Dan Deacon- Bromst

USA - 2009

Obtuve mi título y mis viejos estuvieron ahí. Cuando exponía mi tema, ellos no entendían nada, mi madre sólo estaba atenta a mis gestos, mis movimientos de manos, mi postura. Mi padre, se esforzaba en entender, y creo que algo grabó. Estuve tranquilo, no fue complicado, pero eso si, por mucho menos yo me he puesto más nervioso.

Consideré que cuando sea viejo, deberé recordar estas épocas alborotadas, distraídas y memorables con la primera canción del querido Bromst: Build Voice. Entonces decidí musicalizar el video que el viejo me grabó en mi exposición. Al final de la edición noté que todas las explosiones electrónicas de esa canción no combinaban mucho con una imagen mía en terno y señalando el ecran en afán de convencimiento del jurado. Pero últimamente ya tengo flojera para buscar la canción ideal (¿recobraré la paciencia algún día?).

Y bien, así ha quedado, mi titulación tan ceremoniosa como poco útil, repintada psicodélicamente por un patrón musical de lo menos apropiado.

Pero es lo de siempre, nada es lo que parece, y nada debe parecerse a algo al fin. Todo es relativo. Por eso, en la propuesta de Deacon, me siento cómodo. Los coros chiflados de Paddling Ghost me liberan un rato, y los órganos ruidosos, monofónicos y eternos de Slow With Horns me hipnotizan. Por otro lado Woof Woof me hace pensar que a veces estoy perdiendo cierta objetividad, luego me olvido de ese pensamiento y me pongo a postear un texto que habla lo mucho que me gusta esa canción. No se.

Antes pensaba hacer cosas musicales que suenen a Massive Attack, ahora quiero hacer ruidos de mierda, molestar los tímpanos de los muchos y enamorar así a los menos. O quizá joder cánticos celestiales ya consagrados por otros y hacerlos chorrearse sobre el pentagrama para que sus cantores entiendan que lo suyo debe parir nuevos críos con las alas mojadas: wet wings.

Wikeo que Deacon tiene mil discos anteriores, y ya me jode saber que hay tanta música afuera y tan poco tiempo y vainas personales para sazonarlas y digerirlas.

Dan Deacon- Paddling Ghost

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Lightning Bolt – Wonderful Rainbow

USA - 2003

Wonderful Rainbow es un titulo perfectamente burlón para el material contenido en este disco, material que en si mismo también resulta burlón hacia lo que es la música en general. Dos norteamericanos, socios entre sí, socios del ruido y algo desquiciados se inspiran para crear unos ruidos que al fin y al cabo uno logra enlazar con lo que se conoce como música gracias a los ritmos atolondrados pero correctos que Brian Chippendale le impregna a su latosa batería, batería que a veces lidera, pero otras veces ciertamente sigue a el bajo (escuchar la carrera por el mando del compás en la emocionante two towers). 

Luego Brian Gibson en el bajo sólo tendría que llenar el aire de distorsiones motivadoras y todo saldría bien, sería un drum and bass más. Pero no es así, pues el flaco se manda unos riffs sencillos pero contundentes que recuerdan algo al punk más viejo e inmaduro y con ello Lightning Bolt queda como una cosa que se tiene que disfrutar necesariamente.  Aunque parezca una (o conduzca a la) locura.

La descarga inicial de assassins, dracula mountain, two towers y on fire casi y se hacen todo el disco. El retumbar de las lunas de la habitación al mando de los solitarios graves distorsionados es suficiente para saber que este disco ofrece poco y mucho al mismo tiempo (depende de uno con qué quedarse).

Ya como capricho compositivo, Chippendale se anima a balbucear incoherencias al micrófono, graficando con ello el inconformismo de los que hacen esta música, y de los que la escuchan.

El placer sónico que ofrece esta placa es algo que no se entiende, sólo se experimenta. Ahora, si leíste hasta aquí deberás obligatoriamente ver el video de abajo y luego, si lo quieres, descargar la bulla.

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Drive-by Truckers – Southern Rock Opera

USA – 2001

A los Driver-by Truckers les importa un carajo que su sonido sea completamente norteamericano, que sus guitarras huelan a carretera, que su nombre refiera a el típico camionero malhumorado de History channel, que sus canciones tengan todas el mismo riff guitarrero que ni siquiera es propio de ellos, y lo que es más fresco, que hayan hecho un disco doble con esa misma formula repitiéndose una y otra vez. Con todo eso son casi ídolos en su país y el disco es altamente bueno, En realidad es jodidamente pegajoso.

La historia contada en 2 partes –para darle la redondez al asunto- está llena de perlitas bastante típicas pero que siempre caen bien escuchar para quienes tenemos debilidad por unas guitarras y platos brillosos bien ejecutados. Así es, sus personajes se llaman, Wallace, Bob, Ronnie (fácil se me pierde algún Bob por ahí), quienes toman Jack Daniel’s, latean por Alabama y son borrachitos vagabundos haciéndole sombra a lo que todo buen macho americano debe preciarse, amar el rock and roll, el juego y la bebida. Es decir Southern Rock Opera dice directo, y sin dudar lo que quiere decir, y realmente esa honestidad combinada con eficaces arreglos orquestales es muy difícil de resistir. Y cuando digo eficaces quiero decir eficaces, ¿o acaso esa batería dura y llevadera junto a esas 3 guitarras perfectamente fusionadas son algo a poner en duda?. Hasta las voces tienen el timbre justo que todo yanqui –y no yanqui- quiere oír cuando se anima a sumergirse en este mundo de carreteras interestatales.

 

A veces te dices, diablos si ese riff es como el de la canción anterior. Poco importa, igual caes pegado a la nueva tramposa que te seduce y te vez pronto tamborileando el piso. En ese sentido este disco puede ser rockero hasta el ultimo toque, pero algo de pop también tiene.

Al final, si te gustan Eagles, Lynyrd Skynyrd, Neil Young o hasta Nada surf este disco te va a gustar si o si. Y ya poniéndonos menos matemáticos, hay que decir que este doble whisky sonoro al final convence y es uno más de los tantos buenos obreros modernos del sueño americano que quiere volver a sus raíces de donde alguna vez se desvió para su mal –según ellos-.

Pd: casi entra en mi lista
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Talking Heads – Remain in light

 

Talking Heads – USA

Remain in light – 1980

 

Para mi desde  que lo oí, la obra suprema de todo lo que alguna vez haya tratado de ser moderno, inteligente y poderosamente rítmico al mismo tiempo. Incluso superando a los mismos trabajos anteriores de los TH.

Con la atractiva antipatía de David Byrne a la cabeza de todo, arrastrando a el resto de la banda consigo, y bajo la producción de Brian Eno, esta placa llevó aún más lejos a la banda.

Para esa época el funk estaba ya bastante usado, quizá hasta apagándose.  El New Wave empezaba a oscurecer el escenario y el punk ya había dejado su semilla de inconformismo. Entonces los Heads volvieron a deslumbrar, mucho no lo necesitaban porque ya habían demostrado su rara calidad con su obra existente, pero Byrne a quien las ideas le brotaban sin control, una vez más soltó su genio. Se imaginó un trabajo que combinara en una sola placa de alta calidad de producción sus frecuentes pinceladas non-sense, con cantares que más parecieran soliloquios, y esta vez colocó el resultado sobre ritmos absolutamente perfectos que obligó a conseguir a los otros 3 obedientes integrantes de la banda. Obreros bebedores del funk, optimistas con el wave y ahora potenciados por percusiones de origen afro y la guitarra de Adrian Belew ex Zappa.

Casi todo el resultado es demoledor y no tienes más que aplaudir el increíble ritmo de crosseyed and painless, las guitarras geniales de the great curve, la eficiencia total de los bajos de seen  and not seen entre otros elementos ocultos en los surrealistas surcos del LP.

