosas tipo “la joven sensación versión 5”, exigir que se pase a Bob Dylan en la hora del lonchecito aunque los tíos no entiendan ni un carajo al inicio, de la misma manera prohibir inapelablemente que se difunda la bachata en las discotecas porque eso me baja las energías SIEMPRE. Cosas así.

Tamare hoy quería escuchar chévere el Sunshine hit me de The bees pa’ relajarme un rato después de la chamba, me subo al carro y puta está sonando una huevada que decía “largatee largateee”… no había duda, era la cumbia otra vez, le hice la guerra subiendo un cachito el volumen y nada, la porquería esa se metía por los audífonos. Luego otra canción, luego un reggaetón y así hasta que me bajé sin poder soportar todo eso más. El disco creo ya había terminado para eso, luego subo a mi otro carro (puta me han mudado en la chamba lejos) y escucho una salsita simpática, decido calmarme y disfrutarla por que no, me gusta la salsa, termina el tumbao’ y puta empieza esa cosa llamada “llevo la vida de un triste payaso…”, era RadioMar que se había vendido ya también a pasar música “variada y alegre”. Estaba jodido. Jodido como el futbol peruano.

Lima, no te odio, de hecho te quiero, me largo de ti los feriados largos pero te quiero, sobre todo cuando sobre ti veo caminar esos cueritos por San Isidro (Juan de Arona con Rivera Navarrete), pero realmente me jodes con todos tus graves problemas de bulla. Encima si proyecto comprarme un auto tengo que enfrentar el tráfico, los trabajos de Sedapal, las pistas rotas, los by-passes sin finalizar (hasta cuándo San Marcos!)

La culpa siempre la tuvo el chino-rata, todos lo sabemos, para vengarme planearé como ir a su celda y de noche poner a todo volumen y con parlantes de 20 pulgadas sin crossover un disco de sus paisanos Boris, para que sepa lo que se siente que te joda la bulla, aunque quizá le termine gustando porque al final este disco es de puta madre.

 

Pd: Ahora si estoy asado, mi hermano se me adelantó en la sorpresa csm! maldito Boris pa ti también!

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Yes – Story song

Sorry no tengo la carátula

Yes - UK

Terminaba de ver por quinta vez esa entrañable película llamada School of rock, con el gordo Jack Black como siempre hablando de rock con esa pasión que hace pensar que es tan melómano en la vida real como lo es en la película (lo mismo que en High Fidelity) y estando solitario en casa y siendo un sábado por la tarde mi puro instinto me llevó hacia el equipo de sonido, tenía que hacer algo de bulla, tenía que rockear como aquellos chiquillos de la película, guardando las aburridas diferencias claro. Primero pensé en Deep Purple, luego Fleetwood mac pero al final me decidí por un CD pirata, doble y amarillento de puro viejo que está, así es, pirata y viejo es posible. CD recio que se niega tercamente a morir desde hace 8 años, que se niega a dejar de brindar su riqueza sonora grabada digitalmente en él.

En realidad no lo compré, lo saqué de una tienda de discos que lo dejó tirado por “hueso” y lo tuve por ahí, sin darle bola por un par de años.

Fue cuando inicie mis primeros acercamientos con el bajo eléctrico en una banda hace 4 años y cuando vi la película Buffalo 66 (donde en una escena ponen de fondo Heart to the sunrise) que finalmente por curiosidad le di algunas tocadas, primero me llamó la atención la duración de las canciones y su complejidad, eran mis primeros acercamientos con el rock progresivo y lo hice sin saber con los capos (quizá de otra forma me hubiera aburrido). Luego cuando ya iba asimilando un poco, ya algunas me empezaron a gustar, y para ser más exactos me empezaron a loquear. Al fin después de muchas escuchas exquisitas, el disco 1 de éste compilado que posteo aquí me terminó por encantar. Así es, la legendaria banda Yes, respetada por muchos y odiada por otros, ahora era una de mis preferidas.

¿Que hay en éste compilado?

Primero debo decir que los álbumes de Yes nunca los he escuchado enteros, tan sólo tengo este doble y el vinilo Classic. No parece ser una banda que haga discos parejos (no estoy seguro) sino singles tracks espectaculares y por eso un Story Song como éste cae perfecto. Segundo si bien es cierto el segundo disco de éste compilado cubre un par de discos importantes de la banda (según dicen) y tiene a las bonitas Soon y wonderous stories, es el primer disco el que cubre su mejor etapa 69-72 y el que se hace realmente indispensable en cualquier colección. La lista es:

Survival – Yes (1969) : ¿Suena vieja no? pero ya aquí nomas, en sus inicios son unos malditos capos, la cara opuesta a la simplicidad del punk que 10 años mas tarde llegaría a derrotar tanta técnica. Yes tenía la magia necesaria para ser complejos y técnicos pero a la vez ser maravillosos y convertirse al fin en un disfrute genuino para el oído.

No opportunity necessary, no experience needed – time and a world (1970) : No sé pero yo esa intro de teclado la he escuchado en alguna parte cuando era chibolo. Esta es espectacular, de un disco en que se mandaron con sonidos portentosos y todo esa vaina que le achacan a veces al progre, pero que se jodan aquí los que quieren sólo sencillez, esta canción es maestra. Y ni que decir de la línea de bajo del gran maestro e hijo de puta llamado Chris Squire. Puta ese huevon es un maldito en las cuerdas gordas. Tranquilamente el mejor bajista del rock, pero tendría que mecharse bien con el Paul M. pero ese es otro tema.

Time and a world - time and a world (1970) : El maravilloso estribillo de esa canción lo es todo en la vida. Pero ese coro es lo que es por la extraordinaria línea de bajo de Squire. Al final el colofón lo ponen unos violines imponentes que no quieres que se acaben nunca.

Starship Trooper – The Yes album (1970) : Aquí ya con la incorporación de el guitarra Steve Howe la música se pone aún mas rica. La secuencia de guitarra desenchufada ejecutada por Howe al medio del tema es tan sólo una muestra, y es absolutamente obligatorio ver la ejecución de éste tema en el DVD Yes Sinfónico. Emoción total señores, los rockeros mayores están tocando.

I’ve seen all good people - The Yes album (1970) : Recuerdo que ésta era la canción para la promoción del concierto de Yes en Lima hace como 10 años atrás, ¿volverán? creemos en ti Menacho. Bonitas estrofas por cierto.

Round about – Fragile (1972) : La clásica de la banda, pero no su mejor canción. Jack Black le dice a el aprendiz de teclado que se aprenda el solo de Wakeman para que sienta de que se trata rockear. Wakeman quien entra a la banda en éste disco viene y hace lo que le da la gana y todo bien porque Rick es Rick pe’. Ah me olvidaba, su línea de bajo es una de las mejores de la historia del rock. Así que, bajista, ¿que esperas?.

Heart of the sunrise – Fragile (1972) : Esta espectacular canción hizo lo que owner of a lonely heart no hizo, que me interese en Yes.  Me hizo ingresar en su enmarañado y místico mundo, y quedarme para siempre en él. Si eres batero aquí hay una clase magistral de qué se puede hacer con algunos tambores y platillos cortesía de Bill Bruford, y  el riff de Howe superpuesto al bajo de Squire es poco menos que monumental en todititita la canción. Y no olvides que un tal Jon Anderson está en las voces.

Close to the edge – Close to the edge (1972) : Es el tema de Yes. 20 minutos de tu vida deberían irse felices con ésta composición llena de genialidades, son los mejores Yes en su mejor momento.  Estructuras pendejitas y Jazz-rock de lujo o algo así, partes que se quedan acuñadas en tu cerebro y que posiblemente luego, años después, te produzcan deja-vus sonoros. Toda una primera parte energética ejecutada por los que saben para que luego un Wakeman inspiradísimo se arriesgue con órganos eclesiásticos y lo lleve todo al cielo mismo. Visión de un genio que no conforme con eso entrega uno de sus mejores solos con la banda, mejor quizá que el de round about. Mientras que Anderson, Squire y Howe entregan hermosos coros intercalados. Inolvidable.

Es un gran tema digan lo que digan.

