Radiohead – The King of Limbs

 

UK - 2011

La banda más importante de los últimos 20 años esta en épocas de redefinir el futuro de la música. Por medio de esta obra, mientras la lanzan, o bien mientras descubren como hacerlo.

Si debería crearles una etiqueta para ellos solos.

Y es que esta banda acostumbrada a hacer las cosas de manera inhumanamente bien, ya no tiene otra cosa que hacer que liderar las corrientes sonoras de bueno, todos los demás. Quizá ellos no se lo hayan planteado así, o quizá sí. Igual pienso, debe ser un poco monótono eso de sacar canciones que todos aman de manera unánime e incrementan la adoración por la banda ¿eh?

 

Por eso, en TKOL los ingleses hacen lo que les suena bien, lo que les resulta en el ensayo, lo que soñaron la noche anterior, da igual, están en el proceso mencionado. Luego, un trabajo de producción, influenciado siempre por miles de horas de escucha de grandísimos músicos colegas como Aphex, Burial, Massive (supongo esto último), dejan un disco de sonidos precisos y encajes perfectos, y aquí no trato de llenar adjetivos, quiero decir perfecto. Es decir un trabajo pulido al milímetro que cumple con los deseos de toda persona que se imagina cómo debe quedar un sueño en versión música a través de una computadora y unas pinceladas de alguna instrumentación humana.

No será un disco de himnos, quizá muchas de estas canciones pasen hasta desapercibidas en los conciertos, ni siquiera resaltaré una en particular, pero Radiohead consigue seguir siendo influencia, y esto desde hace rato ya. Mostrando siempre a los novatos como se hace música, esta música, esta propuesta. Tú debes escuchar y mejor aprender pues aquí están los artistas mayores dando clase de la música de un presente que los tiene en una burbuja separada del resto, música de un futuro que quizá no llegue pero que puedes ya imaginarte. 

Es bueno que Radiohead siga con nosotros.

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Los Chapillacs – Odisea Cumbia 3000

 
Perú - 2010

Odisea cumbia 3000 tiene 3 de los 4 rincones de la cumbia peruana reunidos en sus 12 tracks. La parte norteña queda olvidada porque, parece ser poco interesante pues.

La expresión artística iniciada en Lima por Los Destellos, ampliada en la selva por los Mirlos y demás músicos de la cumbia primigenia, sabrosa y bastante aceptada de aquellos años sesenta y setenta, fue seguida por una tercera corriente: una oleada de músicos serranos, inmigrantes, alienados e inolvidables todos, quienes en los complicados ochentas inyectaron dosis de una chicha  que nunca terminó de verse bien para los Limeños, pero que escuchándose en retrospectiva no deja de sorprender por su carácter gráfico que proyecta aquellos tiempos de racismos nacientes y dificultades sociales. 

No es este disco un recopilatorio (más) de aquellas épocas fantásticas de nuestra música popular tropical e intensa, y es justamente eso lo que lo hace ser interesante. Los Chapillacs usan, que duda cabe, muchos sonidos de estos antecesores inolvidables, pero también proponen su sonido y actitud dando en todos lo blancos que se proponen. Mientras composiciones como La marcha del Chullachaqui y su video casero evoca un viaje lisérgico en las entrañas de la selva, Un shipibo en el desierto combina eficazmente sonidos árabes con altas velocidades de un cumbión abuelo. Luego una creación más radial como La cumbia delincuencial deja la duda conveniente de si aquello es una crítica social o una actitud delincuencial al fin. A que te pones a bailar igual.

Y así, más detalles coloridos como la inclusión del más atorrante de todos en He traidionado tu amor: Pascualillo, los samples de barrio, los pequeños detalles chicheros esparcidos a lo largo del disco que tienes que oír antes que yo contarte y un frontman que baila horrible. Todo eso hace de este, un disco por demás interesante y, claro, bailable gozable y recontra achorao’ porque mientras alguna cumbia actual saquea miserablemente creaciones iniciales sin ninguna pretensión que no sea otra que el lucro, estos arequipeños se encargan de hacer cosas diferentes con ritmos bastante viejos, y sobre todo celebrar desde ya la cumbia del año 3000.

Así es varón, Odisea comprometerá tu respetabilidad, compromete la de ellos, pero es un disco que no falla, y como decían los también achoradazos Anarquía Tropical en aquel concierto del bar Etnias: “Aguante la cumbia conchatumadreee!!

 

 

 

 

 

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El columpio asesino – De mi sangre a tus cuchillas

España – 2006

No sabrás como será la siguiente canción, parece haber sido el concepto de cualquier disco de los Columpios. Eso si, hay que esperarse siempre una buena dosis de energía en esos golpes de bajo y bombo. Letras viscerales también son el común cada vez que estos españoles se animan a decir algo entre estrofa y estrofa.

El riesgo de tener un disco que no sea necesariamente concebido para tu felicidad, es que quizás no logre conectar con algún rincón de tu ser. Los asesinos estos podrían ser conscientes de ello, pero igual le dan al asunto. Digo porque La zorra y no llores más son canciones introspectivas y básicamente feas. Pero tranquilo que esta banda ha ido de ser más hijos de puta a menos. Su debut, homónimo a la banda, fue más raro, más experimental, pero aquí ya encuentras cosas más terrenales y hasta bailables, que vaya, en un momento sí que excitan los nervios.

Entonces, si unes los tremendos azotes al cerebro llamados: Edad legal, El regreso del evangelista, Lucas, Pacífico, Sintetizadores sobre motos, Floto y Ahah; combinados con experimentos más logrados llamados La caja de música y gaviotas perdidas en el mar, tienes un buen disco para hacer volar a todos de tu habitación a la mala.

No tendrán el sentimiento dulce de los Planetas, más bien son algo miserables en su expresar. A cambio te dan más variedad y de que golpean, golpean. Tú descarga nomas.

De mi sangre a tus cuchillas

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Dan Deacon- Bromst

USA - 2009

Obtuve mi título y mis viejos estuvieron ahí. Cuando exponía mi tema, ellos no entendían nada, mi madre sólo estaba atenta a mis gestos, mis movimientos de manos, mi postura. Mi padre, se esforzaba en entender, y creo que algo grabó. Estuve tranquilo, no fue complicado, pero eso si, por mucho menos yo me he puesto más nervioso.

Consideré que cuando sea viejo, deberé recordar estas épocas alborotadas, distraídas y memorables con la primera canción del querido Bromst: Build Voice. Entonces decidí musicalizar el video que el viejo me grabó en mi exposición. Al final de la edición noté que todas las explosiones electrónicas de esa canción no combinaban mucho con una imagen mía en terno y señalando el ecran en afán de convencimiento del jurado. Pero últimamente ya tengo flojera para buscar la canción ideal (¿recobraré la paciencia algún día?).

