Los Chapillacs – Odisea Cumbia 3000

 
Perú - 2010

Odisea cumbia 3000 tiene 3 de los 4 rincones de la cumbia peruana reunidos en sus 12 tracks. La parte norteña queda olvidada porque, parece ser poco interesante pues.

La expresión artística iniciada en Lima por Los Destellos, ampliada en la selva por los Mirlos y demás músicos de la cumbia primigenia, sabrosa y bastante aceptada de aquellos años sesenta y setenta, fue seguida por una tercera corriente: una oleada de músicos serranos, inmigrantes, alienados e inolvidables todos, quienes en los complicados ochentas inyectaron dosis de una chicha  que nunca terminó de verse bien para los Limeños, pero que escuchándose en retrospectiva no deja de sorprender por su carácter gráfico que proyecta aquellos tiempos de racismos nacientes y dificultades sociales. 

No es este disco un recopilatorio (más) de aquellas épocas fantásticas de nuestra música popular tropical e intensa, y es justamente eso lo que lo hace ser interesante. Los Chapillacs usan, que duda cabe, muchos sonidos de estos antecesores inolvidables, pero también proponen su sonido y actitud dando en todos lo blancos que se proponen. Mientras composiciones como La marcha del Chullachaqui y su video casero evoca un viaje lisérgico en las entrañas de la selva, Un shipibo en el desierto combina eficazmente sonidos árabes con altas velocidades de un cumbión abuelo. Luego una creación más radial como La cumbia delincuencial deja la duda conveniente de si aquello es una crítica social o una actitud delincuencial al fin. A que te pones a bailar igual.

Y así, más detalles coloridos como la inclusión del más atorrante de todos en He traidionado tu amor: Pascualillo, los samples de barrio, los pequeños detalles chicheros esparcidos a lo largo del disco que tienes que oír antes que yo contarte y un frontman que baila horrible. Todo eso hace de este, un disco por demás interesante y, claro, bailable gozable y recontra achorao’ porque mientras alguna cumbia actual saquea miserablemente creaciones iniciales sin ninguna pretensión que no sea otra que el lucro, estos arequipeños se encargan de hacer cosas diferentes con ritmos bastante viejos, y sobre todo celebrar desde ya la cumbia del año 3000.

Así es varón, Odisea comprometerá tu respetabilidad, compromete la de ellos, pero es un disco que no falla, y como decían los también achoradazos Anarquía Tropical en aquel concierto del bar Etnias: “Aguante la cumbia conchatumadreee!!

 

 

 

 

 

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El columpio asesino – De mi sangre a tus cuchillas

España – 2006

No sabrás como será la siguiente canción, parece haber sido el concepto de cualquier disco de los Columpios. Eso si, hay que esperarse siempre una buena dosis de energía en esos golpes de bajo y bombo. Letras viscerales también son el común cada vez que estos españoles se animan a decir algo entre estrofa y estrofa.

El riesgo de tener un disco que no sea necesariamente concebido para tu felicidad, es que quizás no logre conectar con algún rincón de tu ser. Los asesinos estos podrían ser conscientes de ello, pero igual le dan al asunto. Digo porque La zorra y no llores más son canciones introspectivas y básicamente feas. Pero tranquilo que esta banda ha ido de ser más hijos de puta a menos. Su debut, homónimo a la banda, fue más raro, más experimental, pero aquí ya encuentras cosas más terrenales y hasta bailables, que vaya, en un momento sí que excitan los nervios.

Entonces, si unes los tremendos azotes al cerebro llamados: Edad legal, El regreso del evangelista, Lucas, Pacífico, Sintetizadores sobre motos, Floto y Ahah; combinados con experimentos más logrados llamados La caja de música y gaviotas perdidas en el mar, tienes un buen disco para hacer volar a todos de tu habitación a la mala.

No tendrán el sentimiento dulce de los Planetas, más bien son algo miserables en su expresar. A cambio te dan más variedad y de que golpean, golpean. Tú descarga nomas.

De mi sangre a tus cuchillas

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Pescado Rabioso - Artaud

 

 

 
Argentina- 1973

Las letras de Spinetta son bastante inteligibles, quien me diga que las entiende esta fanfarroneando. Pero como la poesía no ha nacido para ser entendida y menos si se usa en las canciones, lo anterior poco importa.

Sin embargo la rara aureola de misterio que sale  del imaginativo vocabulario del flaco, que en sí mismo es un arte fonético, contrasta maravillosamente con la estupenda música que hace Pescado Rabioso en este disco.  Se siente sosiego el sólo escuchar las viejas divagaciones de Spinetta ahora que hemos pasado el fin del mundo, ahora que no se sabe a donde ir, ahora donde nada tiene sentido, ahora, Spinetta si lo tiene. Porque en estos surcos se le canta a la nada, o quizá a lo importante. Se usa el verso ambiguo, el que no dice nada en su total pero que tiene frases perfectamente sabias escondidas en donde quieras buscar.

Es el rock argentino de siempre, ese que inspiró a ya varios a componer para sí mismos. El que es respetado por unanimidad. Artaud no tiene fisura alguna y debería ser escuchada por todos  porque hasta es poesía para quien no le importa, y es música para quien no tiene interés en oírla.  

Hay que añadir que las perfectos arreglos de esas joyas llamadas Superchería y Las habladurías del mundo formalizan la calidad de toda la banda, pues estos tipos consideraban que hasta para presentar mundos de desorden, se necesita algo de orden. Artaud es al fin un disco saludablemente perturbador.

“árbol, hoja, salto, luz, aproximación” quizá no te diga nada ahora. Lo más probable es que nunca lo haga, descuida, pues por si no te habías dado cuenta, nunca entendiste nada de nada.

Pescado rabioso – Cementerio Club

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Los Planetas – Unidad de Desplazamiento

 

 

 

España - 2000

Unidad de Desplazamiento es como vestir a un hippie adorable con un traje límpido en una sala lujosa y ordenada. Y es que su sonido lustroso y brilloso –que se acerca más que nunca a Mercury Rev- se sale algo de los demás trabajos de la banda, en general más caóticos y despreocupados.