Así que si te animas por algo de progre, ésta es una buena opción, claro aparte del selling england by the pound. Aquí cuelgo el doble, y ya tu encárgate de disfrutar o no la parte 2, de todas maneras ta’ buena, aquí la lista: Ritual nous sommes du soleil, soon, wonderous stories, going for the one, don’t kill the whale, does it really happen?, make it easy, owner of a lonely heart, rhythm of love, changes.

Descargar disco1, disco2

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BRAIN SALAD SURGERY

Emerson, Lake & Palmer fueron uno de los grupos más exitosos y populares de la movida setentera, época en la cual lanzaron verdaderas proezas y armatostes, siempre guiados por ese excepcional tecladista con voz afeminada. En esta ocasión, toca el turno de uno de sus discos "menos clásicos" pero que, en mi opinión, es el punto más alto del trío inglés.

Como muchos sabrán, ELP iba a ser HELP y no llegaron a serlo porque quien daba vida a la H era otro monstruo que murió prematuramente: Jimmy Hendrix. Como el acrónimo, el grupo estuvo por Carl Palmer (batería, luego formaría Asia), Greg Lake (guitarra, bajo, voz y productor de casi todos los discos clásicos de la banda, antes estuvo en King Crimson) y Keith Emerson (teclados); los 3 fueron -y lo son hasta hoy- verdaderos monstruos de sus instrumentos pero no cabe duda que la fama y el éxito del grupo se basó en las excepcionales composiciones y ejecuciones de Keith Emerson.

Para 1973, el grupo había sacado 2 discos clásicos: Tarkus (disco que empezó con el éxito mundial de la banda) y Pictures at an Exhibition, sin duda las placas más clásicas del grupo pero aún faltaba más. En el Brain... ELP lograrían una mayor cohesión, alcanzarían la madurez musical dando como resultado, a pesar de ser acusados de ser muy pretenciosos musicalmente hablando, el que tal vez sea su mejor trabajo. El disco está lleno de controversia, desde el título (referido en jerga inglesa como sexo oral), la tapa (una de las más controversiales y conocidas de la historia de la música) y las letras que aluden a la lucha entre el hombre y la máquina -o como en Karn Evil 9, el ser perfecto-.

Brain... empieza con una adaptación de la letra de un poema de William Blake, musicalizada varios años después por Hubert Parry (usual escucharla esa versión en misas en Inglaterra). Su sonido es muy raro, parece un órgano pero con algo que parece un sintetizador, un sonido electrónico. La siguiente pista es Toccata, otra adaptación de un tema original del argentino Ginastera. Aquí Emerson ya demuestra en toda regla ser un monstruo, ya de por sí el movimiento del piano es muy bueno pero Keith le añade cosas rarísimas y que resultan casi atemporales, casi imposible imaginar que eso se hizo en los inicios de los 70´s.

Le sigue a Toccata la balada Still... you turn me on. Cierto que la viada del disco baja pero debo admitir que es un buen tema. El punto más bajo del disco es Benny the Bouncer, parece sacada de alguna película del viejo oeste gringo, más cerca de una cantina llena de vaqueros. Finalmente aparece esa monstruosidad llamada Karn Evil 9, aquí los 3 dan una clase maestra de todo lo que un grupo debe saber. El disco original dedica todo el lado B a la media hora que dura este tema. Este se divide en 3 actos (el primer acto se divide hasta en 2 partes), lo que hace se asemeje mucho al Tarkus que tuvo el lado A integramente dedicado a tema que dio nombre al disco. Para mí, la primera parte es la mejor, la segunda es una pausa (Karn... parece una sinfonía: primera parte fuerte, segunda hace la pausa y en la tercera te mata) y la última es la continuación de la primera, simplemente fabuloso.

Varios años después de separarse, el trío (con varios kilos de más, en especial Greg) llegó a un lugar siempre olvidado y casi periférico: sí, llegaron al Perú. Fue en 1997. Otro motivo para tener este disco es la famosa tapa hecha por Paul Giger (luego creador de Alien), en la que se muestra una lobotomía (cirugía frontal del cerebro). Este disco, considero, es un deber ineludible para cualquier melómano escucharlo de principio a fin. Les dejo el link de descarga.

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Social Distortion – greatest hits

 

Social Distortion – USA

Greatest hits - 2007

 

Juntas un par de guitarras que toquen acordes básicos y primeras agradables; un bajo simplón y una  batería casi primitiva y no obtienes nada especial. Si sus músicos tienen la visión de llevar una canción de Johnny Cash al punk (uno suave, casi rock and roll) la cosa puede ser interesante. Si pones a Mike Ness a cantar, ahí ya tienes algo bueno.

Un sonido que tiene vida propia, una entidad musical reconocible, una pastilla para la juventud, casi un sentimiento. Social Distortion.

Y es que no se puede concebir la música de ésta banda sin la voz de Mike. Expresando sus cosas con esa ronquera sutil y baja tan reconocible. Su garganta carraspera que se acerca más a Dylan que a Cash, tan querida por los fans es tranquilamente la voz del punk ochentero y noventero.

Pero esto es retro, actualmente no hay mucho lugar para la escena hardcore, los Social Distortion son básicamente un recuerdo agradable aunque sigan juntos. Así es la carrera, el rock es un ser vivo que muta, uno de los pocos de hecho. Mike anda ya casi por los 50 y no sé si la banda piense en grabar, no importa mucho tampoco, ellos ya tienen un nombre ganado, vienen acompañando con relativo bajo perfil casi 30 años a la escena, y ya han producido lo suficiente como para armar un buen compilado, el mismo que posteo aquí.

11 canciones desde el año 83 hasta el 03, y casi ni han variado, lo único diferente son los integrantes salvo Ness. 11 tracks parejitos, te gusta uno te gustan todos. Canciones simples, planas, rockerazas y ponedoras. Claro, menciones especiales para las eternas e incansables Prison Bound, story of my life, ball and chain y ring of fire.

Disco altamente recomendable para ponernos punk a todos. Para recordar que hemos sido adolescentes confundidos y que nunca dejaremos de serlo. Desconfío de la frase “el metal es un sentimiento”  pero sí puedo avalar lo de “el punk es una actitud”.

No hay más que decir, homenaje lacónico para una expresión musical también lacónica. Social Distortion forever!

 

 

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LCD Soundsystem – sound of silver

 

Nota de Adriano: Este post había sido eliminado por Blogger, por lo que lo re-posteo eliminando el link  de descarga. 

 

 

 

LCD Soundsystem – USA

Sound of silver - 2007

 

Conversaba con un amigo sobre el hecho de que posiblemente el mejor ritmo que haya llegado a mis oídos alguna vez dentro de el dizque limitado mundo gringo ha sido el de los Talking Heads, especialmente de su disco Reamin in light. Le contaba con emoción lo mucho que me impresionaba el talento de estos tipos para crear piezas musicales con ritmos contundentes y originales. Ellos con sus obras cumbres son considerados músicos consumados y respetados, referentes absolutos cuando se habla de las mejores movidas wave o dance de las épocas embrionarias de la música electro-dance-funk que ahora está ya bastante expandida.

Ahora pienso que uno de los alumnos más brillantes de toda esta escuela de ritmos a granel es para nuestras épocas James Murphy con sus compinches que lo acompañan en vivo, toda esta collera se hace llamar LCD Soundystem vete a saber por qué. Ellos el 2007 detonaron las pistas de baile de casi todo el mundo, con sus ensaladas hechas a base de ingeniosas percusiones, bajos saltarines, y estructuras rítmicas de todo los colores. Este disco contiene 9 pistas, y todas muy diferentes entre si, lo cual habla de su buen momento creativo para este tiempo. Incluso y sólo por afán comparativo de padre-hijo, me animaría a decir que si bien es cierto éste trabajo no tiene el nivel casi supremo que presenta Remain in light, sí presenta más variedad entre sus tracks, de manera que todos los puristas del sonido Talking Head deberían respetar calladitos ésta propuesta.