Y bien, así ha quedado, mi titulación tan ceremoniosa como poco útil, repintada psicodélicamente por un patrón musical de lo menos apropiado.

Pero es lo de siempre, nada es lo que parece, y nada debe parecerse a algo al fin. Todo es relativo. Por eso, en la propuesta de Deacon, me siento cómodo. Los coros chiflados de Paddling Ghost me liberan un rato, y los órganos ruidosos, monofónicos y eternos de Slow With Horns me hipnotizan. Por otro lado Woof Woof me hace pensar que a veces estoy perdiendo cierta objetividad, luego me olvido de ese pensamiento y me pongo a postear un texto que habla lo mucho que me gusta esa canción. No se.

Antes pensaba hacer cosas musicales que suenen a Massive Attack, ahora quiero hacer ruidos de mierda, molestar los tímpanos de los muchos y enamorar así a los menos. O quizá joder cánticos celestiales ya consagrados por otros y hacerlos chorrearse sobre el pentagrama para que sus cantores entiendan que lo suyo debe parir nuevos críos con las alas mojadas: wet wings.

Wikeo que Deacon tiene mil discos anteriores, y ya me jode saber que hay tanta música afuera y tan poco tiempo y vainas personales para sazonarlas y digerirlas.

Dan Deacon- Paddling Ghost

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Jens Lekman – Night falls over Kortelada

Suecia – 2007

La portada que muestra a Jens Lekman recibiendo un corte de cabello de Shirin o bien de Dios encierra un gran grupo de canciones coloridas para toda la familia. Las mismas que incluyen pasajes pintados por acordeones, violines, samples de niños y flautas bailando algunas veces a ritmos de música disco, otras veces a cosas mas parecidas a cumbia. Arcoíris musical que no intenta deslumbrar la vista, sino sólo hacer música agraciada y reconocible a cualquier oído con lo que fuere necesario. De todas maneras un buen grado de riesgo y talento es responsabilidad total de Lekman, quien de todo se vale para arrancarte una sonrisa de paz (cuando eres ajeno a la letra) aunque sea por unos minutos.

Ahí en esos campos de moderna gracilidad donde pocos se atreven a hacer música, Jens Lekman consigue sacar adelante temas tan bonitos y conseguidos como The opposite of hallelujah o bien it was a strange time in my life, esto sin desmerecer de ninguna manera a los demás, ya que Night falls… es en realidad un álbum de canciones una mejor que la otra.

El carácter autobiográfico y directo de las letras, And I remember every kiss parece ser un repaso por todas las relaciones pasadas, siempre con énfasis y cariño en la primera. Y If I could cry más que una lacónica letra es una apertura de sentimientos musicalizada hermosamente.

Difícil no encariñarse con un disco tan dulce como este


The Opposite of hallelujah

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Fever Ray – Fever Ray

Suecia – 2009



Ya quería hablar hace tiempo de este disco, archi recomendado por todos, y no lo hacía por algo de flojera pero viendo este video me dije, carajo, amo a esta mujer y hablaré de ella ya!

Pienso que si yo hubiera producido este disco (vamos a alucinar un poco pues) me sentiría jodidamente realizado. Digo, ¿cómo es que a alguien se le ocurre que con un par de líneas melódicas de lo más simplonas, más unos arreglos esforzados pero escasos al fin, se pueden crear canciones? definitivamente no a muchos, esa especie de humanos realmente escasea (y tampoco es que el mundo se lamente mucho por ello pero bueno). Ya el Trip Pop intentaba sacar música del minimalismo y el claroscuro. Fever Ray en realidad va por ahí, pero no se pone tan pesada como los de Bristol, de hecho en su voz se escucha algo de ternura, y en sus preciosos arreglos electrónicos hay finura por absolutamente todo rincón. Sólo ponte los audífonos y préstale atención a cualquiera de estas canciones y verás la precisión total de cada golpe, cada salpicadura sonora. De eso se trata, de el arte de hacer que pocas cosas en la despensa se presenten pulidas, necesarias y perfectas. Eso es Fever Ray.

A que mujer sino a Karin Dreijer se le ocurre aplicar pitch negativo a su voz para hacerlo sonar bien feo como para vocalizar una canción?. Y luego dice repetidamente (para que te lo tomes como quieras) en If I had a hear “this will never end cause I want more, give me more, give me more”. Bueno ya en The Knife, ella y su hermano hacían cosas brillantes (SIlent Hour es para tenerlo ya mismo), pero al repetir el plato ella sola aquí, bien, ya sabemos lo que sigue…

Un poco de belleza minimalista y oscura, pintarrajeada con sonidos y aromas de los ochentas electrónicos más empolvados por el tiempo, todos fríamente calculados por Fever Ray, para hacer un trabajo mas de admirar que de gozar, es este disco homónimo. Uno de los tantos buenos trabajos que adornaron el brillante 2009.

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The Ting Tings – We started nothing

The ting tings – UK

We started nothing – 2008

We started nothing es uno de los discos más bacanes de rock-pop de los últimos años (sino el más). No sólo es divertido y fresco, sino que su producción es por demás inteligente, pues exprime y le saca el jugo a lo básico que le resulta tener sólo 2 integrantes, utilizando económicamente los instrumentos que arman cada canción. El resultado: no hay elemento sobrante ni tampoco que se deje extrañar (¿habrase paseado por ahí David Byrne?)

Ahora, cuando escuchas la archiconocida That’s not my name, por ahí que pensarás que son de USA y que son una one-hit-band. Es ahí donde fallarán tus cálculos. Son de Inglaterra y TODO el disco es jodidamente bueno. Ya mismo ando a todo volumen con fruit machine y estoy de buen humor.

Hay que reconocerle a Katie White que tiene una voz deliciosamente pop, la misma que hace la escucha del disco más rica aún de lo que sería el escuchar sólo las (excelentes) percusiones de Jules de Martino engranadas a esas guitarras que funcionan como el ingrediente secreto: sutiles e invisibles pero indispensables.

Shut and let me go tiene matices pop efectivísimos y Be the one se acerca más a lo rockero, más a los sonidos de fin de década. Lo mismo we walk cuyas percusiones de su sencillo estribillo me resultan sencillamente perfectas.

Desde los soñadores acordes guitarreros iniciales de Great Dj hasta le sensacional we started nothing y su hipnótica monotonía acabada con un set de vientos que no te esperarías encontrar aquí, esta placa resulta redondita tanto en arreglos finales como en ventas y fama. Lo tojus.

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Talking Heads – Remain in light

 

Talking Heads – USA

Remain in light – 1980

 

Para mi desde  que lo oí, la obra suprema de todo lo que alguna vez haya tratado de ser moderno, inteligente y poderosamente rítmico al mismo tiempo. Incluso superando a los mismos trabajos anteriores de los TH.