Pero eso no significa que se pierda la esencia. Resultaría difícil enmudecer a Jota y amigos en su sentir. El hablar del amor, la existencia del ser y de lo que fuere que hablen estos tipos -que siempre tiende hacia esos tópicos- también se da aquí. Es una ración más del sonido planetario, nada se ha perdido, todo sigue en su sitio, ¿te gustó Súper 8? ¿Semana en el Motor de una autobús? entonces aquí estas invitado a continuar el viaje.

Por ahí Flotando sobre Loscos y Paseo en el parque abren, descansan y cierran el disco con una etapa instrumental tipo post-rock, novedoso en ellos. Claro, no son Mogway y sus tormentosos ataques sonoros, ellos hacen algo bastante cálido con silbidos y lluvias de otoño incluidas. Sin embargo estos ensayos vienen bastante bien con lo que probablemente tu te esperas cuando te enfrentas a escuchar a tus adorados granadinos.

Y luego lo de siempre, las genialidades económicas que siempre obtenemos de cualquier disco de los Planetas, como Santos que yo te pinté, tremenda canción tan enorme en emotividad como simple en estructura. Un buen día, un diario abierto, sencilla en letras como ella sola, Canción para ligar entre las demás. 

La imagen de la banda ha disco lo que su sonido mismo es,  un bajo perfil detrás de una obvia emotividad que se llega a conectar con alguna parte de tu ser. Quizá es la voz escuálida de Jota –que se desnuda algo más en esta placa-, quizá esos acordes de dolor, hasta el golpe batero puede tener culpa. Los Planetas ya son parte de nosotros.

Decarga

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Turbopótamos - Turbopótamos

 

Turbopótamos – Perú

Turbopótamos - 2004

 

El horizonte cercano se ve bien, las utilidades de esta oficina me envían a disfrutar del concierto de los Radiohead en Rio en una semanita, pero como compré mis tickets vía W.A.S.T.E. aún no los tengo a la mano. Espero que no haya problema alguno, lo que sea que suceda lo posteraré aquí. Además se confirmó la visita de los Gallagher en el cada vez más pisoteado césped del nacional. De sólo pensar que por una noche el Coloso Diaz será como aquel tantas veces admirado y envidiado estadio europeo con toda su fanaticada peruana adentro apretujada gritando a tope de garganta los (sobretodo) himnos noventeros que ya todos conocemos una pequeña sonrisa se dibuja en mi rostro barbudo y no puedo esperar a que suceda. Claro que ya han habido conciertos memorables (Roger Waters) y masivos (LHF) pero Oasis es la última banda de estadio por lo que la cita es imperdible.

Así que todo bien, y como estamos con la buena vibra me mando a postear un discazo buena onda también, el debut de los Turbopótamos. Si ellos hubieran salido de UK, se hacían tan famosos como los Arctic Monkeys pero no, son peruanos y ya sabemos lo que en términos de rock eso significa ¿o no recuerdas lo que pasó en el LHF?

Hinchas del rockabilly, seguidores de cero corrientes contemporáneas, falsos inmaduros, chongeros de buen gusto, críticos de nuestra fauna limeña y sobre todo músicos con algo que entregar, eso fueron los Turbos en éste disco. Abanico contundente de ideas decorado por un paquete de 12 valiosas canciones arrasantes que alumbraron la escena local tan llena de dudosas bandas punk y hardcore. Desde su raudo y bien logrado sonido predominantemente Ska, inocuas letras sarcásticas, y gracia connatural de su vocalista Humberto Campodónico, pasando por sus acercamientos a la cultura popular como lo hiciera la Sarita, y ahora Bareto (con menos mérito) éste disco es ya un clásico de la escena local.

Con un inicio como el que da Gabriela, en malas manos éste disco bien podría desinflarse y parecer uno más de los de la onda pachangera que tanto nos ha inundado y de la que pocos han sobrevivido, pues si bien el tema mencionado es divertido y la propuesta skabilly se devela de arranque, no deja de ser un tema de partida solamente. Pero felizmente el disco nunca se cae, en vez toma marcha y de cuando en cuando va por sus buenos momentos. Uno de ellos es La novia con su bonita melodía y arreglos guitarreros atractivos que la convirtieron en un single.

Pero se animan con el rock más sencillo también, nada para mí es la prueba de que cuando se está en buen momento cualquier ritmo es bueno para demostrarlo.

Adicto y Nakever son un par de pinchazos para el ánimo, inician, pasan, terminan y dejan todo desparramado a su paso. Un pequeño sosiego para el cuerpo aparece con Fantasy pero luego termina de desbaratarse toda la casa, para nuestro placer.

Es en el dúo la quinta y la chola donde está la sorpresa de todo el disco. Lo dicho, en malas manos el disco podría haberse desinflado incluso hasta aquí y sin embargo a los Turbos les salen estas 2 canciones, ambas con matices reggae ahora salpicadas de blues, ska y completadas con vientos borrachos y letras urbanas. Un juguete a menudo perdido dentro de los gustos de la fanaticada local. Una pena.

La coherencia de el metro es motivadora, tendría que ser la ponedora de los conciertos, donde la gente corea y suda. No tanto así Acrobot aunque su cántico afro del puente es genial.

Y como en nada para mi, Ultrabeba se aleja de las prisas de el resto del disco y la cosa toca techo. La canción del disco es ésta, el otro single, me recuerda con nostalgia a No Doubt en sus buenos tiempos. Una estrofa en inglés y otra en castellano acompañada por percusiones extrañas que terminan por desembocar en los maravillosos y sencillos coros que dicen que vienen armados y desafinados. Eso pensábamos.

La personalidad de Astroboy es un orgullo, inmejorable final para este disco. No sabemos si cantaron en inglés para entrar al mercado de USA, poco importa, igual es un t-e-m-a-z-o.