Sound of silver es un gran disco, de cabo a rabo, no hay track que canse ni fastidie, quizá New York I love you but you’re bringing me down no esté a la altura pero no es problema porque está al final. Desde el inicio de Get innocuous! pasando por los ritmos exquisitos de Time to get away (que la vez pasada me di el gusto de escuchar y bailar en una disco conocida de Lima), la elegancia de North american scum (aqui he subido el disco con 2 versiones adicionales sencillamente geniales de esta canción), los respiros re-notables de someone great y all my friends y la maquinaria de beats que resulta us and them sumadas al resto del disco lo convierten en un referente obligado para todo el que quiera realizar algo de éste tipo de música en estos tiempos agitados. Definitivamente.

Aquí en Latinoamérica tenemos gran variedad de ritmos hasta para regalar si se quiere, salsa, merengue, landó, guaracha etc. Es comprensible hasta cierto punto que a los “gringos” se los califique de duros para estos tópicos, me consta. Pero hay obras que nos voltean la figura 180 grados, y nos enseñan que las inquietudes por los buenos beats no son monopolio de nuestras tierras, por supuesto si aquí movemos la cadera y cintura, allá se prefiere mover la cabeza. Sincopado aquí, acompasado allá cada uno tiene sus cosas, pero lo cierto es que si husmeamos con los oídos bien abiertos en ambos lados del Atlántico vemos que hay cotas muy altas que algunos artistas de ambos lados han logrado establecer, así de claro. Aunque con todo eso igual seguimos siendo los mejores :)

 

Ah y espero que si vuelvo a Nebula para una fiesta de canciones de década, se manden entero con algún set de este disquito, aunque no parece ser demasiado conocido por aquí todavía, pues de alguna forma se debe empezar.

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Ian Dury - New Boots and Panties!!

 

Ian Dury – UK

New Boots and Panties!! - 1977

 

Me acabo de traer y sin habérmelo pensado de inicio, unos buenos vinilos de segunda, misteriosamente conservados ellos, pues más de 30 años ya tienen encima y si hasta parecen nuevos. Conseguidos a buen precio no puedo estar más feliz, y agradecido a todos los dueños que pueden haber tenido durante su juventud que me encargaré de alargar. Entre ellos estan el Moving pictures de Rush que ya lo estoy escuchando con disfrute incluido, el  Superfly de Curtis M que ya todos sabemos o sospechamos que es una joyita y el New boots and panties! que justamente me zambullo a reseñar aqui. Ya lo tenía en formato digital, muy limpito y correcto por cierto, pero hoy en la galería al ver esa carátula chaplinesca en grande, un shock “vinilesco” y simplemente no me pude resistir a comprarlo haciendo desbarajuste  una vez más a mi economia que mucho debe odiar a la música. Además y para sentirme mejor conmigo mismo ésta placa en vinilo suena más contundente y ahora mismo, mientras escribo estoy que salto como orate.

Disco de punche generoso, setentero pero uno ni cuenta se da de ello. Sonido depurado y definido, ritmos contundentes, bajos sólidos, guitarras graneadas, teclados agradables y la voz de Ian rebelde, violenta, inglesa y graciosa son los ingredientes de este coctel que se ofreció influenciado por toda esa ola de anarquía que el punk trajo por el año 77.

En realidad este álbum se sale del carril de la música bien conducida y decente para desviarse a menudo por los rápidos caminos del rock, el desacato y la ironía. Un coche  temerario que transporta diversión  y energía, ambos cortesía de las visiones de Ian.  Balance interesante entre los sonidos bien ejecutados y producidos, estándar de las mesas de consola de le época, con el frenesí y sequedad de la vocalización de Dury.

El bonito arranque de teclado y baterias de wake up and make love with me es rápidamente asaltado por nuestro actor de turno, quien aquí entrega una extraña amalgama entre desgano y sexualidad. Todo suena bien, todo en su lugar y sin embargo el tipo aún está tímido.

Sweet gene vincent inicia sosegada, de inicio parece una balada meliflua pero tal impresión equivocada pronto se desbarata dando el primer rockeo del disco, Ian se toma sus vitaminas se pone mas jugueton en el cantar y toda la banda lo respalda alegremente. Un buen tema.

 

 

 

No pasa demasiado con  I’m partial to your abracadabra pero sí con my old man donde toda la banda toca lenta pero cadenciosa y la linea de bajo resulta siendo la estrella, y si, también me suena a un toro mugiendo. Algo más juguetona e ironica pasa a ser billericay dickie, una función de circo hecha canción con rimas caprichosas y probablemente sin sentido. Canción de transición para dar paso a una de las buenas: Clevor trever, aquí las guitarras arañan suave y el flanger suaviza el aire, sumándose a la perfecta cadencía de el resto de sonidos, cadencia tan natural en este surco en todo el LP.

Parece que después de cantar If I was with a woman, Ian ha caído en cuenta de que bueno, quizá para concluir, algo de velocidad y desorden estaría bien para mover un poco las cabezas y decide dejarlo todo en la exageración genial de blockheads, ¿era necesario cantar asi de alto? ¿era necesario raspar asi la garganta? definitivamente no! - habría dicho más de uno, pero ahi la tienes, de las mejores del disco. Blockheeeeads!

Y la vorágine alcanzada por el anterior ataque seguirá ascendiendo inexorablemente hasta el final del disco, y es en esta faceta donde Ian parece sentirse mejor, cantando cual Iggy Pop inglés, bramando de la manera más amarga-fiestera posible. Plaistow Patricia es otra composición airada y feliz para el oyente, punk para el alma y velocidad para cuerpo.   Pero es en blackmail Man donde está el colofón del disco, se aplican bajos planos y malintencionadamente básicos, platillos acelerados, guitarras indisciplinadas mas Ian completamente enajenado y dando buen punk para todas las muchas, muchas bandas que hayan tratado de decir sus rollos en este formato. Es todo.

Me pregunto si Black Francis de Pixies tiene como influencia a este disco.

Ian Dury ya no existe físicamente más en este mundo, partiendo el 2000 dejó varios discos y bandas formadas a pesar de que siempre la pasó mal con la salud a decir las piernas. Alcanzaría más fama con el tema “sex drugs and rock and roll” pero éste es su mejor trabajo según los conocedores de el resto de su extensa discografía. A mi me gusta, me divierte, me empila y a veces me pone loco. Por decir ¿escuchaste Crackity Jones de Pixies y te movió el piso?, algo asì va la cosa.  Entonces si quieres transportar un rato tu mente usando las vías rápidas de la carretera aquí tienes algo más para probar. Ahh escuchar con buenos bajos y buen volumen.

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FUNDAMENTAL - BORINQUEN LO HACE

Algunos cortes de este disco los escuché hace años, me parece increíble que las radios hayan podido pasar este disco demasiado "heavy" para un oyente de radio. Lo que me pregunté en aquel momento es que dónde podía quedar el lugar que dio origen a esta fusión y más extrañado quedé cuando supe que eran de la tierra de Ricky Martin.

Y eso dónde es? Pues en San Juan... de Puerto Rico. Sí, la tierra que ha visto nacer a innumerables salseros, a Menudo, a tantos y tantos reggaetoneros (esta última creación, está demás decir que mejor no los hubieran creado) es también culpable de regalarnos este disco lleno de fusión por donde se le escuche. Así como ustedes, pensé que se debía estar equivocando el dj pero averiguando era cierto. Así como ustedes, de Puerto Rico sólo sabía que era la tierra de las mujeres más bellas del mundo (que junto a las venezolanas se disputan el cetro en este rubro) y no mucho más. Pero de ahí a que en la isla se hiciera rock del bueno...

Harold Hopkins (percusión), Ramón Ortiz (guitarra), Eduardo Panigua (batería) y Sergio Curbelo (voz y percusión) son los responsables del esta placa alucinante. Claro, no podemos dejar de mencionar en el éxito de este discazo la producción a cargo del gurú, el rey midas del rock en castellano: Gustavo Santaolalla. En su trabajo, los Puya logran algo que el común de las personas le debe oír a casi imposible: fusionar la salsa y el rock pesado (decir que en el disco existe sólo rap-metal, de moda a fines de los 90´s, es errado. Se puede escuchar desde hardcore hasta trash). Sí así como lo escuchan. Al inicio parece un poco extraño pero a medida que se desarrolla el disco la fusión aparece tal cual.