Con la atractiva antipatía de David Byrne a la cabeza de todo, arrastrando a el resto de la banda consigo, y bajo la producción de Brian Eno, esta placa llevó aún más lejos a la banda.

Para esa época el funk estaba ya bastante usado, quizá hasta apagándose.  El New Wave empezaba a oscurecer el escenario y el punk ya había dejado su semilla de inconformismo. Entonces los Heads volvieron a deslumbrar, mucho no lo necesitaban porque ya habían demostrado su rara calidad con su obra existente, pero Byrne a quien las ideas le brotaban sin control, una vez más soltó su genio. Se imaginó un trabajo que combinara en una sola placa de alta calidad de producción sus frecuentes pinceladas non-sense, con cantares que más parecieran soliloquios, y esta vez colocó el resultado sobre ritmos absolutamente perfectos que obligó a conseguir a los otros 3 obedientes integrantes de la banda. Obreros bebedores del funk, optimistas con el wave y ahora potenciados por percusiones de origen afro y la guitarra de Adrian Belew ex Zappa.

Casi todo el resultado es demoledor y no tienes más que aplaudir el increíble ritmo de crosseyed and painless, las guitarras geniales de the great curve, la eficiencia total de los bajos de seen  and not seen entre otros elementos ocultos en los surrealistas surcos del LP.

Remain in light es uno de los trabajos más irreprochables de la música pop, prácticamente hay un consenso para encumbrarlo. Si tratas de buscarle errores quizá te vayas a la parte final del disco y digas que the overload no tiene espacio después de la perfecta maquinaria rítmica previa. Es posible que sea una especie de intento de relacionarse al disco Closer de Joy Division que termina con ese funeral sonoro llamado The eternal. Poco importa pues con las 7 canciones previas Talking Heads da una clase de como casar los buenos ritmos sin caer en ningún pecado. Dicho recuerdo tiene a LCD soundsystem como su mejor seguidor, pero estoy seguro que la resonancia del sonido Talking Head ha sido absorbida de alguna manera por todos los artistas modernos de la década actual, por lo que su influencia debe ser incalculable.

PD: Hay una edición en vinilo 180gr que se puede comprar en Amazon, el disco así con ese sonido te aseguro que burn down your house!. Hubo un momento en que tuve 2 ejemplares nuevos igualitos, no me envidies.

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Queen – Hot Space

 

Queen – UK

Hot Space – 1982

 

Fui a comprar el vinilo de segunda “a day at the races” a un lugar de poca confiabilidad y me dieron la caja de ese disco, pero con el “hot space” adentro y no me di cuenta. Cosas del destino o resultados de mi poca atención. Pero no es problema, no gasté mucho dinero y me llevé una buena placa a casa, aunque con carátula errada. Ahora voy a postearla.

Si alguien me dice que Queen es la mejor banda de todos los tiempos, no le escupiría en la cara porque puede que sea cierto.

El hecho de que un disco menor como se supone que es Hot Space resulte tan sólido nos revela que sus creadores tuvieron los recursos y alcances necesarios para componer canciones pop pegadizas pero de alta fineza musical que poco tenían que ver con su anterior puñado de discos pertenecientes a una obra inquieta y fructífera que se dio buenos y reconocidos paseos por el rock, el progre y la opera. Y esos recursos llevan a que Hot Space casi ni se reconozca como un disco de Queen (sino fuera por la inconfundible voz de Mercury) y a que sea un excelente disco pop de sonido muy hijo de la época.

Trompetas, sintetizadores, guitarras y bajos elegantes se pasean tranquilitos canción tras canción y la energía jamás se pierde. Desde Staying Power que suena a Earth Wind & Fire muy vivo, Back Chat exponente claro del sonido pop ochentero embrionario, Body language y su poderoso bajo que seguía la línea de another one bites the dust y que fue regularmente sonada por estas tierras (produciendo actualmente flashbacks en su generación), Put out the fire que lanza una cuerda provisional hacia el sonido anterior de la banda, Life is real balada seguidora de una fórmula ciertamente repetida que les dio muchos éxitos a la banda, Las palabras de amor otra balada más genuina que la anterior y con estribillo en español dedicado a los fans sudamericanos, y la famosa Under pressure perfecta por donde se la tome componen la carnecita de este disco que supuso un relativo fracaso en la carrera de Queen en el sólo sentido de que sus fans expresaron que no recibieron lo que esperaban, mas no constituye una mancha en la carrera de la banda, sino más bien una demostración de su amplitud de talento en composición y producción al servicio de los tiempos corrientes.

Queen redujo los coros, guitarras gruesas y ritmos rock y dio paso a ritmos precisos y sexys que bailaban alrededor de la enorme voz de Mercury y se reinventó sin necesitarlo y sin marcha atrás en este disco saliendo musicalmente airoso de ello. Más de 25 años después esta aventura se sigue escuchando fresca y consistente. Un recuerdo para los mayores, una lección para todos.

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Beach House - Devotion

 

Beach House – USA

Devotion – 2008

 

Las buenas texturas de Devotion me han capturado finalmente. No es que se trate de una obra maestra, de manera que tranquilamente podría no encandilarte en absoluto y hasta dejarte dormido de puro desentendido. Pero, si no ocurre eso, deberías en algún momento estar sucumbiendo tranquilamente ante las relajadísimas melodías de wedding bell y sobre todo de Gila, posiblemente la mejor canción lenta del 2008, un bien diseñado y logrado oasis de confort sobre el confort.

El dúo chico-chica de Baltimore (es un pueblito productivo) nos pasó un buen relajante el año pasado, cogieron como muchos otros el sentimiento de ocaso playero de los Beach Boys y lo pasaron por un baño de dream-pop para actualizarla al instante. A veces la voz de Victoria Legrand se termina ahogando en sus propios sueños y perezosas letanías como en Turtle Island y no obtenemos mucho, pero otras veces la fórmula aterriza mejor y Devotion toca el hombro. Holy Dances se anima a estirarse a lo más hacia lo bailable como su mismo titulo lo sugiere,  y Heart of chambers con su perfecto equilibrio sonoro sostenido en los fieles teclados fanstasmales y baterías invisibles de Beach House nos roba la atención.

Considerando que la fórmula de Beach House es por decirlo así, poco vendedora, y que están restringidos a pocos alcances instrumentales, escuchar la buena productividad dentro del minimalismo de Astronaut demuestra un buen rato de inspiración e ingenio de estos músicos creyentes del romance oscuro de los años viejos.

Ahora bien, mañana es lunes y hay que volver al sistema, el recuerdo de Devotion se desvanecerá con la bulla. pero no las ganas de volver a ingresar a su humilde e imperturbable mundo.