Remain in light es uno de los trabajos más irreprochables de la música pop, prácticamente hay un consenso para encumbrarlo. Si tratas de buscarle errores quizá te vayas a la parte final del disco y digas que the overload no tiene espacio después de la perfecta maquinaria rítmica previa. Es posible que sea una especie de intento de relacionarse al disco Closer de Joy Division que termina con ese funeral sonoro llamado The eternal. Poco importa pues con las 7 canciones previas Talking Heads da una clase de como casar los buenos ritmos sin caer en ningún pecado. Dicho recuerdo tiene a LCD soundsystem como su mejor seguidor, pero estoy seguro que la resonancia del sonido Talking Head ha sido absorbida de alguna manera por todos los artistas modernos de la década actual, por lo que su influencia debe ser incalculable.

PD: Hay una edición en vinilo 180gr que se puede comprar en Amazon, el disco así con ese sonido te aseguro que burn down your house!. Hubo un momento en que tuve 2 ejemplares nuevos igualitos, no me envidies.

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The Hold Steady – Stay Positive

 

The Hold Steady – USA

Stay Positive - 2008

 

Huelen a carreteras, motos, cerveza y rock and roll. Pero se dan tiempo para sonar bonito.

Copilotos de camino de los Drive-by truckers, The Hold steady no es más que rock básico y común con la intrusión especial de un órgano.  ¿Y entonces?

Bueno, sólo escucha Lord, I'm Discouraged y piensa si esa melodía fácil cantada por la voz melancólica y evocadora de Craig Finn mas ese sólo de guitarra que parece que lo tocara el mismo Mascis de Dinosaur Jr no resulta por enésima vez cautivante. ¿Podrías también resistirte a Yeah Sapphire cuando sabes que es como tener la oportunidad de escuchar a Husker Du en tu tiempo? y de hecho si no nos pusiéramos a evocar demasiado, así no conocieras a los rockeros viejos, igual te templarías de la canción mencionada porque, es una buena rola al fin.

“Magazines and daddy issues, I know you’re pretty pissed, I hope you still let me kiss you” dicen en un momento, bajo una melodía rockera, barata y voces aguardientosas que van directo a escarapelarte la piel. Los yanquis declaran con ella que tras esa pared de guitarreos y machismo tienen algo que amar y extrañar,  algo que ofrecer a tus oídos demasiado calmados últimamente. Como buenos seguidores del post punk no se complican nadita en la combinación de acordes, apuestan a seguro y no fallan pues Magazines conmueve, de verdad que si.

No he olvidado el tremendo dúo de pistolazos que da inicio al disco, Constructive summer y sequestered in Memphis, yo hincha de los Social Distortion caí bajo la energía suprema de estas 2 poderosas canciones apenas las conocí. “vaya vaya parece que vamos a estar un tiempo escuchando buen rock nuevamente, ya se extrañaba” me dije.

Lo malo es que el disco tiene huecos, las demás canciones no llegan a calar demasiado. Me quedo con el rock más básico que propone este disco, ahí cuando no hay que pensar demasiado Hold Steady consigue algo harto bueno, y para ello paga tributo a todos los padres del rock norteamericano de toda época, y mal o bien nos dice que estamos poniéndonos mayores pero al carajo, tú debes seguir tu camino.

 

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Beach House - Devotion

 

Beach House – USA

Devotion – 2008

 

Las buenas texturas de Devotion me han capturado finalmente. No es que se trate de una obra maestra, de manera que tranquilamente podría no encandilarte en absoluto y hasta dejarte dormido de puro desentendido. Pero, si no ocurre eso, deberías en algún momento estar sucumbiendo tranquilamente ante las relajadísimas melodías de wedding bell y sobre todo de Gila, posiblemente la mejor canción lenta del 2008, un bien diseñado y logrado oasis de confort sobre el confort.

El dúo chico-chica de Baltimore (es un pueblito productivo) nos pasó un buen relajante el año pasado, cogieron como muchos otros el sentimiento de ocaso playero de los Beach Boys y lo pasaron por un baño de dream-pop para actualizarla al instante. A veces la voz de Victoria Legrand se termina ahogando en sus propios sueños y perezosas letanías como en Turtle Island y no obtenemos mucho, pero otras veces la fórmula aterriza mejor y Devotion toca el hombro. Holy Dances se anima a estirarse a lo más hacia lo bailable como su mismo titulo lo sugiere,  y Heart of chambers con su perfecto equilibrio sonoro sostenido en los fieles teclados fanstasmales y baterías invisibles de Beach House nos roba la atención.

Considerando que la fórmula de Beach House es por decirlo así, poco vendedora, y que están restringidos a pocos alcances instrumentales, escuchar la buena productividad dentro del minimalismo de Astronaut demuestra un buen rato de inspiración e ingenio de estos músicos creyentes del romance oscuro de los años viejos.

Ahora bien, mañana es lunes y hay que volver al sistema, el recuerdo de Devotion se desvanecerá con la bulla. pero no las ganas de volver a ingresar a su humilde e imperturbable mundo.

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Okkervil River – The stage names

 

 

Okkervil River – USA

The stage names – 2007

 

Pienso que no estamos más en la época en que es común luchar por impresionar al otro con el sonido, los ochentas lo fueron. Por esos días configurar un componente Pioneer y unos eficientes parlantes triaxiales reproduciendo a los Dire Straits, Michael Jackson o Madonna era un pequeño acontecimiento de barrio, la gente se podía reunir al lado para curiosear y apreciar el sonido estrella. Era el auge del pop y del rock de fácil escucha, sin demasiadas capas encima, no quiero decir que era mejor, era simplemente más limpio. Sin embargo éste espectáculo sonoro fue cayendo poco a poco, sobre todo con la ensuciada en que se metió una buena parte de la música mainstream en los noventas, para luego entrar prácticamente al descuido auditivo total con el auge del sonido digital en formato comprimido.

Hemos terminado acostumbrándonos a eso, poco se vibra ahora con bajos demoledores, baterías secas, guitarras gruesas y platillos filudos; Por ejemplo sabemos que Animal Collective es una buena banda, referente de la época actual, pero realmente su sonido no se puede usar para mucho más que para oírlos de puro gusto, olvídate de pruebas de sonido, test de equipos y esas cosas. Haciendo memoria, lo último que me ha volado el cerebro con el sonido ha sido Lateralus (2001), Who Killed the Zutons (2004) y Amnesiac (2001), tendría que rebuscar forzadamente para encontrar más. No se trata tampoco de algo catastrófico, de hecho dudo que haya mucha gente que piense como yo, o que si quiera le de importancia, pero para mi la guerra por el volumen y la compresión de data son las peores cosas que le pueden haber pasado a la música a nivel auditivo. Y si me dices: "pero los sonidos ochenteros eran más básicos como para sonar mejor", pues ahí tienes el Doolittle y Daydream Nation como claros ejemplos de sonidos contundentes y no necesariamente limpios cuya masterización se lleva de encuentro a la mayoría de discos de los últimos 10 años.

Sin embargo este disco The stage names y supongo otros más que no habré escuchado, nos dicen que aún se trabaja cuidadosamente con sonido en algunas obras contemporáneas. Al oírlo es fácil percatarse de la claridad de llegada que poseen todos sus elementos, su sonido es sencillamente notable a pesar que tiene un formato rock adornado de muchos instrumentos secundarios.

Bien pero esta claro también que su contenido es lo que lo termina por convencer, pues estamos hablando de una obra que llegó el 2007 repleta de composiciones importantes, de mucha calidad de arreglos y de mejores ejecuciones e interpretaciones. Nueve canciones son pocas pero también lo hacen un disco eficiente, sin falla, imprescindible.

Mucho aporta la salivosa voz de Will Sheff, cuyo cantar como que invita al coro como que aterriza la intención de todos los instrumentos para con la canción. En la tripleta inicial es esforzada pero muy emocionante, y en la bonita savannah smiles absolutamente todo la atmósfera se relaja, lo mismo que en a girl in port en donde ya pagan tributo a los Stones sin dejar de ser Okkervil River. Notables estas.

La cadenciosa You Can't Hold The Hand Of A Rock And Roll Man invita simpáticamente al baile, y a la descarga de emociones; Title track recuerda algo a los sufrimientos de los personajes de Berlin y John Allyn Smith Sails finaliza la obra con una porción de esa perfecta e inmortal construcción coral de los Beach Boys llamada Sloop John B, todo esto como para no quejarse de nada y terminar la escucha con una sonrisa de satisfacción en el rostro.