El inicio del disco es como una metralla, posee un cocktail que cualquiera envidia: Fundamental, Fake y Oasis. Ya en estos temas se siente la fusión pero aún es "muy light" de los ritmos afro-latino-caribeño-antillanos (gracias Saravá), en especial con las trompetas y los instrumentos de viento (saxo y trombones) que son inconfundible parte de los ritmos bailados en Puerto Rico. En Montate es más claro aún pero vaya que uno se queda pegado al disco, es una fusión sincera que les nace de las entrañas (escuchen una voz de fondo muy parecida a la de Celia Cruz, préstenle oído). Whatever es otro ejemplo, aquí están mucho más cerca de Puerto Rico que de Seattle, la verdad es un cover (por favor, salseros ayúdenme con el tema, no sé a quien le pertenece). No será el mejor tema para un headbanger pero ahí está en línea con el resto del disco.

Retro parace (sólo parece) la balada del disco. Al menos empieza así pero de un momento a otro es como escuchar a Slipknot, un notable tema como el ying-yang, un inicio suave y luego una potencia atronadora, van a preferir recordar este tema. Keep it Simple es un rap lento -este sí- muy latino, con partes en anglo pero muy buena, tal vez el único tema donde no hay tantas revolusiones. Sal pa´Fuera y Rémora son dos buenos temas, especialmente para los nostálgicos del rap metal pero aquí no cabe duda que el nivel del disco desciende. Rémora es un gran tema pero que a mi entender no debió el lugar que tiene en el disco por luego sigue Trinidad que no es lo mejor del disco.

Solo es algo más funky pero que se percibe una influciencia de Rubén Blades, un tema con mucho tema social, un cuento con su respectiva moraleja. En este tema hay espacio solo para Puerto Rico y finalmente No inventes, digno tema para cerrar un disco que bien considerarse dentro de lo mejor creado por una banda latina (el tema suena un poco a Korn pero mejor suena cuando tratan de ser Puya).

Un disco 100% recomendado, un trabajo que no hace más que reafirmar que el rock (y el arte en general) no conoce de nacionalidades, colores, credos o prejuicios. Estos portorriqueños son lo mejor que dado la tierra del Cantante de los Cantantes. Les dejo el link de descarga.

Descargar Fundamental

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LA NACIÓN SOÑADA

Sonic Youth se dio a conocer allá por mediados de los ochentas. En un primer alcance del grupo pareciera netamente un dúo pero detrás de sus líderes-esposos se encuentra una agrupación innovadora que se valió de su ingenio para destacar.

Varias veces me he preguntado porqué un movimiento como el grunge tuvo que esperar exactamente hasta 1990 para entrar con fuerza y pulverizar a toda esa música esperpéntica de moda de fines de los 80´s (glam-metal). Este disco es un prueba de eso. Lanzado en 1988, Daydream Nation es un disco entre grunge y alternativo (pero convertido en referencia para el indie) que sabiendo la calidad que tiene, no se convirtió en un ícono del rock de inmediato. Al contrario, se demoró sus años para ser relanzado (hasta 1993).

Kim Gordon (bajo), Lee Ranaldo (guitarra), Thurston Moore (voz y guitarra), Steve Shelle (batería) son a quienes le debemos la creación de esta placa llena de white noise, como en un primer momento se le catalogó a Daydream Nation. Lo único que se le puede reclamar es que es bastante extenso, más de una hora, superando el promedio de 45 minutos que suele tener un disco. Por lo demás el disco cuenta con gran registro de guitarras acompañadas de los platillos de la batería que hace muy fácil asociar el disco con el estilo de Sonic Youth.

El porqué se asocia a este como clásico del rock pues se debe a temas que se convirtieron en bandera de una generación. Para empezar Teenage Riot, primer corte y mejor del disco, es un temazo. Es rarísimo escuchar una canción así en 1988 cuando parece muy lejano la aparición del grunge o del alternativo, cuando las radios estaban llenas de los primigenios Bon Jovi, Guns n´Roses, Deff Leppard y demás especímenes similares. En idéntico estilo se mantiene Silver Rocket, luego le siguen The Sprawl y Cross the Breeze, donde las guitarras suenan de lo mejor, ni que decir decir la voz de Kim. Aquí el sonido es típico del white noise, los platillos juegan un papel importante. Los riffs de Cross the Breeze son alucinantes parecen sacados de alguna influencia punk. Luego se escucha el clásico Eric´s Trip, sobran las palabras.

Total Trash es la canción que uno pondría en el carro luego de salir del trabajo, empieza con arreglos muy cuidados pero luego entra en una onda como de distorsión de guitarras y dándole más protagonismo a la batería y al sintetizador y retomar al final con la voz de Thurston. El nivel del disco desciende con Hey Joni y Providence, en especial con este último que es un tema con efectos de sonidos indescifrable. Con Candle el disco vuelve por sus fueros, un gran tema. Rain King le empieza a dar un cierre oscuro al disco, aquí los arreglos y el sonido son sacados a punta de trabajo del guitarrista. Kissability le da fin al disco en la voz de Kim, buen tema. Cuando fue relanzado (versión que cuelgo), la placa incluyó Trilogy (hecho en 3 partes: The Wonder, Hyperstation y Eliminator Jr.) préstenle oído porque se trata de excelentes canciones todas a mi entender que extendieron la duración del disco para beneplácito de los fans.

Si te consideras admirador de la música ochentera pues este disco es imposible que en la discoteca personal. Se adelanta a todo el movimiento que apareció a inicios de los 90´s, sin duda precursor en muchos aspectos este disco. Les dejo el link de descarga.

Descargar Daydream Nation

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Iggy and the stooges - Raw Power

Iggy and the stooges - USA

Raw Power - 1973

Todo bien con la música actual, paja Panda Bear, potente LCD soundystem, bien Ratatat, no hay problema hasta ahi; Pero me pongo a pensar en la emoción que se vivió en otras épocas, los Beatles en USA, Hendrix en Woodstock, The Who en vivo,  Morrison haciendo el baile indio e Iggy pop lanzandose por primera vez sobre una fanaticada sorprendida para hacer el actualmente ya gastado pero no menos emocionante "stage diving".  Pensando en ello me  digo "y donde esta toda esa energía?" osea, los White stripes y los Zutons han hecho cosas por ahi, pero en escenario ya no hay esas performances que sorprendían antes, esos actos no muy programados de rebeldía y desafío. Hoy ya no parece ofrecerse en vivo la oferta de emoción y adrenalina que se podía dar antes, siempre en adición a la buena música claro está. Hoy no hay eso, el rockandroll no ha muerto pero esta algo aburrido en el escenario últimamente.

Pensaba en esto cuando ví a los Stooges reunidos después de como 35 años, con Ron Asheton en guitarra todo panzón. uno pensaría que fueran a dar un espectáculo patético, tipos viejos que se la quieren de dar de jóvenes otra vez, encima mucho punk y muchas locuras ya se han visto en el escenario y ya no hay muchos ases que puedan sacarse de la manga para sorprendernos. Sin embargo y para mi alegría sucede algo contrario. Observas a Iggy Pop dando lo que daba antes, haciendo movimientos apurados, ansiosos, como animal que quiere follar,  todo en frente de un público algo diferente, ahora son los hijos de aquellas audiencias sorprendidas de comienzos de los años 70, pero igual su extraña carisma, esa personalidad imposible de pasar desapercibida sigue confiriendo emoción al oyente/espectador. nada ha cambiado, están de vuelta, que bestia, pienso que si Rocco ha nacido para follar, este tío ha nacido para hacer rock en vivo. Nadie como él. Los Stooges son adrenalina pura en su música como tal, pero con Iggy todo se termina por romper ahi arriba. Todo es locura, todo es rock. 

Raw Power es un discazo, como toda obra Stooge fue concebido tan demente y quizá enajenado, que cuando fue remasterizado en el 97, Iggy mandó a hacerlo con todos los canales de consola en rojo, vale decir saturando canales. Así debia hacer, debia ser el disco más ruidoso con menos intrumentos posibles. Recuerdo retornando el día siguiente a la tienda donde lo compré a devolverlo por "estar mal grabado" . Menos mal el vendedor conocía bien este disco y me explicó el rollo de la grabación. Después de cierta gracia que me hiciera tal historia me iría a casa con el mismo disco bullero y admirando aún más a Pop.