De manera que éste disco entra al grupo de discos obligatorios de la escena local, en su tiempo fue bien reconocido por la crítica y la banda se lo ganó, muchos discos extranjeros fueron más famosos por menos, la propuesta musical es tremenda y no hay nada que se pueda reprochar. Mientras tanto los aún no bien ponderados Turbopótamos siguen en carrera, como siempre divertidos arriba, aquí cuelgo el disco para la escucha pero no olvides de apoyar la escena local, donde continúa la historia que reza que las bandas y las intenciones son muchas pero la publicidad y difusión mediática es poca.

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LARCO ES MÁS QUE UNA AVENIDA

Tras ese oscuro tiempo que significó los setentas para el rock en Perú (leer el post sobre Telegraph Avenue y esa década) y en general para toda actividad, se empezaron a respirar otros aires en estos lares. La democracia trajo libertad en todos los campos pero también trajo sus problemas. Sin embargo, la música experimentaría una especie de renacimiento a partir de aquí (renacimiento que moriría en la segunda mitad de los ochentas, no por represión, más bien por una atroz crisis económica propia de un país en guerra). Serían cinco muchachos de Breña, quienes ya tocaban algunos años juntos, los que editarían un disco que significó la primera luz luego de las tinieblas setenteras.

Andrés Dulude (voz), Octavio Castillo (teclados), César Bustamante (bajo), Luis Valderrama (guitarra) y Arturo Creamer (batería, luego reemplazado hasta la actualidad por Jorge Durand) empezaron el proyecto Frágil en 1976. Como es evidente por aquellos años las influencias eran grupos capitales del rock progresivo: Yes, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, Genesis, Led Zeppelin y paro porque la lista es extensa. Creo que las influencias son más que determinantes a la hora de escuchar a Frágil, la voz de Dulude cercana a la Anderson, los teclados de Castillo similares a los Wakeman o Emerson, la flauta... pues la flauta parece más a la de Gabriel que a la del gran Anderson.

Tras tocar covers especialmente de Genesis y Yes (quienes los hayan visto pueden afirman la calidad para esto de Frágil), se animan a realizar sus composiciones propias y alcanzan a pasar a la historia con un disco que lleva el nombre de una avenida. El suceso de Avenida Larco fue tal que recuerdo que mi hermana me contó que cuando los escucharon en la radio, la mayoría pensaba que eran argentinos o mejicanos (algo muy nuestro, no pensamos que podemos hacer buen rock). El resto creo que es historia muy bien conocida por muchos.

Pero, ¿cuántos de nosotros hemos escuchado este disco en su integridad? ¿Es Av. Larco lo mejor del disco? Más allá que en este disco ubiquemos lo que podríamos llamar el himno nacional del rock peruano, aquí se pueden escuchar temas superiores a esa canción -un dato que encontré en Internet es que Av. Larco fue colocada en la placa por presión del productor, Frágil no consideraba a este tema dentro de su début-. Sólo al inicio tenemos el instrumental Obertura (usual tema que abre cada presentación de ellos), un tema muy progre y excelente. A medida que el disco avanza se puede notar claramente el alto contenido social de los temas. Pepas, Pastas y otros Postres es un ejemplo bellísimo, un tema con una melodía maravillosa y una letra fantástica.

A partir de ese tema el disco tiene un nivel de clásico. Esto es Iluminación le sigue a Pepas..., es otro gran tema pero la segunda parte -supongo que correspondería al lado B del LP- es aún más buena. Si te gustó el disco hasta ahí pues luego la cosa se pone mejor con Floral, El Caimán y Oda al Tulipán. Escuchen El Caimán porque es tal vez el mejor tema del disco -en las radios creo que ha sido el único tema aparte de Larco que he escuchado de este disco-. Para terminar está Lizy, tema instrumental con una flauta ejecutada de manera magistral por Tavo Castillo. El único punto bajo es el último corte, Le dicen rock, que cosa curiosa no es cantada por Dulude -en verdad, no sé hasta hoy quién canta esa canción-, tema que rompe con la onda del disco, escúchenla.

La pregunta que sale a flote es por qué siendo el grupo de larga data tienen tan pocos discos, sabemos que sacar un disco en Perú es difícil pero hablamos de nuestro grupo bandera. Sólo nos queda disfrutar de este gran disco y, si pueden, ir a la presentación de Frágil en este mes. Les dejo el link de descarga.

Descargar Avenida Larco

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Raul Garcia Zarate - escencial

Cuando mi viejo me contó que una vez caminando por el centro de Lima se tropezó con un letrero que decía "hoy recital de Raul Garcia Zarate entrada libre" yo en verdad maldije mi suerte, no porque haya sido un concierto gratuito, sino porque era verlo en vivo. Y es que siendo peruano no puedo creer que teniendo 28 años no haya podido aun presenciarlo en concierto.

De esos 28 años, conozco hace 20 años su música. Al inicio Por mis viejos, quienes la escuchaban siempre, a veces antes de irse a trabajar, mientras yo aun estaba medio dormido escuchaba esas notas que para esas épocas no me parecían tan inmensas como ahora. Y pues ahora al escucharlo como siempre, al retornar a su guitarra, siempre esos vagos recuerdos de infancia retornan, como si fueran un aroma, la guitarra del maestro Zarate esta grabada en el cerebro y mas en el corazón.

Su sonido es tan poderoso que es difícil contener la emoción al oírlo. Yéndonos por el lado frío diría que el vibrado de sus punteos, la asombrosa habilidad para tocar bajos y altos al mismo tiempo y los arreglos completamente tradicionales ejecutando y usando para ello las espectaculares escalas principalmente del huayno (también toca vals y marinera) hacen esto posible. Y yéndonos al lado mas sentimental esta pues lo que son las canciones en si, las que no necesitarían de toda la técnica descrita antes para gustar, con esa nostalgia serrana de los que vinieron a Lima, de los que salieron fuera del país, o simplemente para cantarle a los hermosos Andes, a su cielo, a sus montañas y animales. Todos estos elementos grandes individualmente se juntan, se huelen, se escuchan y se sienten cuando Raul se junta a su guitarra.