La portada es un arte retro bastante deficiente pero lo de adentro si que es valioso ¿Te hace falta algo así?

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The Magnetic Fields – 69 love songs

The magnetic fields – USA

69 love songs – 1999

Considerando que historias de lo que se suele generalizar en el término “amor” abundan, que las personas dedican buen tiempo a pensar en sus ilusiones, a veces para bien pero más para mal porque no saben por qué sus “tontos corazones” siguen tal camino. la intención de los Magnetic Fields al hacer un disco tan pero tan extenso abordando casi todas las variables de las relaciones entre personas y los tipos de canciones que ya se han creado sobre eso, puede graficar claramente que variedad de historias puede haber, pero conclusiones o explicaciones claras realmente hay pocas.

Entonces deciden simplemente componer y cantar todo lo que les salga del pecho, y a éste difuso mundo entrarle con todo lo que tengan a mano. Aparte de lo normalito que se puede hallar en las canciones, notas también cosas muy propias del sonido Magnetic: mucho colorido instrumental alternativo (xilófono, banjo, sintes, etc), las mismas voces del barítono Stephin Merritt cabeza de todo el proyecto también se destacan claramente, estilos que incluyen secuencias rítmicas primitivas como otras más complejas siempre escoltando las composiciones de onda meliflua hasta la médula. Este es pues un disco preciosista cuya única aparente intención es ofrecerte 69 fugaces homenajes a las canciones de amor.

¿El resultado? Es posible que animado ya a escucharlo, lo hagas pero nunca lo termines, quizá no pases del disco 1 (sin duda el mejor). Hay recibimientos múltiples frente a ésta obra, un amigo me decía: “ése disco es extenso, pero no tiene desperdicio, algún tiempo me hice adicto a varias de sus canciones”. Discuerdo de lo primero, creo que hay canciones que sobran notablemente. Para ponerlo en chuscos porcentajes diría que el 40% del disco vale joya mientras que la otra parte es prescindible. Pero lo otro si es cierto, de esa parte generosa hay canciones realmente bonitas y dulces a las que si pues, podrías hacerte algo menos que adicto:

I Think I Need a New Heart, Washington D.C.,Promises of Eternity, I Don't Want to Get Over You, I Don't Believe in the Sun, How to Say Goodbye, For We are the King, (Crazy for You But) Not that crazy, Come Back from San Francisco, absolutely cuckoo, Busby Berkeley Dreams, Bitter Tears, All My Little Words, A Chicken with Its Head Cut Of, Kiss Me Like You Mean It, The Luckiest Guy on the Lower East Side, Queen of the Savages, Papa Was a Rodeo, The Night You Can't Remember, Nothing Matters When We're Dancing, Let's Pretend We're Bunny Rabbits, The Way You Say Good-Night, Time for Rocking When We're..., the book of love, The Death of Ferdinand, Very Funny, Epitaph for My Heart, I'm Sorry I Love You, Asleep and Dreaming, Acoustic Guitar.

¿Alguien podría dudar de la calidez, lindeza e ingenuidad intencionada de las casi treinta canciones anteriores? ¿pero por qué no se hicieron sólo 2 discos con éstas y algunas más? ¿por qué 69? si tranquilamente hubiera quedado como la obra definitiva del pop romántico contemporáneo! por qué! son cosas de la mente de Merritt, igual el disco queda, igual se agradece el aporte con todos sus puntos álgidos como intrascendentes y está por cumplir 10 añitos en poco tiempo.

Ya tu decide qué haces con su contenido: dedicarlo, absorberlo, proyectarlo, etc. Quizá hacerle un video-fan encantador como el que está abajo, video de corte apropiadísimo para una canción que suena tan dulce. Por cierto escuchar la misma te dará una síntesis de lo que es la obra completa a ver si te animas. Un saludo para Carlita quien me lo enseñó pero no se si me leerá ya.

Y otro para Fanny… que estés bien lindaza, siempre estaré ahí.

Y aquí otra.

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Dj Shadow – Endtroducing.....

 

 

Dj Shadow – USA

Endtroducing..... – 1996

 

Como decía, me gustan los sonidos de Paul’s boutique y me gusta todo Massive attack, luego me gusta Endtroducing.....

Supongo que esto fue una cadena de favores. Primero Protection de los Massive, luego  éste Endtroducing, y una vez preparado  el mundo aparece Mezzanine. Después nada es igual.

Hip hop – Trip hop - Hip hop la verdad la línea divisoria no existe en este disco. Ambos estilos han sido cosidos diestramente por ésta sombra inteligente que actúa detrás de los platos. Manipuladora de géneros, titiritera de vinilos,  ha decidido no tocar nada nuevo, sino recoger sonidos que otros ya hicieron, revivirlos, mutilarlos y hacerlos conversar entre ellos a ver que sale. 

Como es un disco tipo concepto, ya sabes: a escuchar de un tirón y todo eso, hay piezas notables y otros retazos aparentemente de relleno. En realidad éstos mismos son como los vértices de la estructura donde todo toma aliento y vuelve a empezar, si hasta tienen nombres propios (transmissions). He ahí la prueba audible de la mano del talentoso, quien a veces nos deja con las ganas de ver como se desenvuelve un tema para pararlo temporalmente y empezar otro. Por ello hablar de canciones o tracks en realidad no tiene mucho sentido.

Estimula la imaginación y mientras los escuchas te proyectas rapeos, secuencias alternas y samples adicionales. Todo el disco en sí es un íntimo ofrecimiento de este artista para el oyente, amplio de posibilidades tanto como aliciente para el inquieto pinchadiscos, afrodisiaco para los amantes, oscuridad para el oscuro o parque de diversiones para la improvisación lírica.

De todas maneras las caras de éste cubo brillante y reciclado tienen fronteras, todo queda dentro del barrio downtempo, y tratando de describirlo ensayaré que Building Steam With a Grain of Salt  suena a Tricky,  Changeling a una Sade arriesgada o bien a un Portishead poco ácido; mientras que What Does Your Soul Look Like, Part 4 es una heredera clara y genial del sonido Protection de los Massive. Con éstas referencias ¿puede un disco no ser contundente?

Transmission 2 es teclado minimalista brutal, que te deja con la miel en los labios para retomarse a sí misma más adelante en Midnight in a Perfect World. De la misma manera que los sonidos eclesiásticos de Organ donor habían sido iniciados en alguna zona perdida de Stem/Long Stem para aparecer y desenvolverse por completo y a todo gusto en el surco 11. Luego los teclados de Possibly maybe (Bjork) son traídos a escena,  acompañan tarolas de sordina extraviada, crashes excesivos y tenemos a  Mutual Slump.

Encima Napalm Brain/Scatter Brain marca las pautas que luego seguirá Mezzanine (dicho sea de paso, como considero a ése disco de producción perfecta ya le haré una reseñita).

Ni redondo ni comercial; ni vendible ni cantable. Endtroducing es un disco de culto con el que entenderás el por qué la música no necesita de manera absoluta ni de letras ni vozarrones  para adquirir vida propia y que un disco puede estar armado de casi cualquier cosa siempre que todos sus elementos sean coherentes entre sí. Ya lo había hecho The orb unos años antes, pero el 96 fue momento de Josh Davis y sus sombras interiores.

Descargar Endtroducing.....

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Beastie Boys – Paul’s boutique

 

Beastie Boys – USA

Paul’s boutique - 1989

 

Hubo un tiempo en que el Hip Hop  se puso de moda en la radio, algo de 98-99. Programas dedicados a pasar exponentes sobretodo latinos tipo Control Machete, Illya Kuryaki, Delincuent Habits, Cypress H, etc. Yo tenía 18 años y esos tiempos eran emocionantes para mi, se podría decir que eran tiempos de ligera vagancia previos a entrar a mi época académica/universitaria y esa música me caía a pelo.