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M.I.A. - Kala

 

 

M.I.A. – UK / Sri Lanka

Kala - 2007

Confieso que cuando inicié la escucha de este disco, me daba un poquitin de incomodidad que de mi cuarto salieran aquellos sonidos que a primer oído suenan a ese hip hop cansino y en su mayoría desabrido que pulula por el país del norte. Las miradas acusadoras de mi hermano cuando se topaba de repente con las texturas de bambo banger, o mi hermana bailando burlonamente por segundos Jimmy confirmaban que quizá era mejor dejar de lado ese disco y poner algo más ácido u oscuro para quitar ese ambiente a fiesta plástica norteamericana de harto gansta, autos y joyas de por medio.

De eso ya han pasado 2 años y no es que mi incomodidad se haya desvanecido completamente, pero haciendo un pequeñísimo esfuerzo de objetividad musical, considero a este disco un trabajo notable y feliz. Un excelente ejercicio de ¿unificación? de la cultura pop norteamericana con salpicaduras de elementos culturales de la India - Sri Lanka. Todo eso bajo la impecable producción del conocido socio y DJ Switch y de la propia M.I.A quien toma las riendas vocales del disco con una buena cantidad de recursos que ya quisieran tener Gwen Stefani, Missy Elliott y otras (buenas) representantes americanas.

"Maya" se gana el cariño y respeto de parte de la escucha, mientras pone a bailar a el resto. Una onda social en sus letras también se deja escuchar, pero vamos que esto es pop, y para su bien  este disco debe y de hecho logra, sostenerse por su propio sonido, pues suena vital, novedoso, divertido y sobre todo excelentemente cuajado. Perderás tu tiempo buscando elementos vacilantes en él, todos sus ingredientes principales y secundarios han sido escogidos afortunadamente y bien soldados a la estructura rítmica por algún maestro detrás de las consolas y claro, guiados por las propias visiones de la talentosa chica estrella, quien además de diseñarlos apropiados, los imaginó como debidamente originales: así tenemos los samples de niños y percusiones africanas de Brid Flu, las atmósferas tenues y golpes precisos detrás de Boys, el sample arriesgado de vieja canción disco hindú en Jimmy,  la ausencia de agudos y atractiva hegemonía de bajos de Mango, el derroche de talento de producción para usar momentos de where's my mind (Pixies) con buenísimos y oportunos rapeos para conseguir un notable track llamado $20, los divertidos coreos y sexys estrofas de world town y los maliciosos disparos de escopeta de paper planes transforman automáticamente un disco que sin ellos pudo tranquilamente pasar a la fila de discos de remate de una tienda de Nueva York a un disco estrella que consolida la carrera de una artista que ya nos había pellizcado con su trabajo debut "arular".

Al frente de Kala primero  desconfías de todo, luego dudas, decides afinar oído, te detienes, empiezas a apreciar y finalmente te diviertes, con esta mujer y con su interesante personalidad musical,  que solapa aún mejor con su natural forma de mostrarse.

Sale en un show de MTV embarazada, si se le da por hacerlo suelta fonemas extraños en vez de cantar, hace un semi-cover de Pixies a su antojo, incluye criticas sociales en su contenido artístico, proyecta a su web desafiantemente horrible, y se entrega completamente en su música. Definitivamente las visiones coloridas de M.I.A ya han salido de su cerebro y han pintarrajeado toda la escena musical mundial. Paja.

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Patrick Wolf – The Bachelor

Patrick Wolf – UK

The Bachelor – 2009

Siempre había pensado que dentro de la, digamos ¿horripilante? música de alabanzas ofrecida a los fieles, de esa que escuchas elevada hasta la saturación del pobre parlante, elemento esclavizado por las descarriados que piensan que tu también deberías escuchar el mensaje, dentro de todo ese estilo musical cómico, se salva un elemento: Los coros.

Esos coros fanáticos después de todo suelen proyectar cierta majestuosidad, pero siempre han estado desperdiciados, y salvo en este disco no recuerdo haberlos visto actuar en otra cosa que no sea dichosa música para dummies.

Patrick Wolf ha encontrado una fórmula interesante de hacer música, él tiene sus patrones e inquietudes personales, y nosotros los que simplemente disfrutamos de su obra podemos aproximarlo a una fusión de la sensualidad de Brett Anderson/David Bowie interpretando muy buenas y equilibradas composiciones, secundado por hermosos arreglos corales femeninos (¡Cómo me gustan!), buenos tiempos a veces folk y otras veces Wave y una solida muralla de violines y chelos bastante convincentes. Funciona.

Un aire de grandeza recorre casi todo el disco, como un compilado de las últimas canciones de cada disco de Suede, y con par de colaboraciones femeninas relacionadas al folk (Eliza Carthy) y al cine (Tilda Swinton) que empujan a Wolf a delinear el estilo del álbum y ponerle cabeza.

Salvo un par de canciones prescindibles el disco es una joyita que hay que destacar. Hay una especie de carga de energía con el track ambiguo Kriespiel que da inicio al disco, y Hard times aunque bastante buena, da la impresión que el disco se moverá en terrenos de wave de tiempos embrionarios y sin embargo Oblivion actualiza el ambiente y lo complica, añadiéndole una riesgosa cantidad de elementos que al final llegan a aterrizar.

Es de Bachelor la canción en donde inician los momentos folk-pop y en donde se alcanza una de las cotas altas del disco, seguida por la hermosa pero difícil Damaris que brinda una ración generosa de esos coros que tanto nos gustan para finalmente concluir con la estupenda y soñadora Thickets. Estupenda tripleta para ilusionarse uno.

Count of Casualty es atractiva pero no tanto como lo es Who will que invita a unirse al canto. Al mismo que puedes unirte luego en la segunda tripleta: Blackdown es talento y emotividad alcanzados, the sun is often out es delicia al oído y Theseus es una combinación y culminación de los 2 anteriores.

El lobezno de UK acaba de aullar un disco rico y denso del cual se puede aprender y con que el que (nuevamente) queda demostrado que la música siempre tendrá un haz bajo la manga y que en cualquier momento te golpeará elegantemente el rostro confundido de tanta pequeñez creativa o sobrevaluación a artistas que no son más lo que fueron. Te deseo buenos momentos con The Bachelor.

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Super Furry Animals – Rings around the world

 

 

Super furry animals – Gales

Rings around the world - 2001

 

Oculto, en la selva musical de inicios de década, se encuentra yacente esta placa brillosa. quinta hija del imbatible animal súper peludo europeo, y se llama rings aroud the world.

Es cuando me topo con obras así que digo: yo también quiero hacer música.