Si escuchas el inicio de su versión del carnaval de arequipa, y no me refiero al famoso estribillo que lo bailan en el colegio, me refiero a su intro, si escuchas esos primeros segundos, deberías encontrar ahí, en esa sencilla secuencia de notas toda la esencia de la música serrana, ahí esta el comienzo de todo, la base, la escala, la misma que se usa para construir el cóndor pasa, en otra genial interpretación (no su mejor) de esta creación Peruana de inmejorable titulo.

Y si bien es cierto estas canciones de por si son estupendas, Raul Garcia las lleva al cielo, o a las montañas serranas que vendrían a ser casi lo mismo. Con euforia a veces (el paria), con tradición (el pajarillo, valicha), con nostalgia infinita (adiós pueblo de ayacucho) y con magia pura (mi Huancavelica), esta ultima es la ejecución mas espectacular de guitarra que haya escuchado en mi vida, siempre la admire, siempre la escuche en mi mente, y aunque se la respuesta siempre me preguntare como se puede alcanzar tal maestría, quizá nadie mas la pueda tocar así.

Y si el cóndor pasa es el huayno mas conocido, es vírgenes del sol la cumbre de la música del ande. Hecha con inspiración de sobra y derramando notas durante todo su sonar. Raul la tomo, la acomodó, la versionó y la convirtió prácticamente un curso de guitarra en si. El ser una institución viviente con las 6 cuerdas se lo debe y con justicia en parte a esta interpretación.

Menos conocido por nuestras generaciones de lo que debería ser, no por deber, sino por beneficio del alma, el maestro Raul Garcia Zarate consigue ya, a estas alturas ser un hombre querido y admirado. Y le da al mundo con solo una guitarra y unos dedos prodigiosos un tour por (sobre todo) la serranía Peruana, fuente de inspiración por su belleza y majestuosidad.

Aquí su myspace, algunas de sus ejecuciones están ahí. Buen viaje...

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Rafo Raez y los Paranoias - Camisa

RAFO R

Camisa

Rafo Raez y los Paranoias - Peru
Camisa - 2002

La escena musical limeña en especial del rock es también un tema a comentar, no es que tenga demasiada experiencia en ella pero algo sé… sé por ejemplo que no hay apoyo. El limeño en su mayoría quiere otras cosas (salsa, merengue, etc.) pero no rock. Y bien con ello, alguna de esta musica es realmente buena pero lamentablemente la gran mayoría es realmente penosa (baladas melosas, canciones con sabor a nada, reguetones primariosos e infantiles) y tal propuesta se ha vuelto la mas popular lamentablemente, y aquí cabe recriminar a emisoras que en vez de Djs mas parece que tiene animadores de reuniones sociales, quizás deberían decirles que las canciones no deberían ser cortadas con malditos dialogos (canastas gordas quiza?) mientras suenan las canciones, o que deberían tener una línea definida y no poner muy cómodamente lo que se ponga de moda no interesando el genero que sea. También se pueden mencionar emisoras que entre canción y canción mencionan el evento de la carretera central del fin de semana, o emisoras que repiten las mismas canciones todos los días (80tas dicen) y encima estas son canciones antiguas, como si la música no hubiera seguido su camino después. Yo a todo esto le llamo simplemente ATRASO, el mismo atraso del que hablamos cuando hablamos de educación, de tecnología, de cultura aquí seria un atraso musical y como todo atraso debería ser eliminado de alguna forma, pues si bien la gente define los gustos populares, son las emisoras capaces de orientar, enseñar y marcar tendencias en los oyentes, y de hecho eso debería ser su responsabilidad y compromiso. Por ello un saludo y larga vida a esas emisoras que siempre mantienen una línea definida, proponen nuevas cosas constantemente y sobre todo respetan al oyente, las cuales aun quedan.

Teniendo este inconveniente el circulo buena música–popularidad–ventas–buena música no tiene cuando arrancar para la escena rockera, sin embargo intentos han habido, y muchos muertos y heridos en esta guerra aun no ganada también. Y Rafo R. es uno de los pocos que han sabido hacerse un nombre con justicia, y con harto cojón también. No se si esta algo loco clínicamente o lo hace a propósito pero de que es raro en el escenario lo es y bien por ello, pues la teatralidad desde los tiempos de Morrison siempre ha ido de la mano con el rock, así que si lo vez caminando como demente cuando canta doctor merengue o dándose golpes en el pecho para hacer la percusión a falta de músicos cuando canta a capella frente a todo un auditorio no te extrañes.

En Camisa Raez y los Paranoias arman un disco simple pero decente, quizás algo mas de arreglos le hubieran venido bien, pues llega un momento en que el sonido de su guitarra y el toque invariable de la batería te pueden llegar a hacer dudar. Hay que considerar que fue grabado en 2 sesiones en directo y esa es la razón de su simpleza, pero vamos a lo positivo del disco. El inicio de Amor concreto, amor abstracto es mas que preciso, es este el sonido que marcará casi todo el disco, salvo en las lentas, mientras que las letras aparecerán mas bien a partir de la segunda canción.

Es la segunda Artificial de noche una de las grandes entregas del disco, Rafo y su guitarra se unen a la perfección para crear una emotiva, sólida y ascendente composición. Algo así se intenta hacer en Blas mas adelante, pero no se llega a las cotas que Artificial consigue, sin embargo Blas es también una composición saludable en este disco, muy al estilo semi-trova de Rafo.