Pero entre aquellas canciones que hablaban de “la chota” o denunciaban al gobierno se colaban muy a menudo un par de intrusas americanas que realidad eran casi las carnecitas del programa. Intergalactic y body movin’ para ser exactos eran 2 temas del Hello Nasty del 98 con el que podría apostar que los Beastie Boys insertaron sus juguetonas ondas sonoras a los aires peruanos.  Sin embargo y a pesar que las canciones mencionadas estaban bien, ese disco no los encontraba en su mejor estado, ni siquiera el anterior Ill Communication que contaba con la famosa Sabotage lo hacía. El mejor momento de este excéntrico trio tuvo que ser cuando grabaron en el 89 Paul’s boutique, ¿por qué? porque aqui su rap era más juguetón que nunca, Adrock muy enérgico tomaba casi siempre la batuta de las líricas y con él al frente todo era divertido, sin desmerecer a MCA y Mike D que también hacían lo suyo claro pero hay que decir que así como (guardando las diferencias) en Abba la voz de Agnetha siempre fue lo notable de sus coros, en los rapeos intercalados de los Beastie Boys siempre ha marcado la diferencia Adam Horovitz, ¿o es que se te hace difícil escuchar su patentado rapear de tonos altos y palomillas sin reconocer que es él?  

Pero no todo es el espectacular rapeo mencionado, los fondos rítmicos y sampleos son historia aparte. Las inquietudes musicales de estos tipos amantes del funk, punk y rock clásico fueron bien entendidas por los Dust Brothers quienes con ellos hicieron aquí probablemente el trabajo de producción más rico que se haya hecho para un disco de Hip Hop. La extensa  colección de samples provenientes de muchas fuentes se fusionan con pericia con los patrones rítmicos de tarolas flojas tan típicas de los Beastie y provocan un sonido propio. A veces hay guitarras funk, a veces guitarras con distorsión, a veces ritmos frenéticos otras veces down tempo. Toda una propuesta colorida e interesante que demostró claramente que estos raperos blancos debían recibir seria atención. Lo cual no sucedió exactamente, pues el disco no llegó a triunfar como se esperaba.

Paul’s boutique es un disco que conviene apreciar de una sola tira, las canciones se enlazan a menudo unas a otras como una gran canción de 53 minutos sin altibajos. Es todo un deleite escuchar pasar uno a uno sus ritmos, samples y rapeos. Es mejor aún si lo escuchas con audífonos pues ahi se aprecian mejor todos sus detalles ya que en parlantes externos los ecos de los bajos suelen tapar los sonidos medios. Cosas de masterizaciones hip hop.

He pensado que el mundo del Hip hop está poblado de muchos individuos sin talento que tienen un éxito inversamente proporcional a su talento e inquietudes musicales. Sí, esos que salen en videos llenos de autos caros, chicas y joyas que a menudo no pueden pagar y que cantan siempre en la mismas poses sobre de pandillas, disputas, orgullos y toda esa basura. los BB  moviéndose en planos paralelos se han ganado un nombre en la escena. Confieso que el álbum lo traté recién hace poco, de ellos conocía sólo lo noventero, y ya sé que Paul’s boutique es lo mejor que hasta ahora les he escuchado, un disco jugoso de esos que puedo escuchar hasta 2  veces seguidas sin cansarme, éste año cumple 20 años y se viene su reedición pues el vinilo clásico suena demasiado seco para mi gusto, de todas maneras le estoy dando harto y de hecho la aguja entrampada en el último surco hace rato me indica que ya se hace tiempo de darle la vuelta al LP.

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Actualización del 05/04 : Le he dado a este LP más y más y realmente he cambiado a pensar que el trabajo de los 3 MCs es completamente parejo, quizá luego se despuntara Adrock en discos sucesivos pero en Paul's boutique los 3 se cargan el show por igual, no hay nada que hacer.  Más aún ya mismo considero a PB como uno de mis discos preferidos de siempre. Get Funkieee egg man!!

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Social Distortion – greatest hits

 

Social Distortion – USA

Greatest hits - 2007

 

Juntas un par de guitarras que toquen acordes básicos y primeras agradables; un bajo simplón y una  batería casi primitiva y no obtienes nada especial. Si sus músicos tienen la visión de llevar una canción de Johnny Cash al punk (uno suave, casi rock and roll) la cosa puede ser interesante. Si pones a Mike Ness a cantar, ahí ya tienes algo bueno.

Un sonido que tiene vida propia, una entidad musical reconocible, una pastilla para la juventud, casi un sentimiento. Social Distortion.

Y es que no se puede concebir la música de ésta banda sin la voz de Mike. Expresando sus cosas con esa ronquera sutil y baja tan reconocible. Su garganta carraspera que se acerca más a Dylan que a Cash, tan querida por los fans es tranquilamente la voz del punk ochentero y noventero.

Pero esto es retro, actualmente no hay mucho lugar para la escena hardcore, los Social Distortion son básicamente un recuerdo agradable aunque sigan juntos. Así es la carrera, el rock es un ser vivo que muta, uno de los pocos de hecho. Mike anda ya casi por los 50 y no sé si la banda piense en grabar, no importa mucho tampoco, ellos ya tienen un nombre ganado, vienen acompañando con relativo bajo perfil casi 30 años a la escena, y ya han producido lo suficiente como para armar un buen compilado, el mismo que posteo aquí.

11 canciones desde el año 83 hasta el 03, y casi ni han variado, lo único diferente son los integrantes salvo Ness. 11 tracks parejitos, te gusta uno te gustan todos. Canciones simples, planas, rockerazas y ponedoras. Claro, menciones especiales para las eternas e incansables Prison Bound, story of my life, ball and chain y ring of fire.

Disco altamente recomendable para ponernos punk a todos. Para recordar que hemos sido adolescentes confundidos y que nunca dejaremos de serlo. Desconfío de la frase “el metal es un sentimiento”  pero sí puedo avalar lo de “el punk es una actitud”.

No hay más que decir, homenaje lacónico para una expresión musical también lacónica. Social Distortion forever!

 

 

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LCD Soundsystem – sound of silver

 

Nota de Adriano: Este post había sido eliminado por Blogger, por lo que lo re-posteo eliminando el link  de descarga. 

 

 

 

LCD Soundsystem – USA

Sound of silver - 2007

 

Conversaba con un amigo sobre el hecho de que posiblemente el mejor ritmo que haya llegado a mis oídos alguna vez dentro de el dizque limitado mundo gringo ha sido el de los Talking Heads, especialmente de su disco Reamin in light. Le contaba con emoción lo mucho que me impresionaba el talento de estos tipos para crear piezas musicales con ritmos contundentes y originales. Ellos con sus obras cumbres son considerados músicos consumados y respetados, referentes absolutos cuando se habla de las mejores movidas wave o dance de las épocas embrionarias de la música electro-dance-funk que ahora está ya bastante expandida.

Ahora pienso que uno de los alumnos más brillantes de toda esta escuela de ritmos a granel es para nuestras épocas James Murphy con sus compinches que lo acompañan en vivo, toda esta collera se hace llamar LCD Soundystem vete a saber por qué. Ellos el 2007 detonaron las pistas de baile de casi todo el mundo, con sus ensaladas hechas a base de ingeniosas percusiones, bajos saltarines, y estructuras rítmicas de todo los colores. Este disco contiene 9 pistas, y todas muy diferentes entre si, lo cual habla de su buen momento creativo para este tiempo. Incluso y sólo por afán comparativo de padre-hijo, me animaría a decir que si bien es cierto éste trabajo no tiene el nivel casi supremo que presenta Remain in light, sí presenta más variedad entre sus tracks, de manera que todos los puristas del sonido Talking Head deberían respetar calladitos ésta propuesta.

Sound of silver es un gran disco, de cabo a rabo, no hay track que canse ni fastidie, quizá New York I love you but you’re bringing me down no esté a la altura pero no es problema porque está al final. Desde el inicio de Get innocuous! pasando por los ritmos exquisitos de Time to get away (que la vez pasada me di el gusto de escuchar y bailar en una disco conocida de Lima), la elegancia de North american scum (aqui he subido el disco con 2 versiones adicionales sencillamente geniales de esta canción), los respiros re-notables de someone great y all my friends y la maquinaria de beats que resulta us and them sumadas al resto del disco lo convierten en un referente obligado para todo el que quiera realizar algo de éste tipo de música en estos tiempos agitados. Definitivamente.