Bien, debo decir que hay rastros de exageración quizá, pero es que tengo debilidad por los trabajos en donde se mezclan ambiciosamente elementos o estructuras sin mayores patrones conocidos, en donde se invite al oyente a deslizarse por arcoíris sonoros de extremos mas bien desconcertantes, y en donde todo suene como si no tuviera precedente. Y es que ya se han escuchado muchas cosas hasta estos tiempos, pero al parecer siempre hay algo más que oír. La estrella fugaz de la imaginación esta vez cae en Gales y no se desperdicia.

Se constituye un disco disfrutable en todos los sentidos, tu puedes realmente engancharte visceralmente a varias de sus canciones, como que puedes admirar y contemplar objetivamente su esforzada obra de producción que como es de esperarse tampoco es que suene portentosa, sino más bien curiosa.

Empaparse con Alternate route to vulcan street, terminar contento después de (drawing)rings aroud the world para ser enviado sin demora a los cielos despejados de is not the end of the world que luego empalma con un paseo en globo a través de los bonitos e inofensivos valles de Receptacle for the respectable con ese su final totalmente inesperado solo me hace sonreír de gusto.

Pero luego Shoot Doris Day retoma las riendas de esta criatura inquieta y ansiosa de libertad para mandarla a cabalgar temerariamente por un paisaje de lejanas y verdes colinas que vislumbran una inquietante tormenta eléctrica en el horizonte llamado No symphathy, el mismo que en su calculada intención de traerse el cielo abajo consigue uno de los momentos psicodélicos más sobresalientes que haya escuchado.

Y después sólo hay lindos paseos al atardecer hasta el final de tus días: Yuxtapozed with you y presidential suite son relax clásico mientras que la majestuosa Run! Christian, Run! es armonía de la pura. Me he quedado dormido con ella, y he soñado con su fondo.

A completar la regular discografía de los Super Furry animals, si sus demás trabajos son tan gratificantes como este, creo que habré encontrado un buen compañero de viajes.

Descargar RIngs aroud the world

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The Avalanches – Since I left you

 

 

The Avalanches – Australia

Since I left you - 2000

 

Las ensaladas bastante bien preparadas, nutridas de muchísimos retazos de clips olvidados de purito vinilo viejo amenizan este sábado por la mañana, el bendito sábado.

Lo que Dj Shadow hizo años atrás, The Avalanches lo vuelven a hacer pero con climas menos oscuros, en realidad hasta se pueden considerar optimistas y relajantes. Buenos para el baile, para la escucha atenta, para el acompañamiento sostenido.

Todo el disco es una canción sin cortes, salvo por el último track que suena más moderno y de corte estándar que se separa marginalmente de toda la parte anterior, esta es una obra conceptual. De manera intencional se dejan oír los añorados (d)efectos de un vinilo añejo: tierrita, surco gastado, surco distorsionado y plato de velocidad no constante; notorio en por ejemplo ese momento central de reposo llamado Tonight May Have To Last Me All My Life, luego de la cual aparece aquella extraña y bizarra mezcla entre western, batallas medievales y folk sudamericano llamado Frontier Psychiatrist, la misma que nos hace pensar 2 cosas: que realmente hay que prestarle buena atención a la inacabable cantidad de detalles encerrados en el disco, y que los gringos pueden andar zafados (ver video).

Por su puesto algo que se precie de recoger pellejos de vinilo viejo debe contener elementos soul, pop y disco. Por este batiburrillo desfilan a muy bajo perfil de entre lo que puedo reconocer: Madonna, Boney M, De la Soul y juraría que Bert Kaempfert. Además de sonidos discretos que aparentemente no pertenecen a canción alguna sino a retazos de diálogos de por ahí. En verdad poco importan los componentes, sino el resultado final, una obra bien intencionada y lograda al fin que busca reciclar a los actores de etapas en donde la música era un cachito más emocionante que la actual, usando para ello, paradójicamente la tecnología de mezclas, edición y efectos que estos nuevos tiempos ofrecen.

No tiene desperdicio este Since I left you. Va para quienes quieren estar prendidos de detalles en un disco y aprender de platos. Nada de monotonía, nada de repetición, sonido seco y un poco sucio y raspante como lo solía tener el vinilo. 1 hora de viaje por el túnel del tiempo de la música popular, aquella que decae y muere tan rápido como conquista las listas.

 

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MAssive Attack - Mezzanine

 

 

Massive Attack – UK

Mezzanine - 1998

 

Los Massive Attack entregaron al mundo en los años noventas una trilogía de álbumes añorados para cualquier productor musical. Después de un inicio prodigioso el año 91 llamado Blue Lines y una continuación impecable y lógica titulada Protection, los Massive arribaron a lo que sería su obra más oscura, densa y acabada: Mezzanine.

Por ésto mismo, éste colectivo tranquilamente podría disputar el podio de las mejores agrupaciones noventeras, añadir también que su estilo de manejar los beats a esa velocidad y combinarlos con piezas que varían desde el reggae hasta el jazz creando algo inédito y arriesgado (de hecho Blue Lines en su tiempo fue un fracaso) les da aún mayor crédito.

Pero Robert Del Naja y sus secuaces al parecer siempre lo tuvieron claro, había que darle a el mundo un poco de mística, perfección y oscuridad bajo el formato electrónico lento y lineal, con ausencia de melodías mayores y con el elemento sampler siempre revoloteando sobre los oídos para obtener efectos de vida agitada pero a la vez artificial. Bajo ése concepto crearon Blue Lines y luego, ya preparada la audiencia, iniciaron un recorrido turbio por el que fueron ensuciando y volviendo más sofocante su sonido hasta que el resultado fue éste disco. Por lo mismo resultaría quizá más fácil seguir su carrera en el orden mencionado para ir sobrellevando mejor su propuesta, claro, si eres un fan de por ejemplo Portishead esto ya no sería necesario y Mezzanine puede tranquilamente excitar tus tímpanos a la primera probada.
Resulta ciertamente peculiar que encontremos gusto y algo de adicción a una atmósfera tan fría y oscura y en donde no hay lugar para el divertimiento. El secreto del sonido Trip hop es entonces jugar con la noche, ahí donde no se pone nunca el sol quedan las penumbras y los claroscuros para maniobrar, y vaya que los de Bristol lo hacen con destreza, los años de curiosidad y ensayo sobre los platos y micrófonos les han enseñado a pulir el material para conseguir el sonido exacto, la profundidad necesaria, la densidad justa para atraer a la puerta sin quemar al curioso, un poco de talento por aquí y un poco de influencias por allá son los ingredientes.