Camisa creo es la mejor canción del disco (me creerías si te dijera que la puse en mi ceremonia de graduación?) Toda esa larga intro que ofrecen guitarra bajo y batería es básicamente rock, y sobre este inmejorable telón Rafo pone su siempre eficaz voz para llevarla a puntos aun mas altos, y aunque el solo final es prescindible, la canción da ganas de volverla a tocar, pero tranquilo pues el hombre que quería ser un árbol también te puede pegar mas adelante, de hecho le puede gustar a cualquier persona pues tiene tanto de sencilla como de dulce, aunque la letra haga un contraste.

Casi al final cuando parece que ya no hay mucho que escuchar, llega Liberarse para pararte la oreja otra vez. Es un buen tema, cantable a tope de garganta, disfrutable al fin.

Rafo Raez con 39 años ahora y antropólogo de profesión dijo “este disco nos salió demasiado bueno, no creo que lo hayamos podido hacer mejor”. Yo creo que si pudieron pero ya esta, igual vale y mucho, por lo que te recomiendo echarle un oído ya mismo, si te gusta y te pega este post habra tenido algun exito.

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ESTO NO ES MÚSICA

Vaya diciembre que va pasando, el chino-rata sentenciado a 6 de años de prisión y en proceso su juicio por el caso Barrios Altos, aprobación y firma del TLC con los yunaites, Soda Stereo da un par de presentaciones en Lima al nivel de megaconciertos y la cereza del postre: reducción de los impuestos a los espectáculos culturales.
La iniciativa de la congresista Luciana León (dicho sea de paso, la rubia está muy buena a pesar que hable como Susy Díaz) obtuvo finalmente la aprobación del congrezoo el jueves que pasó y sólo falta la firma del ejecutivo. ¿Llegarán, al fin, superbandas del calibre de U2, The Who u Oasis? El panorama parece prometedor, pero vayamos por partes.
Cuando los Rolling Stones estuvieron de gira para el tour The Biggest Band, pasaron por Sudamérica y, obvio, dieron conciertos en Santiago, Buenos Aires (fueron 5 fechas en cancha de River) y Brasil (3 o 4 fechas, incluida una con entrada libre en un playa de Río que convocó a un millón de personas). Cuando un megagrupo como éste pasa de gira es un poco más asequible que pase por Lima, así fue que un empresario preguntó cuánto costaría una fecha en Lima. La respuesta: 1 800 000 dólares. Esa cantidad es sólo los honorarios del grupo, haciendo cuentas con la calculadora, con los impuestos por las nubes, el espectáculo en sí llegaba a la astronómica cantidad de 4 000 000 de jorges. El empresario que dio esta entrevista dijo que había que llenar un estadio con 60000 personas y que la entrada promedio debía costar 80 dólares. Como es de suponer, luego de preguntar los Rolling Stones estuvieron bien cerca de Lima pero a la vez, bastante lejos.
Este año que va terminando, llegaron Björk y el señor Waters (en celebradísimo concierto en el Monumental), además de bandas como Cannibal Corpse, Anything Box y Front 242. Tal vez en su momento, muchos pensaron "una golondrina no hace verano", pero ahora parece que al menos, la llegada de estos artistas fue "el fin del invierno" para nuestra ciudad, especializada en plantones musicales (Michael Jackson, Bon Jovi, Santana), estafas (concierto jamás pactado de Rod Stewart) y conciertos que siempre se rumorearon que jamás se han dado (The Cure, Iron Maiden, Pearl Jam).
El 2008 es año clave porque nos podríamos insertar definitivamente como parada obligada de los tours que hacen estos grupos y artistas por esta parte del continente. Sin ir muy lejos, en febrero Maiden estará de pasada por Sudamérica (con fecha confirmada en Bogotá -ciudad a la que han llegado Metallica y Guns n´ Roses-) y para nadie es secreto que la doncella cuenta con una numerosa legión de fans en Perú, a ver si agún empresario se anima. En abril se dice que The Cure llegará por estas tierras, esperemos que al fin pisen Lima para dar el concierto desde siempre esperado.
Leyendo un diario, me enteré que un empresario ya confirmó a Collective Soul para fines de febrero y, aparte de las "estrellas" del reggaeton, conciertos que pondrán a los salseros felices (Gran Combo entre otros) pero para octubre se espera el arrivo de un supergrupo (por favor, que no sea Maná). Ojalá sigan mejorando las cosas.

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Soda Stereo - concierto en Lima

Soda El concierto? de putamadre pues ... no hay nada que hacer carajo que esta banda siempre ha sido buena, a la altura de cualquier banda famosa inglesa o norteamericana y mejor que muchas, que orgullo sudamericano realmente es Soda Stereo, nos trajeron un concierto de calidad como la gente merece ver.

Pero aqui si hay que recalcar algo que me decepciono bastante, me refiero a el público, un público querendon, alegre y buena vibra pero la verdad que la gran mayoria de gente y digo la gran mayoria solo fue para escuchar las canciones clasicas (diríase ochentas) que fueron de hecho las mas cantadas y todo eso pero, lo que me molesta un poco es que no apreciaron temazos de discos "Cancion animal", "Dynamo" y "Sueño stereo". Criticable?? no estoy seguro, pero fácil solo debió haber un concierto, el primero estuvo lleno de gente mas sodera, el segundo parece que no, yo lo noté un poco mas apagado, muchos habrán ido a cantar 5 o 6 canciones y con el resto se habran aburrido. Mientras yo alucinaba y cantaba contento el duo Dynamo (remolinos-primavera 0) o bien el set del Canción animal (sueles dejarme solo - en el séptimo dia - un millon de años luz) la gente estaba apagada, fácil no conocen esas grandes canciones y entonces se concluye que el concierto se infló de mas gente de la debida...

Bueno todo es un proceso dicen, los oidos no se abren a la primera y no siempre hay interés de abrirlos tampoco.

Pero bueno y porque creo que fue un buen concierto? porque la banda era buena en su ejecución, las canciones excelentes, el sonido a la altura (yo desde Signos el 8 y picnic el 9 creo que si), los efectos visuales del LCD tambien (puta que en remolinos y disco eterno me dejaron "alegre") las pantallas enfocaban acertadamente los solos de Cerati, los movimientos del siempre divertido e irremplazable Zeta y el mar humano con sus celulares, fue un buen concierto...