Aquí en Latinoamérica tenemos gran variedad de ritmos hasta para regalar si se quiere, salsa, merengue, landó, guaracha etc. Es comprensible hasta cierto punto que a los “gringos” se los califique de duros para estos tópicos, me consta. Pero hay obras que nos voltean la figura 180 grados, y nos enseñan que las inquietudes por los buenos beats no son monopolio de nuestras tierras, por supuesto si aquí movemos la cadera y cintura, allá se prefiere mover la cabeza. Sincopado aquí, acompasado allá cada uno tiene sus cosas, pero lo cierto es que si husmeamos con los oídos bien abiertos en ambos lados del Atlántico vemos que hay cotas muy altas que algunos artistas de ambos lados han logrado establecer, así de claro. Aunque con todo eso igual seguimos siendo los mejores :)

 

Ah y espero que si vuelvo a Nebula para una fiesta de canciones de década, se manden entero con algún set de este disquito, aunque no parece ser demasiado conocido por aquí todavía, pues de alguna forma se debe empezar.

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Kings Of leon – Only by the night

 

Kings of leon – USA

Only by the night – 2008

 

Los Kings of leon lo han vuelto a hacer otra vez. Nos dan otra ración de rock sencillo y eficiente.

Y es que Caleb debe ser la voz más representativa de la década, la más inconfundible. De manera que la banda en general sólo necesita reunir (como en los disco anteriores) algunas notas a ganador, salpicarlas de guitarras garageras, bajos alegres y baterías finas para construir un disco entero que se venda bien. Así de fácil.

Incluso en este disco ya se ponen algo “comerciales”, y es que con lo mencionado antes hay que entender que no lo eran exactamente. Triunfaron no en su país USA sino en UK, y ahora quieren ser profetas en su tierra, y es posible que éste disco sea una tibia declaración de esas intenciones. Al final comercial o no, el disco llega a cumplir, lo pongo, lo disfruto y no me trae conflictos, simple.

Y para ser más justos hay canciones que realmente me gustan. Pero lo primero, si venías de conocer  sobretodo sus 2 primeros discos y ahora le das play a la pareja inicial de esta placa, te enfrentas a que la línea se ha modificado. Los juguetones sonidos sureños de garaje rock se han puesto más pesados, el sonido es más definido y suenan más americanos de Nueva York que de Tennessee, pero tranquilo no es tanto tampoco, de hecho Crawl no está tan mala, tranquilamente se disfruta pero no creo que lo hagas tanto como con Sex on fire en donde todo vuelve a ser como antes, bajo el molde de siempre, el molde que tanto nos gusta y que en bajo un pacto invisible entre banda-oyente no nos cansamos de degustar.

Pero y use somebody? … ya sé que parece el soundtrack de no sé… ¿El hombre araña? no es algo que sea propio del sonido de KOL pero al carajo me gusta también. Manhattan es otra bonita, sólo que el mejor sonido de KOL si está aquí, su mejor expresión, su esencia.

Y luego el disco continua en la línea de siempre, la línea que los hizo destacar dentro de toda la movida retro tan característica de la década. Han expresado en este trabajo que quizá estén virando, pero no del todo de momento y para eso la segunda mitad de éste disco será la de siempre. Reverly, Notion, I want you y Cold desert prosiguen el disco y también me caen bastante bien, me alegran y acompañan.

Al fin, con 4 discos en su carrera, parejos los 4, y todos en la década presente, estos muchachos del país del norte tranquilamente pueden colocar ya su nombre no dentro de la lista de las mejores bandas, sino de las más representativas y protagónicas. Fluyendo con la corriente que iniciaran los Strokes años atrás y además viviendo bien de ello y con ello.

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Hercules and love affair – Hercules and love affair

 

Hercules and love affair – USA

Self titled – 2008

 

Responsables de mover una buena cantidad de cinturas el 2008, y con la promesa de hacerlo por algún tiempo más, el proyecto Hercules and Love Affair es una de las actuales propuestas dance más sólidas y me animaría a decir que la más.

No es un buen nombre para un proyecto, no es un disco redondo, hay tracks que por más que los toco no llegan a ninguna parte, como time will que abre a tropiezos el álbum y true false/fake que tampoco le pone exactamente la cereza. Pero éstos deslucidos elementos se compensan con las excepcionales composiciones que están colocadas discretamente por el medio. Por lo que éste trabajo debería ser considerado un disco de singles.

Para hablar de la fiesta, de arranque Hercules teme la hace. Combinación disco-electropop con algunas dosis de alucinaciones corales y vientos acelerados salidos de la cabeza del proyecto: Andy Butler, quien secundado por sus demás compañeros de banda otorga a las pistas de baile con esta canción una pieza alternativa en formato retro-contemporáneo para mover esqueletos inquietos y sexys.

Pero es cuando aparecen los ritmos de bajos sincopados cuando el disco realmente brilla. Athene por ejemplo en su combinación disco-funk-wave es una calienta hormonas. Mientras que su consecutiva Blind bajo la misma cadencia pero más acelerada y vocalizada muy peculiarmente por Antony Hegarty pone el colofón a éste dúo sonoro de pastillas para el ánimo.

Iris es vocalizada lentamente por Nomi Ruiz, quien también canta otras más, y de hecho canta la mayoría de las canciones en vivo, haciendo gran parte del espectáculo y dando lo que éste tipo de música necesita para casar el sonido con la imagen, diversión y actitud. Ella (o él) debe con seguridad ser la mejor en ello actualmente.

La otra dupla This is my love / raise me up es la otra torre del disco. Yo me rindo ante los poderosos ritmos funkis de la primera, ensuciados apropiadamente por vientos jazzeros para darle un poco de particularidad. La segunda que suena más contemporánea y popera pero en el fondo está el espíritu disco y dance presente. Repito esta dupla y reflexiono: que maravillosas son las propuestas que nos permiten reciclar estilos pasados para traerlos al frente nuevamente, maquillados con capas de nuevas texturas que las hacen deshacerse de sus telarañas y gusanos que sólo artistas como Andy se atreven a despojar. 

 

Para moverte, para animarte, inspirarte, etc. prueba una dosis de éste éxtasis digital, aqui abajo el link y allá afuera la noche y la ciudad. Hercules and love affair han llegado para ponerle emoción y sudor al fin de década, casi tan bien como lo hiciera Daft punk la década pasada. Se agradece.

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Rufus Wainwright – Want One

 

Rufus Wainwright – USA

Want one - 2003

 

El espacio gira,  y yo reposando desde ayer en mi cama, veo tv, chateo, y escucho música, mato el tiempo pero tampoco quiero que llegue el mañana. El sol está ahí, arriba y todos se van a la playa y yo estoy guardado en mi cuarto con mis discos que se ofrecen para ser tocados. No es tan malo de todas formas, esa compañía a veces  resulta mejor que muchas otras. Pero ya quisiera poder salir a disfrutar de este verano, mi 29avo.

Mientras las cosas a mi alrededor vuelvan a tranquilizarse y paren de seguir esas orbitas difusas y momentáneas que sólo yo veo, aprovecho para tranquilizar mi mente, aquí en mi cuarto, lo estoy consiguiendo de momento, a veces las cosas llegan a uno y no se está preparado. Bien las reflexionas un poco y tratas de superarlas o bien te terminan de derrumbar el ánimo, depende de que tanto quieras afrontarlas pienso. Un disco apropiado para acompañar estas búsquedas personales  es éste.

Con Want One, Rufus le confiere melancolía al aire, pero también optimismo, es la voz de un artista que no se queja, sino que grafica soluciones y eso personalmente me agrada. Luego de tu tropiezo personal, Want One ni te va a ayudar a levantarte ni te terminará de hundir, más bien, genera ánimos y motivaciones tan necesarios para el pensar. Por supuesto que esto es a título personal, pues indefectiblemente percibo esto en cada escucha.

Ahora bien todas las composiciones de este cantautor están acompañadas además, de una orquestación relativamente compleja para lo que es la música contemporánea. Lo cual le otorga aún  más individualidad a Wainwright. Sin embargo el talento rezuma en el disco en el hecho de que raramente los arreglos se exceden, lo cual ciertamente provocaría hacer, a decir: coros almibarados y ampulosos, vientos dulzones o melodías directamente cursis. Por la trampa ciertamente se bordea pero no se llega a caer. Con esta regla respetada, las composiciones de Rufus tocan limpiamente techos a lo largo del disco, iniciando moderadamente ése éxito con la tripleta Oh what a world, I don’t know what it is, vicious world y alcanzando sus cimas en la tira Go or go ahead, vibrate, 14h street, Natasha.