Pero no sería correcto en absoluto decir que ésta extraña criatura sea sólo una criatura de 3 cabezas, a decir Naja, Marshall y Vowles (quien de hecho abandonó la banda justamente por el resultado obtenido aquí), importante también, quizá imprescindible es la tarea de una voz femenina que colabora: Elizabeth Fraser, posiblemente la voz más importante e influyente que haya salido de tierras europeas da su extraordinario aporte en Teardrop, Black Milk y Group Four, las cuales así, con ella, pasan de buenos y precisos beats a canciones grandiosas. También Sara Jay aporta, ella canta en Disolved girl, la mejor canción del disco (completamente discutible esto por cierto) y hay que decir que la base sonora de éste tema es tan bueno que prácticamente cualquier mujer en las voces no haría mayor diferencia.

Y el resto del disco se mueve sin desperdicio alguno de cabo a rabo y por los mismos caminos fangosos, usando dualidades justas ya antes probadas: lentitud cpn cadencia, bajos precisos con samples difusos, oscuridades graves con delicadas vocalizaciones femeninas, vacios sonoros con guitarras estridentes; toda una propuesta que esta vez tuvo acogida mundial tanto de fans como de críticos y que llevó a la banda al reconocimiento merecido y a la referencia obligada posterior, aunque esto último tranquilamente podría ser compartido por otra obra importante de la época llamada Endtroducing que definitivamente posee pinceladas de su arte impregnadas en todos los rincones de Mezzanine.

Todo lo que hizo Massive Attack en los noventas fue bueno, pero si tuvieras que escoger a regañadientes un disco, sólo uno, Mezzanine tendría que ser ese.

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Daft Punk - Discovery

Me borraron otro post, y todavía de Daft Punk!, creeré que fue sólo un error de Blogger y lo vuelvo a subir, total ni me dijeron nada no? eso sí, el link de descarga ya fue.

 

 

 

Daft Punk - Francia
Discovery - 2001

Esperando que hayan tenido un diciembre feliz y que el 08 sea mejor que el 07 posteo a una de mis bandas preferidas de mi querida escena electrónica: Daft Punk, un par de franceses, quienes se muestran siempre como robots o como muñecos de cera (lo necesario para no dar la cara explícitamente e innecesariamente). Quienes en el 97 lanzaran Homework, un disco ingenioso, riesgoso, original, poderoso y con mucho ritmo. El mismo que sea quizá el gran disco electrónico de los 90tas (seguido de cerca por algunas otras piedras angulares) y contenedor de un track de video realmente notable: around the world, una fumada de coreografía que incluye momias bien conservadas, esqueletos de buen estado físico, conductores de motocicletas gays y vainas así. Todos bailando en un escenario tipo disco 70-80s bailando en grupos sincronizados y en un sólo tiempo, en el que los movimientos corporales se fusionan con lo funky del tema. Hay talento.

Ok todo bien con Homework, y sin embargo más me pegó el siguiente trabajo de los punk: Discovery... ohh sii... mis viajes en bus por la Javier Prado allá por el 2001 escuchando en mi viejo walkman one more time me recuerdan lo mucho que me gustaba esta canción. Recuerdo que disfrutaba escucharla los sábados en la noche en la fallecida radio América con Dj Tavo en esas mezclas larguísimas de pop y rock comercial que solía hacer y en las que a veces se colaban temas tan intrusos como High and Dry. Luego decidí comprarme el disco y ya habiéndolo escuchado pensaba: "parece que sólo es una canción y nada más, no parece gran cosa". Tendría de escucharlo unas 20 veces más (al comienzo para acompañar, luego por gusto propio) para que le encuentre la gracia a las demás pistas.

La experiencia de escuchar a Daft punk puede ser variada, a algunos les puede dar lo mismo, a otros les puede dar risa, otros piensan que hay que escucharlos más y otros se ponen a hacer aeróbicos o alguna cosa útil con la que puedan dejarse acompañar. Hay elementos que son marca registrada de este dúo: La repetición de un sample que quizá te pueda resultar molesto Daft punk lo disfraza con otros elementos también registrados que son el Fading y el Tuning. Por ejemplo High Life es el ejemplo claro de esto, tomas un sample de alguna canción sin mayor fama, le aplicas una base techno, la repites y repites, un tuning aquí, un fading allá, unas veces al revés, otras veces todos juntos y listo tienes una canción mas. Puede que suene tramposo pero escúchala y veras lo atrevidamente consistente que resulta. Otros ejemplos son one more time, high life, too long.

Así como los Homework tenia sonidos payasos los cuales insólitamente creaban canciones concisas, aquí en Discovery también se da lo mismo. Por ejemplo la hermosa composición Superheroes seria la canción perfecta si pudiéramos viajar por el espacio interestelar, incluso posee ruidillos de pistolas lasers y teclados ochenteros que le dan también una dimensión sonora atemporal. Los fulminantes bajos funky de too long que se repiten y se repiten hasta el desgaste del parlante, las secuencias traviesas y juguetonas de Harder,better, faster, stronger acompañadas por el clásico vocoder que incluso hace parecer que la voz es una guitarra, y el recordado Digital love (canción que puse en mi misma ceremonia de graduación) con su video anime que la condenó felizmente a ser siempre enlazada a este, son otros elementos que hacen de este disco un disco electrónico muy psicodélico y colorido que definió muy bien el sonido electropop de comienzo de década.

Si bien este disco es más escuchable que su antecesor, si bien los elementos funk, crossovers, fadings y tunings son herencias también de su antecesor. Este es una excelente continuación para el arte sonoro de Daft Punk, el cual fue ofrecido no sólo para la gente de las pistas de baile, sino también para quienes escuchando techno queremos sentir las sensaciones que la música en general es capaz de dar, lo cual no es exactamente una bondad de este género, y menos si no hay una pepa de por medio (por cierto las canciones raves de 1 hora me parecen aburridísimas). Pero estos chicos lo lograron hacer con Discovery, el cual puede ser el único disco techno que te puede transportar a terrenos muy lejanos a una discoteca.

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The Magnetic Fields – 69 love songs

The magnetic fields – USA

69 love songs – 1999

Considerando que historias de lo que se suele generalizar en el término “amor” abundan, que las personas dedican buen tiempo a pensar en sus ilusiones, a veces para bien pero más para mal porque no saben por qué sus “tontos corazones” siguen tal camino. la intención de los Magnetic Fields al hacer un disco tan pero tan extenso abordando casi todas las variables de las relaciones entre personas y los tipos de canciones que ya se han creado sobre eso, puede graficar claramente que variedad de historias puede haber, pero conclusiones o explicaciones claras realmente hay pocas.

Entonces deciden simplemente componer y cantar todo lo que les salga del pecho, y a éste difuso mundo entrarle con todo lo que tengan a mano. Aparte de lo normalito que se puede hallar en las canciones, notas también cosas muy propias del sonido Magnetic: mucho colorido instrumental alternativo (xilófono, banjo, sintes, etc), las mismas voces del barítono Stephin Merritt cabeza de todo el proyecto también se destacan claramente, estilos que incluyen secuencias rítmicas primitivas como otras más complejas siempre escoltando las composiciones de onda meliflua hasta la médula. Este es pues un disco preciosista cuya única aparente intención es ofrecerte 69 fugaces homenajes a las canciones de amor.