Mi "humilde" mejores momentos:

- Texturas con todo y falla técnica (el punche del solo final)
- La fusión de la gente (una de las pocas) en Zoom
- Caja negra (me gustó esa cancion que no conocia)
- Los celulares (en el primer concierto) de Fué
- en remolinos - primavera 0 (lo mejor)
- la seguidilla animal
- los efectos visuales sonoros de disco eterno

A los cuarenta y tantos años estos musicos (y no solo los 3) siguen sonando tan bien como siempre.

Hasta pronto Soda

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EL INICIO DEL CISMA

El año 1985 significo un punto de inflexión en la escena local. Hasta ese entonces, el rock carecía de escena subte, es decir, lo que editaban las bandas de la época podía llegar a las radios y en cierta forma tenían cabida. Ejemplos notorios son Frágil y Río.

Leusemia aparece en escena en ese verano de 1985 infectándole una fuerza descomunal al rock nacional. La banda data de 1983 y desde sus inicios llamaron la atención (inicialmente eran trio, luego serian cuarteto) por su forma de tocar sus propias composiciones, presentarse en conciertos con grupos de géneros totalmente antagónicos (chicheros y salseros) y por congregar a una fanaticada tan fiel como variopinta (punkekes, metaleros).

Es así como los hermanos Valdivia (Daniel F y Kimba Vilis), Leo Scoria y Montaña (Luis Montanez) entrarían a la historia como la primera gran banda de la escena subte. Sin necesidad de promoción (entiendase apoyo de radios o disqueras), la banda alcanzo tal resonancia que el camino que recorrían las demás también estaba separado para ellos: editar el disco con el que alcanzarían fama. Este disco es el símbolo de la escena subte nacional pero significaría para la banda el inicio del fin de su primera etapa como grupo.

El disco, como era de esperarse, se convirtió en un hit y paradójicamente alcanzo las emisoras radiales en su año de estreno. Parecía que el éxito del ámbito comercial alcanzaba a Leusemia pero acá ocurrió muy extraño, llego la disolución. Alguna vez leí que Daniel dijo que la banda se separo por algo que ellos se plantearon que no iba a ocurrir, alcanzar la promoción en las radios y de alguna manera compartir o gozar el éxito comercial.

El 1985 (nombre que me hace recordar el disco de Van Halen del año anterior) es un disco primigenio, duro, alto voltaje para cualquier oyente. El disco destila altos contenidos de rabia. No es el mejor trabajo de Leusemia pero se nota potencia, furia, Leusemia prefirió darle fuerza a el contenido de sus letras antes que lucirse con arreglos o virtuosismos (estos estarían en sus trabajos de los noventas). El disco se deja oír solo, no hay forma de abstraerse de su fuerza de sus canciones.

El disco empieza con Astalculo (una especie de canto a Lima), continua con Crisis en la gran ciudad y Decapitados (canciones de corte punk totalmente puro y autodestructivo). Luego sigue el clásico Diarrea (canto completamente sincero de lo que alguna vez pasamos todos en la vida). El nivel del decae ligeramente con Extinción y Las Aranas de Matute...para luego encontrar el éxtasis en Oirán tu voz, oirán nuestra voz.

Este tema es un himno del rock subterráneo y el himno de Leusemia, la versión del disco que aquí he colgado viene con diferentes versiones de este clasicazo de los Leusemia. Así como a otros grupos se les identifica automaticamente con un tema, a Leusemia le cabe el honor de haber compuesto este tema.

El disco cierra con Rata Sucia, Rock Para Intelectuales, Pa pa pa pa pio (tipica cancion para desatar el pogo), Un lugar y Vida Callejera. El trabajo de Leusemia no es el mejor pero dejo un sinsabor en la boca en su momento porque se notaba a leguas que había talento. Tardaron 10 años en volver a juntarse para demostrarle a su publico que no equivocaron con ellos. En lso 90's llegarían A la mierda lo demás, Moxon y Yasijah (este ultimo de lo mejor de banda mi parecer). Pero su reagrupacion trajo también consigo la cohesión de la escena subte, dispersada justamente desde la separación de la banda.

Hoy la banda ha elegido el camino del progresivo, esto le ha traído muchas criticas pero al parecer la banda se siente mejor en un genero en el que se siente a gusto y que le nace tocar. Les dejo el disco para que lo descarguen. Una vez mas le debemos decir a Leusemia: gracias por tanta buena música.

Descargar Leusemia 1985

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Soda Stereo - el disco

Soda Stereo
Cancion Animal - 1990
Argentina

A proposito de la venida de Soda Stereo a Lima es bueno mencionar un album que mucha gente desconoce, lo cual es bastante curioso para un pais en el que se vendieron 50000 entradas en 4 o 5 dias, Cancion Animal bien podria ser el disco mas representativo de Soda, aqui se encuentra guardada la mayoria de elementos que distinguian a esta banda y que la lanzaron a ser la mas famosa del rock latinoamericano. Esta persiana americana? no, esta signos? no, esta sobredosis de tv? no, esta zoom? no!

Disco de 1990, para mi gusto divide a la discografia en 2 partes, la primera ochentera mas comercial y digerible. Se encuentran influencias de ska, y wave. Esta es la etapa en donde estan las canciones que mas recuerdan los Peruanos porque las pasan hasta gastarlas completamente en las poco interesantes emisoras peruanas (persiana, profugos, signos, telek, nada personal, etc) lo cual con lo cual no quisiera mencionar que son malas producciones, en absoluto, son buenos discos en efecto pero era un Soda en crecimiento y maduracion, lo bueno vendria luego.

La saturacion de estas obras ochenteras ha hecho que no sea nada excitante ya escuchar tratame suavemente a estas alturas.