Sólo con esto ya el disco demuestra en pocos minutos que Rufus es un músico a escuchar, que esta corriendo en caminos alternativos de la música actual. Recogiendo en la carrera, generosamente para las nuevas audiencias, el romance y complejidad como se hacía en décadas ya algo ocultas por el polvo de los años y sonidos sucesores en general menos complicados. Y es que si bien musicalmente es trabajado, el conjunto es de fácil escucha.

Hubo luego Want two, hasta ahora lo escuché poco, mientras tanto Want One ya es una recomendación de éste bloger. Y por qué no, una de mis más encarecidas dentro del universo que representa ésta década, la década en la que todos estamos tratando de volvernos realmente adultos.

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Interpol – Turn on the bright lights

 

Interpol – USA/UK

Turn on the bright lights - 2002

Llegados ya casi al desenlace de la década, ya se vislumbran quienes serán los actores principales de la misma. Quienes serán los sucesores de los Radiohead, Nirvana, Pearl Jam y demases noventeros, quienes serán los héroes de las generaciones Youtube y MSN, esos artistas que dieron vida a esta década que a todas luces no parece haber sido muy digerida hasta ahora pues no han habido muchos movimientos juveniles que, ambiciosamente hablando,  definieran una generación a comparación de otras décadas. Le preguntas a la gente que le gusta y te dicen cosas como The Cure, Joy DIvision, Ramones, Morrisey, Smashing Pumpkins, etc  y que hay de la década nueva? pues no han escuchado mucho dicen y está todo bien, pues es el reflejo de que no ha habido algo realmente llamativo que les haga voltear los oídos hacia lo contemporáneo. Los artistas se han dedicado a hacer su música sin querer ser demasiado masivos y la etiqueta indie ha sido la bandera durante un buen rato. Pero han habido muchos talentos, los cuales, espero, se vayan redescubriendo con el transcurrir de los años venideros, estoy seguro que así será.

Pero Interpol sí ha logrado tener una presencia importante dentro de estos tiempos, un nombre y una imagen propias que no le deben nada a nadie, por más que hayan influencias denunciadas hasta al cansancio. Siendo una banda de participación total dentro de estos últimos años es uno de los protagonistas sin ninguna duda. Razones hay algunas pero musicalmente hablando mucho de su éxito se lo deben a este álbum agraciado por donde se lo vea.

En los últimos días de la MTV, antes de ser arrasada por Youtube existía el entrañable y noctámbulo programa llamado 120 minutos que lo veía a diario mientras estudiaba (a medias) en la universidad, la imagen de un novel Paul Banks borroso cantando en un video fue imán para darle más volumen a la TV y escuchar aquella canción tan rítmica como oscura. Eso fue inmediato, ya mismo estaba disfrutando de una de las perlas de este disco: PDA.

Luego, obstacle 1 fue demasiado como para no escuchar el disco entero. Creía que había más detrás de ese par de torres sonoras que daban cruce de espadas para el ingreso a todo el mundo de Turn on the brigth lights. Pero no sé en que andaba yo en el 2003 que el resto del disco no me llegó a gustar y lo dejé por ahí guardado. Cosas de la música, cosas de Interpol.

Un par de años atrás le di vueltas de nuevo a esta placa, otros tiempos, y mi gusto por ella arrancó y desde ahí fue como una bola de nieve a medida que la escuchaba. Ahora mismo la escucho y sigo disfrutando de su extraña atracción, algo te atrapa de ella, Obstacle al instante pero el disco entero puede tomarse su tiempo, pasan y quedan Untitled, NYC, Stella was a diver, the new, leif erickson y algo te hace volver a escucharla y no te cansa demasiado. Quizá es la inquietante voz de Paul tenebrosa a veces, quizá la excelente rítmica que le impuso el batería Sam Fogarino muy inquieto, quizá las melodías de las canciones en sí las cuales siempre son ambiguas, ni melosas ni explícitamente obscuras. Quizá es la imagen de Carlos Dengler al bajo, quizá la imagen de toda la banda con ese estilo elegante y grave característico.

Quizá (en realidad aquí creo que está la razón) es el juego de las guitarras de Banks y Daniel Kessler moduladas muchas veces por el bajo de Dengler. El gancho de Interpol, el factor que los hace triunfar por donde muchos ya han fallado. Absolutamente TODAS las canciones de este disco están adornadas magistralmente por esas 2 guitarras, ya sean abriendo temas, adornando puentes o generando paisajes, ya sabes el poder de las guitarras semi-rítmicas. La analogía de Marr con The Smiths puede servir pero ahí donde Marr ponía belleza y tristeza estas guitarras ponen rabia y angustia. Si ellas no estuvieran a tal grado de inspiración este disco sencillamente no existiría. Eficaz.

Debut potente que ya es un clásico, no he seguido el resto de su discografía, me dicen que baja un poco pero, me queda como tarea. Y si tú aún no has oído este trabajo, pues ya sabes lo que sigue…

Descargar Turn on the bright lights

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Animal Collective en Lima - animales!!

No tengo mucho tiempo, es tarde y mañana hay que ir al trabajo y ya saben... acabo de venir de ver el concierto de Animal Collective en el local de la Fundación Telefónica (se agradece) con la buena compañia de La Ñoqui, y debo decir que es lo mejor que he escuchado en vivo hasta ahora. No hay nada que hacer, estos tios son los putosamos del momento, y los ví, tranquilito y cerquita.

El saado continuo este post.

Gracias mierda!

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Actualización (más calmada) 16/11:

Fue una presentación impecable por parte de los chicos de Baltimore, aunque la gente no se vió demasiado conectada. Es posible que muchos de los asistentes, los primeros 600 que llegaron, hayan ido a escucharlos por primera vez, y a Animal Collective el escucharlos por primera vez dificilmente significa amor a primera escucha. De hecho tampoco es una banda para amar, creo que es una banda para pasar un buen rato sumergido, si se propone, dentro de toda su maraña de percusiones raras y burbujeantes ruidillos electrónicos siempre modulados con una sucesión fácil de reconocer de notas y acordes. Lo que si es destacable es la diversidad sonora y la impecable sincronización de estos 3 tipos (faltó uno). Mientras tratas de entender como carajo va la onda de tal canción en un momento dado, ellos ya estan entrando a una nueva secuencia rítmica, claro me estoy refiriendo a las cosas más nebulosas de su repertorio, hay también cosas mas estándares dentro de la rítmica musical , cosas como Peacebone que la tocó al último, despues del tibio encore que se vivió en el anfiteatro. Con esa canción las cosas debieron converger un poco más para quienes no los conocian, lastimosamente con esa se despedían.

Para ir por orden, la tronada enpezó con la presentación del duo nacional electro-experimental Shaolines del Amor a las 8:20 aproximadamente, fue gracioso como dentro de su propuesta que bien podria pasar como las bases sonoras del sonido Animal Collective, mucha gente mostró su suave rechazo, me pregunto que tanto les agradará la obra musical de los chicos de Baltimore, quizá esos asientos debieron ser llenados por algunas otras personas que se quedaron fuera, que hubieran querido llegar a escucharlos... en fin. Me pareció muy precisa su presentación, desconocía completamente su obra, una obra absolutamente conceptual, compuesta de sonidos, tras sonidos, dándole fondo sonoro a una proyección de cortos animados la mayoria de ellos stop-motion. Abstracción total del mundo, saludable ingrediente para mentes que busquen aperturas sonoras dentro del abanico no muy enriquecido de creatividad que se ofrece en la última expresión sonora limeña. Estuvo bien.