Históricamente es disco básico para la concepción venidera del punk, admirado por muchos músicos entre ellos Cobain y Marr. Raw power es un trabajo violento, divertido y sexual. Sonidos fragorosos, sucios y letras procaces. Tipos que bien podrían haber pasado a ser personas perfectamente nefastas en su época, llevando vidas airadas y con drogas hasta la frente; mas asociados a la sordidez que a la música pero extrañamente graciosos al mismo tiempo. Sino como explicar titulos como Search and destroy en el año 73? como explicar la energía exagerada  de un titulo misógino como your pretty face is going to hell, o el machismo musical de penetration, "balada" hecha sólo por orden del sello discográfico, en donde Iggy y compañia rezuman excitación, la misma que luego es transferida al escenario de forma frontal, sin concesion alguna. La cosa no es hacer bulla, no es salir semi desnudo a hacer tonterías, la cosa va por hacer rock and roll o como sea que se llame ese estilo, música bailable, energética e inspiradora y recién sobre esto se pone la cereza histriónica que el buen Pop supo poner como ninguno.

Despues de manifestar la necesidad de una mujer para lo que sea haya pasado por la cabeza de Iggy en I need somebody todo el quiosco se va al carajo nuevamente con las 2 últimas entregas del disco, las últimas de los Stooges de aquella época de hecho, Shake Appeal y death trip ponen las cosas no tanto de cabeza, ojo no es una mierda el disco, ponen las cosas divertidas mas bien, buenos ritmos, guitarras bien ritmicas, casi como un Harrison en crack e Iggy cantanto, susurrando, bramando y gimiendo; y encima de todo este escándalo que asustaría a cualquiera no preparado esta la bendita saturación. No estoy seguro como sería si este disco sonara "bien", quizá perdería todo su encanto, pero no hay duda que la voz de Iggy en el ultimo track queda muy bien con esa saturación encima. 

Sin más descripción que se me ocurra sobre este disco completamente genuino e irreprochablemente visceral, te dejo el álbum para descargarlo y disfrutarlo en el formato saturado maquinado por Iggy en el 97.

Descargar Raw Power

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Megadeth en Lima - review

El miércoles durante la presentación de Megadeth, donde se congregaron aproximadamente unos 8 mil seguidores de la banda norteamericana (la mayor presencia para un concierto metal hasta ahora en Perú) se cumplió el sueño de muchos de ellos, ver en vivo y en su tierra a una de las bandas del género mas pajas y consistentes de siempre, pues mucho se puede dudar de lo que el metal puede ser, pero hay que hacer una pausa en el caso de esta agrupación, la cual con sus 11 discos producidos hasta ahora (la mayoría de muy buen nivel, pero con agrupación cambiante salvo Mustaine) se ha consolidado con justicia en la escena mundial del speed/thrash/heavy metal. Logrando reunir en su obra: potencia, velocidad, técnica y emoción pura.

Y sucedió que Lima se convirtió en un punto dentro de la gira mundial "Tour of Duty", 23 años después de fundada la banda (de ahí que se presenta el comentario típico de que vienen cuando están "viejos") sin embargo Megadeth ha sabido mantenerse haciendo música sólida. Inteligentemente ya no realiza el thrash veloz y demoledor de los 80tas e inicios de 90tas. Muchas cosas han cambiado y aparecido en el rock para seguir en ello debe pensar Mustaine, entonces le da dado toques mas heavy's a su sonido, baterías menos brutales y mas llevaderas para llevarse bien con la época. United Abominations su ultimo disco es la expresión de una persona mas madura, que ya ha quemado satisfactoriamente etapas vehementes y quien ahora recluta músicos de calidad (como siempre) y le brinda una energía adaptada al nuevo milenio a los fans que no por nada los siguen desde hace ya buena cantidad de años, así como a los nuevos escuchas, semillas de lo que sera el metal venidero.

La comunidad Peruana para este evento varias veces rezagado en nuestro pais expresó previamente su afán de hacer sentir durante su estadia su cariño al grupo y para el concierto en si tambien: ensayaron coros, incitaron a no perturbar y distraerse con las cámaras, fabricaron algunas banderolas todas con una combinación de frases conteniendo las palabras Megadeth y Perú (algunas con los colores de la bandera Peruana detrás, otras con Vic haciendo presencia) confeccionaron polos, algunos fans trataron de regalárselos a la banda para que los usaran, pero esto no fue posible, lo más que se logró fue que el batero Shawn vistiera la camiseta de la selección de fútbol durante toda la presentación, lo cual viniendo de una goleada lamentable no encendió los ánimos, pero vale igual.

Shawn Drover

Si algo tenemos los espectadores Peruanos para los conciertos es buena vibra, el artista normalmente es alimentado de una cantidad generosa de energía, de manera que ésta no fue la excepción, queríamos dejar en claro que Sudamérica no es solo Buenos Aires (aludiendo las buenas relaciones entre Megadeth y esta ciudad), también en Lima se disfruta de los conciertos, lo cual definitivamente sucedió para una nueva sorpresa de los músicos de turno (alguna vez fue Bjork, ahora es Mustaine y compañía)

Pactado a las 9pm empezó un par de minutos antes, dejando a los tardones, y víctimas del insoportable trafico de la Javier Prado perdiéndose el inicio del concierto, un inicio en donde aun se veían algunos claros entre las zonas de la explanada, la que no se llenó, pero 8000 personas, es una buena cifra, sabiendo todo lo que ya se sabe de la popularidad de este tipo de música aquí. Inmediatamente después de que terminara de sonar la última canción de estudio de un playlist en su mayoría heavy que se programó para calentar cuellos (por cierto la canción fue run to the hills de Maiden, que la fanaticada trasformó con coros "megadethianos" ingeniosamente improvisados) las luces se apagaron sorpresivamente y salieron los 4 guerreros que lograrían extraer todas las energías de la tropa vestida en su mayoria de negro. Iniciando con sleepwalker, una buena canción saliente del último disco "United Abominations", que mostraba a un Mustaine construyendo el veloz y emocionante riff inicial, con esa guitarra de 2 puntas y melena peliroja características, y bajo las luces blancas que le daban un aspecto señorial, cosa que desató la emoción de la masa congregada. También se vio a un Shawn haciendo una significativa pero sutil oración detrás de su batería antes de tomar las baquetas. Y Aunque el sonido inicialmente no ayudó mucho, pues los instrumentos estaban muy bajos, lo cual acrecentó la voz de Mustaine (efecto que paradójicamente resulto ser interesante, yo dije algo como "que paja suena esa canción con la voz de mustaine así por encima de todo) todo se fue acomodando ya a partir del tercer tema ejecutado.

David Mustaine


Inicio de Sleepwaker

Ensambladas a sleepwalker aparecen la vehementes y clásicas underground wake up dead y take no prisoners retando al público a empezar el pogo reglamentario, así fue y no era fácil mantenerlo pues las energías se iban rápido, tratar de cantar, seguir los solos, cuidarse de ser aplastado y saltar es agotador y mas en canciones como estas, esperadas para el desahueve total hace más de 15 años. Traté de tomar un par de fotos pero fue imposible, igual quise disfrutar del momento así que guardé el celular y me sumergí en el remolino de energía sonora y humana. Pasada esa tripleta inicial, algunos headbangers estaban regados en el primer round, algunos vomitando por la presión, pero aun vendría mas, mucho mas...

Imagino que ambas partes hasta ese momento ya sabían que la cosa sería seria, se vendría una noche intensa, la primera acometida había sido fuerte, y hubo respuesta. Era una noche propicia.