¿El resultado? Es posible que animado ya a escucharlo, lo hagas pero nunca lo termines, quizá no pases del disco 1 (sin duda el mejor). Hay recibimientos múltiples frente a ésta obra, un amigo me decía: “ése disco es extenso, pero no tiene desperdicio, algún tiempo me hice adicto a varias de sus canciones”. Discuerdo de lo primero, creo que hay canciones que sobran notablemente. Para ponerlo en chuscos porcentajes diría que el 40% del disco vale joya mientras que la otra parte es prescindible. Pero lo otro si es cierto, de esa parte generosa hay canciones realmente bonitas y dulces a las que si pues, podrías hacerte algo menos que adicto:

I Think I Need a New Heart, Washington D.C.,Promises of Eternity, I Don't Want to Get Over You, I Don't Believe in the Sun, How to Say Goodbye, For We are the King, (Crazy for You But) Not that crazy, Come Back from San Francisco, absolutely cuckoo, Busby Berkeley Dreams, Bitter Tears, All My Little Words, A Chicken with Its Head Cut Of, Kiss Me Like You Mean It, The Luckiest Guy on the Lower East Side, Queen of the Savages, Papa Was a Rodeo, The Night You Can't Remember, Nothing Matters When We're Dancing, Let's Pretend We're Bunny Rabbits, The Way You Say Good-Night, Time for Rocking When We're..., the book of love, The Death of Ferdinand, Very Funny, Epitaph for My Heart, I'm Sorry I Love You, Asleep and Dreaming, Acoustic Guitar.

¿Alguien podría dudar de la calidez, lindeza e ingenuidad intencionada de las casi treinta canciones anteriores? ¿pero por qué no se hicieron sólo 2 discos con éstas y algunas más? ¿por qué 69? si tranquilamente hubiera quedado como la obra definitiva del pop romántico contemporáneo! por qué! son cosas de la mente de Merritt, igual el disco queda, igual se agradece el aporte con todos sus puntos álgidos como intrascendentes y está por cumplir 10 añitos en poco tiempo.

Ya tu decide qué haces con su contenido: dedicarlo, absorberlo, proyectarlo, etc. Quizá hacerle un video-fan encantador como el que está abajo, video de corte apropiadísimo para una canción que suena tan dulce. Por cierto escuchar la misma te dará una síntesis de lo que es la obra completa a ver si te animas. Un saludo para Carlita quien me lo enseñó pero no se si me leerá ya.

Y otro para Fanny… que estés bien lindaza, siempre estaré ahí.

Y aquí otra.

Descargar 69 love songs

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Kraftwerk – The man-machine

 

 

Kraftwerk – Alemania

The man-machine – 1978

 

Poco me ha tomado desde el momento que adquirí este disco hacerme hincha de él.  Después de verlos en vivo en Brasil decidí que era obligatorio poseer al disco que tuviera la canción The Robots. La conocía por su entrañable y elocuente video, pero ya era necesario poseerla dentro de la colección, así que ni bien bajé del avión y con maletas y todo fui a comprarlo (bueno estoy exagerando un poquitín).

De el cuarteto alemán, siempre cambiante desde hace 40 años y del cual sólo queda Ralf Hütter como miembro fundador, ya conocía esa buena placa llamada Trans-europe-express pero era hora de ir por más de los germanos. Y ¿con qué me encuentro? con una maravilla sónica fuera de tiempo, y reflexiono: que paja es la música que siempre de depara una emoción nueva, siempre, y por eso es a lo único que sigo. Y como admiro a estos viejos, definitivamente.

Le he presentado este disco a unos 4 amigos, y ninguno se ha pegado, algunos han dicho “siempre el mismo tempo”, “secuencias demasiado repetitivas”, “sonido misio” y aunque tienen razón en ello, algo que tiene que ver con uno mismo, con su personalidad y sus recuerdos lo hace pegarse a él. Pienso que es así pues a mi me gusta muchísimo, por ejemplo cuando escucho los casi 10 minutos de esa obra escondida y maravillosa llamada Neon Lights a diferencia de otras personas yo no puedo sino admirar su extraña belleza escondida en su minimalismo, y de pasada  admirar una vez más la visión de estos artistas genuinos para construir piezas musicales de puro sinte, testarudamente tratando de incorporar ésta posibilidad al mundo musical hasta entonces prácticamente desconocedor de ello salvo por los discos previos de Kraftwerk y uno que otro osado que hacia música que rehuyera a todo lo que huela a humano. Por eso concluyo que éste disco no es para todos, su sonido no triunfó en Brasil ni triunfó con mis conocidos, No es que los Kraft y sus minimalistas sonidos hayan envejecido pero en éstos tiempos en donde la música electrónica se relaciona demasiado con fiesta, luces y harta pose, su expresión lenta y sosegada no tiene el eco de antes y ya su papel vanguardista ha quedado desfasado.

Pero para los pocos que aún consideran entrañables algunas melodías por decir de juegos clásicos como Top Gear, o viejas y olvidadas canciones dance tipo espiral presente en esa mezcla 100% techno llamada Máquina total 3, y que disfruten de vez en cuando de escuchar música que no tenga mayores rastros de humanidad, esta plaquita puede caerles como un compilado de sensaciones exquisito e inacabable en el tiempo. Si a esto le sumamos su papel vanguardista que tuvo para el desarrollo de la electrónica en todas sus variantes se puede concluir que The man-machine es un disco inolvidable.

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Dj Shadow – Endtroducing.....

 

 

Dj Shadow – USA

Endtroducing..... – 1996

 

Como decía, me gustan los sonidos de Paul’s boutique y me gusta todo Massive attack, luego me gusta Endtroducing.....

Supongo que esto fue una cadena de favores. Primero Protection de los Massive, luego  éste Endtroducing, y una vez preparado  el mundo aparece Mezzanine. Después nada es igual.

Hip hop – Trip hop - Hip hop la verdad la línea divisoria no existe en este disco. Ambos estilos han sido cosidos diestramente por ésta sombra inteligente que actúa detrás de los platos. Manipuladora de géneros, titiritera de vinilos,  ha decidido no tocar nada nuevo, sino recoger sonidos que otros ya hicieron, revivirlos, mutilarlos y hacerlos conversar entre ellos a ver que sale. 

Como es un disco tipo concepto, ya sabes: a escuchar de un tirón y todo eso, hay piezas notables y otros retazos aparentemente de relleno. En realidad éstos mismos son como los vértices de la estructura donde todo toma aliento y vuelve a empezar, si hasta tienen nombres propios (transmissions). He ahí la prueba audible de la mano del talentoso, quien a veces nos deja con las ganas de ver como se desenvuelve un tema para pararlo temporalmente y empezar otro. Por ello hablar de canciones o tracks en realidad no tiene mucho sentido.