                         

                                Extrañas proyecciones de los Shaolines del amor

Los AC se aparecen luego, 3 de 4, nueve en punto de la noche y empiezan lo suyo, aplausos iniciales, y para presentar su futuro octavo disco Merriweather Post Pavilion sueltan In the flowers que sonó bastante bien, yo la escuché tranquilamente sentado en mi butaca, y pensaba seguir haciéndolo hasta el fin del concierto pero, para la siguiente canción song for ariel de Panda Bear , Avey el vocalista principal espetó al inicio de la misma un grito que decia aparentemente "stand up!", considerando que él suele hacer éste tipo de bramidos, no estoy seguro si pidió que la audiencia se pusiera de pie realmente o no, pero asi sucedió, y por error o no todos nos lanzamos hacia adelante dejando las butacas semi-vacias. Me gustó ese tema, no aparece en ningun disco de Panda Bear pero al parecer simplemente lo vienen tocando en vivo y punto.

Después de la también nueva summertime clothes y Who could win a rabbit (sung tongs), se vino otra vez una muestra del talento de Noah Lennox interpretando asombrosamente dayly routine, que tampoco aparece en ningun disco de PB. Las cuerdas vocales del tío se entregan completamente a la audiencia, y le da un toque de misticismo al auditorio y yo solo vuelvo a decir "grande Noah".

                                                           Dayly Routine

    

#1 del disco Strawberry Jam también mantiene esa onda sosegada, donde empezé a ver cierta desconexión de alguna gente de la que hablé inicialmente, pero bueno. En Confy in nautica del disco Person Pitch debo decir que Panda Bear si se cayó un poco, me da la impresión que no logra llegar a las notas con las que la canta en el disco, la versión en vivo en realidad no llega a estar a la altura de la del disco, tampoco el final es muy bueno. Más adelante vendría la que más me gustó fireworks, en una versión extendida de casi 10 minutos la cosa se puso realmente seria, ya Noah tocaba algo de percusiones físicas y Avey hacia el bonito falsete en los coros, con Geologist siempre dándole a su sinte con esos ademanes que siempre lo muestran muy enchufado. Paja.

Brother Sport de su nuevo disco también me gustó mucho, aqui el ritmo es el deshueve total, una especie de cumbión yanqui (en serio) con harto coro intercalado Avey-Noah llevan el asunto nuevamente por más nuevos senderos. Y la gente estaba contenta, era un buen concierto y era ciertamente un lujo poder apreciar el trabajo de estos 3 geniecillos de la música de esta década.

Hacen el encore respectivo, no hay ole oles pero se sabe que la gente quiere que retornen, y AC lo hace, se piden temas del álbum Feels, de Strawberry, pero nada de eso, continua la relajante Chocolat girl de su disco debut y finaliza con su aparentemente más conocida canción Peacebone, y yo me sentia como en Coachella, mientras un par de chicas al lado sólo interactuaban con su celular (...)

 

                                      Arriba: Geologist y Avey, Abajo: Noah

 

                       

                       

Le dije a Amapola "realmente quisiera que tocaran más" en verdad no me cansaban, ya sabes, un segundo encore no es siempre necesario, pero aqui sí lo hubiera agradecido, parecia que los muchachos volvían pues se abrió nuevamente la puerta, pero se volvió a cerrar y finalmente se fueron. Al dia siguiente hubo una conferencia de prensa con Avey y Geologist pero no pude ir, aunque realmente quize aparecerme. Ni modo, gracias por tocar en Lima, y esperamos verlos de vuelta pronto.

Nota: visiten la exposición Audio-visual "Emergentes" que esta presentando libremente la Fundación, son muestras de varios artistas latinoamericanos que te pueden sacar un rato del bullicio Limeño para meterte en otro bullicio sensorial, aún estará hasta el 21 de diciembre.

Setlist

In the flowers (Merriweather Post Pavilion)

song for ariel (single)

summertime clothes (Merriweather Post Pavilion)

Who could win a rabbit (sung tongs)

dayly routine (single)

#1 (strawberry jam)

Comfy In Nautica (person pitch)

Lion In a Coma (Merriweather Post Pavilion)

Fireworks (strawberry jam)

Brother Sport (Merriweather Post Pavilion)

chocolat girl (Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished)

Peacebone (strawberry jam)

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LA NACIÓN SOÑADA

Sonic Youth se dio a conocer allá por mediados de los ochentas. En un primer alcance del grupo pareciera netamente un dúo pero detrás de sus líderes-esposos se encuentra una agrupación innovadora que se valió de su ingenio para destacar.

Varias veces me he preguntado porqué un movimiento como el grunge tuvo que esperar exactamente hasta 1990 para entrar con fuerza y pulverizar a toda esa música esperpéntica de moda de fines de los 80´s (glam-metal). Este disco es un prueba de eso. Lanzado en 1988, Daydream Nation es un disco entre grunge y alternativo (pero convertido en referencia para el indie) que sabiendo la calidad que tiene, no se convirtió en un ícono del rock de inmediato. Al contrario, se demoró sus años para ser relanzado (hasta 1993).

Kim Gordon (bajo), Lee Ranaldo (guitarra), Thurston Moore (voz y guitarra), Steve Shelle (batería) son a quienes le debemos la creación de esta placa llena de white noise, como en un primer momento se le catalogó a Daydream Nation. Lo único que se le puede reclamar es que es bastante extenso, más de una hora, superando el promedio de 45 minutos que suele tener un disco. Por lo demás el disco cuenta con gran registro de guitarras acompañadas de los platillos de la batería que hace muy fácil asociar el disco con el estilo de Sonic Youth.

El porqué se asocia a este como clásico del rock pues se debe a temas que se convirtieron en bandera de una generación. Para empezar Teenage Riot, primer corte y mejor del disco, es un temazo. Es rarísimo escuchar una canción así en 1988 cuando parece muy lejano la aparición del grunge o del alternativo, cuando las radios estaban llenas de los primigenios Bon Jovi, Guns n´Roses, Deff Leppard y demás especímenes similares. En idéntico estilo se mantiene Silver Rocket, luego le siguen The Sprawl y Cross the Breeze, donde las guitarras suenan de lo mejor, ni que decir decir la voz de Kim. Aquí el sonido es típico del white noise, los platillos juegan un papel importante. Los riffs de Cross the Breeze son alucinantes parecen sacados de alguna influencia punk. Luego se escucha el clásico Eric´s Trip, sobran las palabras.

Total Trash es la canción que uno pondría en el carro luego de salir del trabajo, empieza con arreglos muy cuidados pero luego entra en una onda como de distorsión de guitarras y dándole más protagonismo a la batería y al sintetizador y retomar al final con la voz de Thurston. El nivel del disco desciende con Hey Joni y Providence, en especial con este último que es un tema con efectos de sonidos indescifrable. Con Candle el disco vuelve por sus fueros, un gran tema. Rain King le empieza a dar un cierre oscuro al disco, aquí los arreglos y el sonido son sacados a punta de trabajo del guitarrista. Kissability le da fin al disco en la voz de Kim, buen tema. Cuando fue relanzado (versión que cuelgo), la placa incluyó Trilogy (hecho en 3 partes: The Wonder, Hyperstation y Eliminator Jr.) préstenle oído porque se trata de excelentes canciones todas a mi entender que extendieron la duración del disco para beneplácito de los fans.

Si te consideras admirador de la música ochentera pues este disco es imposible que en la discoteca personal. Se adelanta a todo el movimiento que apareció a inicios de los 90´s, sin duda precursor en muchos aspectos este disco. Les dejo el link de descarga.

Descargar Daydream Nation

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Iggy and the stooges - Raw Power

Iggy and the stooges - USA

Raw Power - 1973

Todo bien con la música actual, paja Panda Bear, potente LCD soundystem, bien Ratatat, no hay problema hasta ahi; Pero me pongo a pensar en la emoción que se vivió en otras épocas, los Beatles en USA, Hendrix en Woodstock, The Who en vivo,  Morrison haciendo el baile indio e Iggy pop lanzandose por primera vez sobre una fanaticada sorprendida para hacer el actualmente ya gastado pero no menos emocionante "stage diving".  Pensando en ello me  digo "y donde esta toda esa energía?" osea, los White stripes y los Zutons han hecho cosas por ahi, pero en escenario ya no hay esas performances que sorprendían antes, esos actos no muy programados de rebeldía y desafío. Hoy ya no parece ofrecerse en vivo la oferta de emoción y adrenalina que se podía dar antes, siempre en adición a la buena música claro está. Hoy no hay eso, el rockandroll no ha muerto pero esta algo aburrido en el escenario últimamente.