"Bienvenidos a la casa de Megadeth. Mi español es muy malo, pero muchísimas gracias" dice el usualmente poco comunicativo Mustaine, y presenta Washington is next también del último disco, la hinchada coreaba como podía la canción, ahí se aprovechó para tomar fotos. la contemporánea Kick the chair del "the system has failed" y la ochentera y tributo al ex bajista de Metallica y finado Cliff Burton darkest hour del "So Far, So Good... So What!" continuaron magníficamente el concierto, finalizando con una buena bulla de parte de la gente. En esa bulla se dió el inicio de hangar 18 y cuando la asistencia se dió cuenta de ello, empezó la euforia. No se sabrá la letra pero se sabe como va la guitarra principal con sus arpegios superpuestos, y eso se corea y eso es mas que suficiente para seguir la canción, todo era locura en ese momento, empiezan a aparecer los primeros cuerpos surfeando por encima del publico, se cantan a tope de garganta los estribillos, Chris se junta con Dave y llega el momento estelar, y la gente lo sabe, los 7 solos, ejecutados impecablemente por Broderick y Mustaine alternados, retroalimentados por coros unísonos de la congregacion metalera, esa parte se comió un buen porcentaje de energía (y algunos metros de baranda separadora de zonas) aunque al final la gente estuvo al 200% así que no hubo problema con la respuesta que luego vendría.

Hangar18

Chris Broderick

Pasando un gears of wars mas asentador y recuperador, inicia la emotiva y cantable a tout le monde del noventero "Youthanasia", no sin antes ver a Mustaine amarrando la bandera nacional al parante de su micrófono, bajo los acordes iniciales del melódico tema y con las luces nuevamente y exclusivamente sobre él, imagen que podría ser la imagen del concierto.

A tout le monde

Un breve solo de Broderick (podía terminar en un himno nacional quizá?) da pie a otro coreable pero mas veloz tornado of souls del "rust in peace", canción que personalmente me parece de puta madre de inicio a fin, aproveché para descansar un poco y disfrutarla, pero igual la algarabía de la gente me contagió y me mande al pogo una vez más...

La heavy ashes in your mouth y la muy veloz burnt ice siguieron, con algunas palabras y gestos de Mustaine acerca de las drogas antes de la segunda: "...parece divertido eh? pero pfff no lo es" mencionó, hecho que no es muy común en el, al parecer se alimentó de la energía del público, y bien para todos.

Symphony of destruction del "Countdown to extintion" inicia y el coro pactado "Megadeth Perú es Megadeth" sale impecable. Creo que las ocho mil almas lo cantaron a todo pulmón hasta el final, eso fue emocionante, y se bajó una buena área de garganta también. Broderick haciendo solos y Lomenzo ya sin chaqueta haciendo ademanes y gestos incitadores son imágenes para el recuerdo.

Symphony of destruction

Cuando sigue la no tan metal mas bien ligera trust del Cryptic Writings del 97 con estribillo en español incluido, me di con la sorpresa que la gente se sabía mas la versión en ingles que el coro español, cosas del metal. Como sea, esta canción que inicia con un buen juego de tombs mas un bajo sólido cortesía, en este caso, de un ya contagiado y contagiante Lomenzo nuevamente hizo cantar a "tout le monde".

Trust

Uno de los mejores momentos llega antes de la solicitada she-wolf del mismo disco "Cryptic Writings", los fans le entregan una pancarta a Mustaine quien la recoge y con ayuda de Broderick le muestra al publico su mensaje para su locura total.

Después del salir y volver a entrar de la banda, previa ovación, hace su aparición del "Peace sells but who's buying" del 87, la esperadísima (para terminar de sacarnos la mierda) canción del mismo nombre, iniciando Lomenzo con esa línea de bajo demoledora acrecentada por sus movimientos y gestos tan deputamadre que hicieron olvidar a un tal Ellefson. Y ahí la gente cantó, gritó, coreó, saltó, aplastó, cargó, y envió gente a otras zonas como si fueran catapultas humanas, y todos felices...

James Lomenzo
Peace sells

Y se van? parece, hasta ahi en realidad todo había sido brutal, pero todos lo sabíamos, faltaba del Rust in peace la clásica del speed metal holy wars la pidieron, Mustaine presento a la banda, todos aplaudieron, agradecieron y ovacionaron y a coro dijeron holy wars, y holy wars fue, y mientras pasaban sus veloces riffs, solos y toques demoledores de batería, el público peruano disfrutaba debajo, un fan más emocionado que enajenado se escurria hacia al escenario siendo reducido fácilmente, todos se olvidaban de todo en ese momento y todo era pura adrenalina, emoción y unión. Nada mas existió, y arriba la gran y reconocida banda dejaba todo de si, destruía sus dedos y sus cuellos de tanto movimiento violento sin importar las consecuencias, es la esencia el metal parece ser... es algo que sólo vivido en carne propia se puede entender, solo cuando se termina sudado, pisoteado, aplastado, afónico y extasiado se puede decir que se ha disfrutado de un concierto de metal, y con la convicción de saber que detrás de todo ello esta el sonido de una banda que a pesar de sus traspiés es irrefutablemente una de las mejores de la escena y que con cambio de integrantes aún como ayer sigue sonando grandiosamente.

Holy wars!

EL publico Peruano, lo disfrutó y David lo agradecio diciendo "Dios los bendiga, han sido una jodida gran audiencia, esta es la última cancion pero volveremos..." no se sabe si pasará pero lo pogueado igual nadie lo quita.

Como nota final el setlist conformado por 19 eficaces canciones, fue mayor al promedio de los setlist tocados en Sudamérica (Brasil 4 fechas 16 temas, Venezuela 18, Chile y Arg 19)

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La Bombita Verde

Eran los últimos años del cole y la verdad es que la gran mayoría estaba en ese momento en otra onda. Tiempos aquellos de los tonos a luces en la casa de cualquier pata (creo que hasta extraño eso), pero la gente andaba escuchando esos remixes de la Máquina Total (llegué a ver 6 volúmenes, alguien me contó que hay más), el reggae del Doctor Albán, El Maleante, entre otros. Lo que me quedaba era refugiarme en los discos de Nirvana (gracias Cobain), Metallica y los clásicos (Doors, Deep Purple, etc). Sería con la aparición de esta placa que realmente le agarraría cariño a los 90.

No sé a quien le daría el mérito, Doble9 o Miraflores, en poner en el dial When I Come Around. Lo que recuerdo es que buscaba que estas radios pasaran esta canción pero mayor fue mi sorpresa cuando la pista saltó a las demás radios y en adelante se hicieron conocidos en Perú. La gente los reconoce facilmente por 3 o 4 temas del Dookie, sin embargo, la discografía de la banda ha sido errática y con varios altibajos. Valgan verdades, el disco se presta para ser considerado entre lo mejor que nos entregó la década pasada.

Compré el disco (en ese tiempo aún cassette) y uno llega a la conclusión que no son unos cuantos temas sueltos, es todo un disco muy bueno. Ya debo haber rayado ese cassette de las tantas veces que escuché el disco de inicio a fin. Cierto que están She, Welcome to Paradise, Basket Case pero también están Sassafras Roots, Burnout, Having a Blast y F.O.D. (abreviación de fuck off and die, un temazo, tal vez el mejor tema del disco). Dookie fluye con fuerza por momentos (en algunos hasta con rabia) y en otros se escucha un poco pop pero, en general, el disco es una gran muestra de un punk bien hecho.

Los casi 40 minutos que dura el disco ni se notan, se pasan volando. Este disco me ha acompañado en muchas labores tediosas de casa y me ha ayudado a sobrellevar las pintadas de cuarto, la limpieza de los cuartos, no puedo quejarme. Para la banda le significó un cambio de disquera y pasar de ser una especie de leyenda underground del punk gringo a convertirse en una de las bandas más notorias, con un éxtio comercial abrumador (el disco lleva vendido más de 15 millones de copias). A partir de esto, Green Day no ha vuelto a reeditar un disco así de bueno, por ahí uno puede citar el Nimrod (1997) y el resto bien puede ser para el olvido (solo se podría citar algunos temas sueltos). Prueba de ello es que no he vuelto a adquirir un disco de ellos. Disfruten del disco, sin lugar a dudas aquí hallarán al mejor Green Day. Les dejo el enlace.