Estimula la imaginación y mientras los escuchas te proyectas rapeos, secuencias alternas y samples adicionales. Todo el disco en sí es un íntimo ofrecimiento de este artista para el oyente, amplio de posibilidades tanto como aliciente para el inquieto pinchadiscos, afrodisiaco para los amantes, oscuridad para el oscuro o parque de diversiones para la improvisación lírica.

De todas maneras las caras de éste cubo brillante y reciclado tienen fronteras, todo queda dentro del barrio downtempo, y tratando de describirlo ensayaré que Building Steam With a Grain of Salt  suena a Tricky,  Changeling a una Sade arriesgada o bien a un Portishead poco ácido; mientras que What Does Your Soul Look Like, Part 4 es una heredera clara y genial del sonido Protection de los Massive. Con éstas referencias ¿puede un disco no ser contundente?

Transmission 2 es teclado minimalista brutal, que te deja con la miel en los labios para retomarse a sí misma más adelante en Midnight in a Perfect World. De la misma manera que los sonidos eclesiásticos de Organ donor habían sido iniciados en alguna zona perdida de Stem/Long Stem para aparecer y desenvolverse por completo y a todo gusto en el surco 11. Luego los teclados de Possibly maybe (Bjork) son traídos a escena,  acompañan tarolas de sordina extraviada, crashes excesivos y tenemos a  Mutual Slump.

Encima Napalm Brain/Scatter Brain marca las pautas que luego seguirá Mezzanine (dicho sea de paso, como considero a ése disco de producción perfecta ya le haré una reseñita).

Ni redondo ni comercial; ni vendible ni cantable. Endtroducing es un disco de culto con el que entenderás el por qué la música no necesita de manera absoluta ni de letras ni vozarrones  para adquirir vida propia y que un disco puede estar armado de casi cualquier cosa siempre que todos sus elementos sean coherentes entre sí. Ya lo había hecho The orb unos años antes, pero el 96 fue momento de Josh Davis y sus sombras interiores.

Descargar Endtroducing.....

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Beastie Boys – Paul’s boutique

 

Beastie Boys – USA

Paul’s boutique - 1989

 

Hubo un tiempo en que el Hip Hop  se puso de moda en la radio, algo de 98-99. Programas dedicados a pasar exponentes sobretodo latinos tipo Control Machete, Illya Kuryaki, Delincuent Habits, Cypress H, etc. Yo tenía 18 años y esos tiempos eran emocionantes para mi, se podría decir que eran tiempos de ligera vagancia previos a entrar a mi época académica/universitaria y esa música me caía a pelo.

Pero entre aquellas canciones que hablaban de “la chota” o denunciaban al gobierno se colaban muy a menudo un par de intrusas americanas que realidad eran casi las carnecitas del programa. Intergalactic y body movin’ para ser exactos eran 2 temas del Hello Nasty del 98 con el que podría apostar que los Beastie Boys insertaron sus juguetonas ondas sonoras a los aires peruanos.  Sin embargo y a pesar que las canciones mencionadas estaban bien, ese disco no los encontraba en su mejor estado, ni siquiera el anterior Ill Communication que contaba con la famosa Sabotage lo hacía. El mejor momento de este excéntrico trio tuvo que ser cuando grabaron en el 89 Paul’s boutique, ¿por qué? porque aqui su rap era más juguetón que nunca, Adrock muy enérgico tomaba casi siempre la batuta de las líricas y con él al frente todo era divertido, sin desmerecer a MCA y Mike D que también hacían lo suyo claro pero hay que decir que así como (guardando las diferencias) en Abba la voz de Agnetha siempre fue lo notable de sus coros, en los rapeos intercalados de los Beastie Boys siempre ha marcado la diferencia Adam Horovitz, ¿o es que se te hace difícil escuchar su patentado rapear de tonos altos y palomillas sin reconocer que es él?  

Pero no todo es el espectacular rapeo mencionado, los fondos rítmicos y sampleos son historia aparte. Las inquietudes musicales de estos tipos amantes del funk, punk y rock clásico fueron bien entendidas por los Dust Brothers quienes con ellos hicieron aquí probablemente el trabajo de producción más rico que se haya hecho para un disco de Hip Hop. La extensa  colección de samples provenientes de muchas fuentes se fusionan con pericia con los patrones rítmicos de tarolas flojas tan típicas de los Beastie y provocan un sonido propio. A veces hay guitarras funk, a veces guitarras con distorsión, a veces ritmos frenéticos otras veces down tempo. Toda una propuesta colorida e interesante que demostró claramente que estos raperos blancos debían recibir seria atención. Lo cual no sucedió exactamente, pues el disco no llegó a triunfar como se esperaba.

Paul’s boutique es un disco que conviene apreciar de una sola tira, las canciones se enlazan a menudo unas a otras como una gran canción de 53 minutos sin altibajos. Es todo un deleite escuchar pasar uno a uno sus ritmos, samples y rapeos. Es mejor aún si lo escuchas con audífonos pues ahi se aprecian mejor todos sus detalles ya que en parlantes externos los ecos de los bajos suelen tapar los sonidos medios. Cosas de masterizaciones hip hop.

He pensado que el mundo del Hip hop está poblado de muchos individuos sin talento que tienen un éxito inversamente proporcional a su talento e inquietudes musicales. Sí, esos que salen en videos llenos de autos caros, chicas y joyas que a menudo no pueden pagar y que cantan siempre en la mismas poses sobre de pandillas, disputas, orgullos y toda esa basura. los BB  moviéndose en planos paralelos se han ganado un nombre en la escena. Confieso que el álbum lo traté recién hace poco, de ellos conocía sólo lo noventero, y ya sé que Paul’s boutique es lo mejor que hasta ahora les he escuchado, un disco jugoso de esos que puedo escuchar hasta 2  veces seguidas sin cansarme, éste año cumple 20 años y se viene su reedición pues el vinilo clásico suena demasiado seco para mi gusto, de todas maneras le estoy dando harto y de hecho la aguja entrampada en el último surco hace rato me indica que ya se hace tiempo de darle la vuelta al LP.

Descargar Paul’s boutique

Actualización del 05/04 : Le he dado a este LP más y más y realmente he cambiado a pensar que el trabajo de los 3 MCs es completamente parejo, quizá luego se despuntara Adrock en discos sucesivos pero en Paul's boutique los 3 se cargan el show por igual, no hay nada que hacer.  Más aún ya mismo considero a PB como uno de mis discos preferidos de siempre. Get Funkieee egg man!!

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