Pensaba en esto cuando ví a los Stooges reunidos después de como 35 años, con Ron Asheton en guitarra todo panzón. uno pensaría que fueran a dar un espectáculo patético, tipos viejos que se la quieren de dar de jóvenes otra vez, encima mucho punk y muchas locuras ya se han visto en el escenario y ya no hay muchos ases que puedan sacarse de la manga para sorprendernos. Sin embargo y para mi alegría sucede algo contrario. Observas a Iggy Pop dando lo que daba antes, haciendo movimientos apurados, ansiosos, como animal que quiere follar,  todo en frente de un público algo diferente, ahora son los hijos de aquellas audiencias sorprendidas de comienzos de los años 70, pero igual su extraña carisma, esa personalidad imposible de pasar desapercibida sigue confiriendo emoción al oyente/espectador. nada ha cambiado, están de vuelta, que bestia, pienso que si Rocco ha nacido para follar, este tío ha nacido para hacer rock en vivo. Nadie como él. Los Stooges son adrenalina pura en su música como tal, pero con Iggy todo se termina por romper ahi arriba. Todo es locura, todo es rock. 

Raw Power es un discazo, como toda obra Stooge fue concebido tan demente y quizá enajenado, que cuando fue remasterizado en el 97, Iggy mandó a hacerlo con todos los canales de consola en rojo, vale decir saturando canales. Así debia hacer, debia ser el disco más ruidoso con menos intrumentos posibles. Recuerdo retornando el día siguiente a la tienda donde lo compré a devolverlo por "estar mal grabado" . Menos mal el vendedor conocía bien este disco y me explicó el rollo de la grabación. Después de cierta gracia que me hiciera tal historia me iría a casa con el mismo disco bullero y admirando aún más a Pop.

Históricamente es disco básico para la concepción venidera del punk, admirado por muchos músicos entre ellos Cobain y Marr. Raw power es un trabajo violento, divertido y sexual. Sonidos fragorosos, sucios y letras procaces. Tipos que bien podrían haber pasado a ser personas perfectamente nefastas en su época, llevando vidas airadas y con drogas hasta la frente; mas asociados a la sordidez que a la música pero extrañamente graciosos al mismo tiempo. Sino como explicar titulos como Search and destroy en el año 73? como explicar la energía exagerada  de un titulo misógino como your pretty face is going to hell, o el machismo musical de penetration, "balada" hecha sólo por orden del sello discográfico, en donde Iggy y compañia rezuman excitación, la misma que luego es transferida al escenario de forma frontal, sin concesion alguna. La cosa no es hacer bulla, no es salir semi desnudo a hacer tonterías, la cosa va por hacer rock and roll o como sea que se llame ese estilo, música bailable, energética e inspiradora y recién sobre esto se pone la cereza histriónica que el buen Pop supo poner como ninguno.

Despues de manifestar la necesidad de una mujer para lo que sea haya pasado por la cabeza de Iggy en I need somebody todo el quiosco se va al carajo nuevamente con las 2 últimas entregas del disco, las últimas de los Stooges de aquella época de hecho, Shake Appeal y death trip ponen las cosas no tanto de cabeza, ojo no es una mierda el disco, ponen las cosas divertidas mas bien, buenos ritmos, guitarras bien ritmicas, casi como un Harrison en crack e Iggy cantanto, susurrando, bramando y gimiendo; y encima de todo este escándalo que asustaría a cualquiera no preparado esta la bendita saturación. No estoy seguro como sería si este disco sonara "bien", quizá perdería todo su encanto, pero no hay duda que la voz de Iggy en el ultimo track queda muy bien con esa saturación encima. 

Sin más descripción que se me ocurra sobre este disco completamente genuino e irreprochablemente visceral, te dejo el álbum para descargarlo y disfrutarlo en el formato saturado maquinado por Iggy en el 97.

Descargar Raw Power

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The flaming lips - The soft bulletin

The Flaming Lips - USA

The soft bulletin - 1999

The soft bulletin es el noveno disco de Flaming Lips, para cuando lo sacaron ya tenian 16 años en la escena musical norteamericana en la que habian tenido... ehhh bueno solo un éxito comercial algunos años atras. A eso yo le llamo perseverancia. Ahi donde la mayoria de bandas espera cierto suceso hasta el tercer disco, quizá hasta el quinto, los Flaming quizá nunca lo esperaron, y aqui la excusa de la independencia a la popularidad masiva no cuenta porque son 16 putos años y 9 discos!

Al fin con este noveno disco, llegó un relativo éxito en ventas, el cual se engrandeceria mas con el álbum venidero tres años después, presentando en ambos trabajos un estilo muy peculiar de hacer pop rock. En realidad The soft bulletin y Yoshimi battles the pink robots son casi 2 caras de la misma moneda, y podrían haber constituido ambos un disco doble. 

La incapacidad vocal de Wayne Coyne en las voces cuando escala forzadamente notas altas,  revelada siempre en vivo, y bajo el generoso consentimiento de su público, en realidad hace que su voz suene frágil y sentida en estudio. Es esta una de las caracteristicas patentadas por esta banda, inconfundible y necesaria tambien para que Soft bulletin suene a Soft bulletin. Y en este disco, los Flaming ofrecen durante una hora musica dirigida tanto a oidos detallistas como a corazones felices y no tan felices. Pop alturado, joven, hermoso, alcanzando puntos sublimes por momentos siempre bajo un formato electrónico de base. Un batiburrillo de melodias azucaradas, pianos clásicos y guitarras con baterias chispeantes siempre exitoso dado el talento de estos viejos batalladores de la música, que al parecer alcanzó un punto apropiado en estas épocas.

En realidad es posible que en primera el disco arranque y finalize sin mayor éxito, sobre todo si has escuchado ya el Yoshimi primero. Recomendable es darle mas vueltas, pues mientras lo vas escuchando mas veces, ante ti va apareciendo todo su esplendor. Un momento, esto sucede con todas las escuchas de discos no? cierto, pero realmente este trabajo bien merece la distinción, siempre escuchas algo más que no te habias percatado en la escucha previa. Y demás esta decir que si ya te ha enganchado entonces te mantendrá asi por un buen tiempo. Esto te recuerda a Pet sounds? pues aqui incluso podrías encontrar mas riqueza.

Race por the price es la apertura, precisa, the spark that bled ya le pone una cota de calidad, deja claro que esto no es cualquier cosa pop, lo mismo the spiderbite song, maravillosa y simple, échale atención a esa percucion que mas parece juegos artificiales de tarolas. The observer pone las cosas algo mas obscuras inicialmente, para luego virar hacia la melancolia de manera natural, no hay voces, solo coros tan breves como intensos. Llega luego el sosiego de waiting for a superman, a la mitad, para que te tomes una pequeña vacación bien planeada. Los bajos electronicos de suddenly everything has changed muestran que también son inquietos en estos sonidos y desarrollos, haciendo agradable y un poco mas propio el resultado final.

Listo para el desenlace? que se viene con The gash, un inicio portentoso, chillon y todo eso, pero vaya que se ponen geniales esas estrofas. Feeling yourself desintegrate continuando tiene un inicio simplemente hermoso, letra corta, y guitarra emotiva. Ahora que la escucho, se me ocurre que es la canción mas bonita de este disco y quizá de los Flaming lips. Completa el disco la instrumentada sleeping on the roof cual si fuera una pieza para cerrar todas las escotillas abiertas durante la escucha ya pasada, antes de que vayas nuevamente a tu mundo donde probablemente flaming lips le suene a la gente a una frase maricona antes que una banda de musica pop dulce y elegante al mismo tiempo.

Y ahora que hay muchos conciertos por aqui, que esperamos con ansias las visitas de Animal Collective, REM, Jesus and Mary chain y demás en Lima, no estaría de mas pensar en que estos tíos vengan por aqui a hacer sus cosas extrañas y surrealistas en el escenario, nosotros por nuestra parte estaremos encantados de ayudar a Coyne a cantar todas las canciones. 

Descargar the soft bulletin

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