Descargar Dookie

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Dinosaur Jr - Where you been

Dinosaur Jr - USA

Where you been - 1993

Cuando termines de digerir este álbum notaras en él un reflejo de la personalidad del líder de la banda, canta con desgano pero a la vez con un sentimiento algo infantil y caprichoso diriase, da la impresión que poco le importa lo que estén haciendo los otros 2 tipos, lo importante es lo que Mascis haga, que su guitarra suene fuerte y cargada y este encima de los otros tapando todos los espacios sonoros posibles, la bateria solo deberia ser una especie de metronomo con platillos que estallen de vez en cuando y el bajo quien le ponga el contrapeso de bajas frecuencias pero sin notarse y lucirse demasiado. Este supuesto egocentrismo da por resultado 2 cosas: unos solos prodigiosos en varias de las canciones, y malos matchings entre batería-guitarra-bajo en varias de las otras, tanto que muchas veces estas canciones no suenan bien.

Como sea, este desorden y desgano semi-intencionado ya venían siendo marca registrada de los Jr desde casi 10 años atrás, sus anteriores trabajos serian piedra angular para todo el movimiento Grunge que en realidad recogió toda esta distorsión pero "la arregló un poco" por lo tanto ya Dinosaur Jr en este punto tienen un lugar importante en la historia del rock.

Aquí esta su quinto trabajo (con formación algo cambiada desde su comienzo) con 10 piezas muy convincentes, mas de lo que deberían ser para un trabajo poco conocido, la fea portada no describe exactamente como suena el disco (aunque los flojos trazados en el dibujo si pueden tener relación con el desgano musical mencionado arriba) realmente en el disco hay mucha melodía y sentimiento, todo saliendo directamente de las cuerdas de Mascis en canciones como Out there, what else is now y las hermanas gemelas get me y drawerings, estas 2 últimas reflejan algo particular en este trío de bulleros, ellos quieren hacer rock melódico, a la antigua, si es necesario meloso, y encima repiten 2 canciones con la misma receta, el espacio entre ellas esta demás! pero tu te olvidas de este pecado cuando escuchas los 2 solos que ambas canciones tienen al final de cada una, son tan emocionantes y naturales que terminas agradeciendo que sean así, digamos que en la repetición puede estar el gusto.

Hablando de solos mencione el de la divertida start choppin? esta canción si que suena mal en algunas partes, digamos que no son Pink floyd o Dire Straits, pero ese solo final debería extenderse hasta el infinito pues no quieres que se termine nunca, tanto que mientras se va haciendo el fade-out al final tu le vas dando a tu volumen un fade-in.

Para cerrar el asunto not the same y goin home nos muestran a la banda desnuda para quienes prefieran escuchar esta oferta de melodias sin tanto desorden guitarrero.

No creo que asistir a un concierto de D J sea algo interesante, en vivo sus integrantes son completamente apáticos, su sonido descuidado y los memorables solos del que Mascis es capaz en sus discos no parecen fluir cuando están arriba. Igualmente un disco como where you been se agradece mucho, hace 2 años que lo escucho y para mi sorpresa aun me sigue conmoviendo.

descargar Where you been

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EL REINO DE LA SANGRE

Disco fundamental. Cuando todavía estaba en primaria, el nombre Slayer era referirse a lo más fuerte que uno podía escuchar en aquel entonces. El mito continuó hasta la secundaria que fue la primera vez que escuché este breve (pero alucinante) disco (recuerdo hasta ahora que mi camisa de promoción tiene el dibujo de uno de los discos de Slayer).

Era 1986 y nada había sonado tan brutal ni descomunal como esta placa. Nadie se había referido a la violencia de forma tan cruda y explícita, nadie había tocado la batería con tal velocidad y destreza. Uno no puede si no sentir velocidad, son apenas 30 minutos que escuchas como la batería suena y revienta en tu equipo y, sin embargo, no puede dejar de decir que bien toca este batero (grande Lombardo), a pesar que uno piensa que solo golpea las maquetas, tiene un estilo raro para quienes no escuchan metal pero ese estilo fue, con el lanzamiento de Reign in Blood, pionero, es recién después de esta placa de Slayer que se define el estilo speed metal y, por supuesto, thrash y death metal.

La dupla compositora que hizo posible la creación de tal armatoste son los guitarristas Jeff Hanneman y Kerry King (las gracias a ellos), quienes compusieron todas las letras y composiciones del disco. Completa el cuarteto Tom Araya (bajo y voz). Les recomiendo que escuchen especialmente los riffs de guitarra que emprenden ambos guistarristas, similares a contrapunteos pero tocando la guitarra a centenares de revoluciones por minuto. Es imprescindible escuchar los 2 temas más difíciles y clásicos del disco: Angel of Death y Rainning Blood. Estas composiciones están consideradas por los expertos como las más difíciles de tocar por cualquier guitarrista (en rigor, son pocos son los que se aventuran a tocar algo así como 10 corcheas por segundo), además de ser las canciones de thrash que cualquier melómano puede reconocer al instante. Infaltables en sus conciertos.

La trascendencia del disco es de esos pocos discos que pueden llamarse influyentes. Obvio, este disco no será un Dark Side o un Sargent Peppers pero es casi tan influyente como el Nevermind o The Ramones. Todos los grupos de metal que vienen después de la aparición del disco tienen a éste como su santo y seña, además de valerle a Slayer ser considerado entre los 4 grandes del metal junto a Metallica, Anthrax y Megadeth. Como plus el disco fue considerado el más fuerte de todos los tiempos y ser objeto de un álbum tributo por varios grupos del género (queda como pendiente encontrar el capítulo de South Park donde Cartman usa Rainning Blood para espantar hippies).

Ahora que tengo el disco en mis manos, voy a hacer lo que siempre he querido: reventarle las ventanas a mis vecinos con el volumen al máximo. Les dejo el disco.

Descargar Reign in Blood

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The Jesus and Mary Chain - Psychocandy

The Jesus and Mary Chain - Escocia
Psychocandy - 1985

Mientras salgo de esta experiencia pienso que, la vida te presenta cosas especiales de vez en cuando, por eso la amamos y por eso la gran parte del tiempo también nos pasamos preguntándonos como ser felices otra vez, como aquella vez. Pero los buenos momentos son solo de vez en cuando, por ello nos volvemos adictos a la felicidad y locos por ella, como un polvo, que solo es un momento y luego debes recargar, todo tiene su final, pero son los ratos picos justamente lo que nos renuevan la confianza en seguir viviendo, y seguir siempre en la búsqueda de esa sensación puramente química que se origina en nuestro cuerpo. La mayor parte del tiempo te pasas deambulando en las calles o en tu trabajo haciendo lo que tienes que hacer, si, pero también deseando poder hacer cosas que no te atreves, deseas de una vez por todas vivir antes de morirte, decirle a esa chica vamos a bailar? Jesús and Mary chain? no conoces? Ohh… taste the floor me vuelve loco, alguien quisiera bailarla en una discoteca? puede usted Dj poner una canción del Psychocandy? Quiero escuchar esas guitarras rebotando en todos lados, haciendo un rico daño a tus oídos, llenando toda la atmósfera y sacando todo el aire de la misma para asfixiarnos en todo este ruido intencionado… por qué no puedo hacer eso? Es tan fácil pero tan difícil a su vez… encontrar a alguien que comparta esta necesidad, algo me esta faltando, estoy meditando últimamente, pero todo esto son huevadas, esta bien meditar y saber lo que tienes que hacer y conocerte un poco pero al final si no tienes huevos nada va a pasar por mas que conozcas la teoría, soy un maldito superficial, pero que chucha, todos tenemos un modelo no?... ah pero que buen momento con esa mujer … diablos no le pedí su teléfono porque no quise y porque de lo bueno poco… eso no correrá pero es digno de recordar, podría nombrarte en mi lapida como la mujer que mas me aceptó… the hardest walk… cut dead …que tales temones carajo… no importa que uses siempre las notas mas fáciles de la música, tu no eres teoría, tu eres solo sentimiento Psicocandy. Y te repetiste encima en Darklands, son unos conchudos, abusadores de lo fácil, pero al final como se siente! hey Reid, tu voz es la cagada… puta y yo que decía que por tener registros bajos estaba cagado, pero si tu puedes todos podemos… rock and roll mierda…

Y ahora es viernes, ya con 28 encima pienso que aun no he vivido como debiera, quisiera tener un modelo de vida adelante para saber como vivir carajo… mi viejos querían que sea educado pero nadie me formo un espíritu ni una actitud, vivo casi por la inercia aunque no lo parezca, aunque no sea conformista para nada, y justamente este choque de realidades me jode siempre… estoy in a hole! puta que paja seria escuchar un concierto donde suene esta canción y los agudos de las guitarras salgan disparados como misiles de las bocinas al espacio y toda Lima pueda escuchar lo que es la esencia del rock…

Ya fue suficiente… tengo hambre, y felizmente la satisfacción al estomago aun es bue… un momento taste of cindy es anal… tanto que ni con un orgasmo encima puedes disfrutarla mas, es fenomenal la sensación que te produce, el bajo, la teba primitiva con eco… lo supremo esta canción, headbanger que se siente en todo el cuerpo… pero ya se acabo porque es cortita…

Bueno ahora si tengo hambre, gracias por esta sensación Jesús and... y si tu que me lees no puedes disfrutar este disco, pues te compadezco pues te estas privando de una sensación gratuita que esta ahí para el que quiera y pueda tomarla.