La segunda etapa se daria inicio con este disco, tambien podriamos pensar que este disco es el divisor y no pertenece a ninguna de las etapas, no importa. Aqui empieza la epoca noventera de Soda, hay nuevas influencias, nuevas inquietudes, por aqui aparece el musico Tweety González a colaborar con la banda hasta su separacion en el 97, ya Soda era una banda muy famosa en todo Sudamerica, habia hecho conciertos ante mucho publico en varios paises y bien podrian haberse separado aqui y haber dejado igual un gran recuerdo como quiza la banda mas multitudinaria del rock latinoameriano. Pero Gustavo Cerati y sus secuaces estaban con hambre de mas musica, querian componer mas o querian seguir estando en la cima, Cancion Animal los llevaria a la estratosfera musical y comercial.

En ese año no habia demasiado de donde influenciarse eso si, habia pasado la fiebre del rock en español, el wave no estaba en su mejor momento, era una epoca de transicion (por supuesto estaba por aparecer la decada noventera pero el siguiente año aun) entonces de donde salio toda esta maravilla? preguntenle a ellos...

Un par de buenos productores aqui, un viaje a Miami, Tweedy, un excelente teclado en bajo perfil, comprimir la bateria para que el buen Charly haga lo suyo, endurecer el buen bajo de Zeta, ecualizar mejor la siempre eficiente guitarra de Cerati y un puñado de buenas composiciones fueron la receta necesaria, hasta donde mis oidos llegan, para que este sea el album definitivo y al que siempre vuelve la banda en lo conciertos para tocarlo sin mayores variaciones (lo cual es tipico de la banda si ya se aburrieron de algun tema)

Me resulta curioso que el septimo dia tenga un toque parecido a Soundgarden (que apareceria un año despues), esta es una cancion grunge ? yo creo que si, Soda Stereo pioneros del grunge? porque no? ... tiene un toque complicado de bateria dificil de seguir a veces, espero que la toquen en vivo.

Un millon de años luz es magnifica, simplemente una de las mejores, gran arpegio de Cerati, buen teclado, buena composicion, excelente tema.

Cancion animal viene a darle titulo al album, arranque sorpresivo, tema sensual, bajo misterioso, voz oscura, letra erotica y animal, bateria elegante (esto ya no es novedad) y un final notable. No puede haber mejor cancion representativa para este disco que esta cancion.

Un descanso acustico con 1990, cancion rara, un tanto haciendo la diferencia en este album intenso.

... Y volvemos al grunge (claro un grunge no tan pesado como Soudgarden ni Nirvana) sueles dejarme solo, armada solo con un simple riff de Cerati los demas musicos se alinean y ya esta la cancion, asi de facil. Esto solo sucede cuando se esta inspirado, que envidia.

De musica ligera, mis palabras estan de mas en esta cancion.

Mejor hombre al agua, escuchen este inicio ... oh sii, en el ultimo concierto Cerati disfruto esa ejecucion, bateria elegante (Charly de m..) teclado suave y la linea de bajo mas lograda de Zeta hasta el momento, suena grandioso. Luego entra Cerati con su guitarra grunge otra vez y empieza la diversion total hasta que la cancion se acaba en el ultimo segundo, con una aparicion precisa del teclado de Tweety.
Entre canibales es otra cancion animal claro, mas para escucharla que para disfrutarla pero esta bien que este ahi.

La mejor balada de Soda es sin duda te para 3. Es solo inspiracion pura. Gran version en el unplugged, gran version en el ultimo concierto, espero ver a Cerati cantanto con su guitarra en el nacional en silencio esta composicion, seria para el recuerdo.

Bueno el disco casi acaba, pero falta el descanso positivo, la buena vibra, algo simple, un par de coros femeninos, algo de melodia para cerrar esta escucha con una señal de satisfaccion personal, cae el sol, perfecto.

Si vas a ir al concierto de Soda debes necesariamente conocer este disco, quedas advertido.

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Telegraph Avenue y los 70's

Telegraph Avenue es, probablemente, la mejor banda de rock que ha parido esta tierra. Como todos sabemos los integrantes de este fundamental grupo peruano sabían tocar varios instrumentos, lo que le dio versatilidad y un sonido inconfundible. Ellos aparecieron en los momentos en que la sicodelia era la influencia en el rock (aparte del progresivo). En mi opinión muy personal, considero que esta banda tiene tanta calidad como las mejores bandas angloparlantes de ese entonces (The Who, Deep Purple, Led Zeppelin, The Doors, Pink Floyd) y sin duda muy superiores a las bandas argentinas o mejicanas contemporáneas a Telegraph.

La gran ventaja, aparte del dominio de sus integrantes de una gran variedad de instrumentos, es el idioma. Los Telegraph cantaban en inglés y eso les permitió escucharse y diferenciarse de buena cantidad de grupos, ya que aquí desde hacía varios años, el rock se cantaba en castellano.
Bo Ichikawa (guitarra eléctrica, guitarra acústica, harmónica, xilofono, piano y voz -ese tío sí que es un capo-), Alex Nathanson (bajo, guitarra acústica, clavicordio, piano y voces -igual, otro capo-), Walo Carrillo (batería, percusión, maracas, pandereta y voces) y Chachi Lujan (guitarra acústica, bongos, congas, piano y voces -¿algún instrumento que no sepan tocar?-) aparecieron en el momento menos afortunado de la escena rockera del Perú: fines de los 60 e inicios de 70. Como refiere el maestro Gerardo Manuel, la movida rockera en el Perú tenía una pegada como en Argentina, con buena cantidad de grupos y una gran fanaticada. Sin embargo, una historia negrísima se empezaría a escribir con la aparición del Telégrafo.

Juan Velasco Alvarado, el dictador que inició el Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas, era un antiyanqui radical, creía que la influencia de los Estados Unidos se dejaba sentir mucho en este país. A partir de 1968, Velasco (citado como iniciador de la revolución bolivariana del dictadorzuelo caribeño Chávez, además de ser su inspiración) inició una especie de persecución contra todo lo que pudiera ser influencia yanqui. Obvio, en ese amplio espectro de cosas el rock sufriría sus años más terribles.