Un toque, aun la comida esta fría… never understand... mejor bailemos… solos, casi siempre estamos solos igual.

descargar Psychocandy

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Pavement - Crooked Rain, Crooked Rain

Pavement - USA

Crooked Rain, Crooked Rain - 1994

El gran merito de Pavement debió haber sido su capacidad para crear canciones con una carisma y simpatía instantáneas y claramente ofrecidas, usando buenas y efectivas melodías en unos casos, y gritos que invitan al headbanging en otros, un toque algo desfachatado tipo garage, elementos jazzeros (no porque sepan probablemente), mucho desorden, gritos, improvisaciones, payasadas. Todo esto junto a la indispensable voz de Stephen Malkmus la cual se hace insustituible realmente, se podría decir que es casi la esencia de Pavement.

En este disco Crooked Rain, Crooked Rain del 1994, vuelven a repetir las características mencionadas que también usaron en su primera placa Slanted and Enchanted del 92, solo que algo mas arregladas y con una producción sonora algo mas estandar. Son estos 2 discos los que harían de Pavement una banda importante en la escena noventera sirviendo de influencia a muchas otras venideras. De aquí que es también recomendable escuchar Slanted...

Cuando escuchas el dúo Silence Kit - elevate me later te das cuenta que hay anarquía en la banda, pero por momentos, no son Sonic Youth claro, estos tipos aman las melodías, el buen cantar y el folk, y no quieren entregar cosas acidas ni duras, sino emotivas o ponedoras pero con algunas complicaciones en sus acordes que son trasparentes para el oyente en realidad. Lo que se nota en Stop Breathin, con un empezar de guitarras provocadoramente desafinadas para jugar un poco con tu oído en las estrofas.

Llega la estrella Cut Your Hair, la mas conocida y mas alegre del disco. Todo es diversión (al menos sin contar las letras que no se que dicen) en esta canción, falsetes coreables, ritmo garage bailable, y unos cuantos gritos precisos la redondean para el gran público ávido de un poco de diversión. Lo mismo producirá Unfair, la mas headbangera del disco, para saltar y gritar con Stephen como manda el dios del rock and roll. Nótese el toque disonante de la guitarra en las estrofas, y la vuelta a la normalidad en los coros, una combinación usada por los que saben como encender los ánimos.

La inocente y entrañable Gold Soundz la continua, con toques de batería irregulares, infantiles, y flojos pero esto es justo lo que queremos escuchar cierto?

Luego la aventura sónica de 5-4=unity puede gustarte o disgustarte, le puede gustar a la persona que menos te imagines, puede encontrarte desprevenido en un instante y hacer que te le adicciones. Pavement no hizo esta canción para llenar de seguro, quisieron jugar un poco con el Jamming y elementos que vinieran bien a la composición final… Este disco no seria lo mismo sin esta ella.

Range Life es la efectiva balada tipo Folk que vuelve a mostrar la versatilidad de la banda (en gustos claro) acercando a la juventud anárquica con un poco de raíces norteamericanas (alguien sabe que mencionan respecto a los Smashing Pumpkins?) escúchala y querrás cantarla igualito al buen Stephen. Lo mismo te puede pasar con Heaven Is a Truck y Fillmore Jive pero en menos grado claro.

Basta de palabras, es momento de escuchar a Pavement en sus mejores momentos, sino el mejor, con un álbum que a estas alturas suena tan bien como antes.

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EL INICIO DEL CISMA

El año 1985 significo un punto de inflexión en la escena local. Hasta ese entonces, el rock carecía de escena subte, es decir, lo que editaban las bandas de la época podía llegar a las radios y en cierta forma tenían cabida. Ejemplos notorios son Frágil y Río.

Leusemia aparece en escena en ese verano de 1985 infectándole una fuerza descomunal al rock nacional. La banda data de 1983 y desde sus inicios llamaron la atención (inicialmente eran trio, luego serian cuarteto) por su forma de tocar sus propias composiciones, presentarse en conciertos con grupos de géneros totalmente antagónicos (chicheros y salseros) y por congregar a una fanaticada tan fiel como variopinta (punkekes, metaleros).

Es así como los hermanos Valdivia (Daniel F y Kimba Vilis), Leo Scoria y Montaña (Luis Montanez) entrarían a la historia como la primera gran banda de la escena subte. Sin necesidad de promoción (entiendase apoyo de radios o disqueras), la banda alcanzo tal resonancia que el camino que recorrían las demás también estaba separado para ellos: editar el disco con el que alcanzarían fama. Este disco es el símbolo de la escena subte nacional pero significaría para la banda el inicio del fin de su primera etapa como grupo.

El disco, como era de esperarse, se convirtió en un hit y paradójicamente alcanzo las emisoras radiales en su año de estreno. Parecía que el éxito del ámbito comercial alcanzaba a Leusemia pero acá ocurrió muy extraño, llego la disolución. Alguna vez leí que Daniel dijo que la banda se separo por algo que ellos se plantearon que no iba a ocurrir, alcanzar la promoción en las radios y de alguna manera compartir o gozar el éxito comercial.

El 1985 (nombre que me hace recordar el disco de Van Halen del año anterior) es un disco primigenio, duro, alto voltaje para cualquier oyente. El disco destila altos contenidos de rabia. No es el mejor trabajo de Leusemia pero se nota potencia, furia, Leusemia prefirió darle fuerza a el contenido de sus letras antes que lucirse con arreglos o virtuosismos (estos estarían en sus trabajos de los noventas). El disco se deja oír solo, no hay forma de abstraerse de su fuerza de sus canciones.

El disco empieza con Astalculo (una especie de canto a Lima), continua con Crisis en la gran ciudad y Decapitados (canciones de corte punk totalmente puro y autodestructivo). Luego sigue el clásico Diarrea (canto completamente sincero de lo que alguna vez pasamos todos en la vida). El nivel del decae ligeramente con Extinción y Las Aranas de Matute...para luego encontrar el éxtasis en Oirán tu voz, oirán nuestra voz.

Este tema es un himno del rock subterráneo y el himno de Leusemia, la versión del disco que aquí he colgado viene con diferentes versiones de este clasicazo de los Leusemia. Así como a otros grupos se les identifica automaticamente con un tema, a Leusemia le cabe el honor de haber compuesto este tema.

El disco cierra con Rata Sucia, Rock Para Intelectuales, Pa pa pa pa pio (tipica cancion para desatar el pogo), Un lugar y Vida Callejera. El trabajo de Leusemia no es el mejor pero dejo un sinsabor en la boca en su momento porque se notaba a leguas que había talento. Tardaron 10 años en volver a juntarse para demostrarle a su publico que no equivocaron con ellos. En lso 90's llegarían A la mierda lo demás, Moxon y Yasijah (este ultimo de lo mejor de banda mi parecer). Pero su reagrupacion trajo también consigo la cohesión de la escena subte, dispersada justamente desde la separación de la banda.

Hoy la banda ha elegido el camino del progresivo, esto le ha traído muchas criticas pero al parecer la banda se siente mejor en un genero en el que se siente a gusto y que le nace tocar. Les dejo el disco para que lo descarguen. Una vez mas le debemos decir a Leusemia: gracias por tanta buena música.

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