Primero, prohibió la importación de instrumentos que pudieran ser usados por grupos rockeros, es decir, una bateria, una guitarra eléctrica o un bajo no entraban al Perú a no ser por contrabando. Esto traía como consecuencia el encarecimiento de los instrumentos y al no poder tocar, los músicos se dedicaban a otra cosa. Segundo, dictaminó que buena parte de la programación de las radios nacionales sean de producción nacional y de géneros netamente peruanos. Está de más decir que los grandes beneficiados fueron géneros como la música criolla, época -los 70´s- que coincide justamente con el auge del criollismo.

A todo este tsunami de atrocidades contra el rock, empezó una severisima crisis económica, consecuencia de las políticas implantandas por el velasquismo que llevo a muchas casas musicales a abandonar el país. La producción se hizo casi inexistente, llegando a una carencia casi absoluta de discos editados en el Perú en 1974. Como siempre, la política que estos "mesías" disfrazados de dictadores llevo a un estado agonizante del rock en Perú. Como para eliminar todo vestigio de música "extranjera", todos recordamos el fallido concierto de Santana en el estadio de San Marcos. En ese momento Santana era la estrella del momento, atravesaba su gran época, iba ser la primera vez que un artista de relieve mundial pisaba un escenario peruano...todos sabemos como termino. Santana detenido -cierto que por esos años se pasaba de vueltas con frecuencia- y posteriormente expulsado del país tras una pantomina de protesta de estudiantes universitarios. Esa historia terminaría en 1995 cuando regreso al Perú e inicio su concierto diciendo: "valió la pena esperar".

Retomando a Telegraph Avenue, acá les traigo un compilatorio de lo mejor de su discografia, costo bastante encontrarla pero finalmente la ubique. Mas que decir que vale la pena diría vale el gusto.

Finalmente cuando piensen que no hubo grupos rescatables en los 70's pensemos un poco del por que ocurrió aquello y una vez que lo sepamos pongamonos el firme propósito que nunca vuelva a ocurrir.

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Alguien que Sobrevivió al paso del Tiempo (Demos Gracias al Señor)

Santana es sinónimo de Carlos Santana, verdadera leyenda viva del rock. Tal vez tuvo mucha suerte de no fallecer en esos años locos y desenfrenados de los setentas, recordemos que cuando el Club de los 27 se llevó a sus más ilustres hijos (Joplin, Morrison y Hendrix), Santana dijo que se estaba quedando solo.

Empezó bastante joven en la música, pero el cambio ocurrió a los 8 años: dejó el violín para adoptar la guitarra. Practicamente desde niño tuvo un talento excepcional para este instrumento con el que ha conseguido ser una leyenda viva del rock, inscribir su nombre en el Salón de la Fama del Rock & Roll y ubicarse como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Hoy Santana tiene el enorme mérito que poseen muy pocos artistas: es idolatrado por padres y también por hijos (quizá hasta por los nietos de los primeros). Es curioso encontrar que la admiración por él se transmita de generación en generación entre sus fans. Recuerdo la última vez que entré a una tienda de discos en un conocido centro comercial de la capital y ver que un niño con felicidad en los ojos le decía a su padre: "¡Papá, encontré el disco de Santana!". Me hizo pensar mucho cuánto ha influido este notable guitarrista en el mundo de habla hispana, a pesar que la gran mayoría de sus canciones no poseen letras, estribillos o coros con los que se las pueda recordar.

La imagen del niño y su padre me trajo de regreso al colegio. Era Julio de 1995 y Santana llegaba al Perú para ofrecer un concierto que se hizo esperar más de 20 años (Como recordarán, el mejicano fue expulsado del Perú por el gobierno revolucionario de Velasco, por razones que en otro momento comentaré. Sin duda, la época más triste del rock en el Perú). Muchos fans esperaban el concierto con entrada en mano y con la nostalgia de ver al ídolo que no pudieron ver cuando jóvenes (algunos incluso con la entrada que compraron cuando iba a tocar en San Marcos). Pero lo que esos muchachones de 40 o 50 años no imaginaban era que el fanatismo había traspasado el tiempo y que Santana era una especie de sobreviviente, un dinosaurio del rock para sus hijos adolescentes. La imagen la recuerdo claramente: escolares rogando y llorando a sus padres para ir al concierto juntos. Hasta se puede decir que Santana es culpable de unir a nuestras familias gracias a su música.

Los más jóvenes asocian a Santana con Maná y Rob Thomas, para el que fue su éxito de ventas más notorio: Supernatural. Pero como sabemos, Santana tuvo una épica, legendaria actuación en Woodstock (1969) con el que se hizo famosísimo. A estos años pertenece el disco con el que escribió su propia leyenda: Santana (1969), el primero de su discografía. El disco es una obra maestra, una clase magistral de rock y blues. El álbum empieza con Waiting y desde primer tema se puede sentir el feeling de la guitarra, las congas y la percusión. Luego viene Evil Ways en donde la guitarra fluye, los que han tocado las 6 cuerdas lo llaman swing. El disco desciende ligeramente con Shades of Time y Savor, para entrar con Jingo y no parar en el trance en que nos deja el disco hasta el final. Persuasion, Treat, You just don´t care confirman esto. El plato fuerte viene con esa demostración cabal de fusión que significa Soul Sacriface, un clásico en toda regla de Santana. Pero como adicional, acá les dejo el disco editado en 1999, en el vienen además 3 bonus tracks, con la performance de Santana en Woodstock. Los temas son Savor, Soul Sacriface y Fried Neckbones. Si alguna vez se han preguntado cual es el artista que suena mejor en vivo, pues Santana pelea bien arriba con Queen, INXS y Led Zeppelin.

Para terminar sólo le quedaría decir a Santana: gracias por tanta buena música (y por supuesto, por unir a nuestras familias en torno a su música).

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