23 diciembre, 2008

Miki GOnzález – Inka Beats apu sessions (Café Inkaterra)

 

cafe

 

Miki Gonzáles – Perú

Inka Beats apu sessions (Café Inkaterra) – 2006

 

Esta criatura tranquilamente puede ser la mejor expresión electrónica que se haya conseguido en este lado de la cordillera andina.

Y eso que le pudo haber quedado mejor...

Todo comienza cuando Miki quien siempre va buscando cosas nuevas (su discografía lo demuestra) decide montar cual jinete, su admirada cultura musical serrana y ceja-selvática sobre un potro que lo haga llegar más allá de lo que éste jinete peruano ya ha llegado hasta ahora. Por jinete me refiero al el Huayno, que como género padre de muchos sub-géneros es fácil la expresión musical más importante del país. Claro que está venido a menos últimamente, mucho lucro y poca imaginación es la bandera en estos tiempos.

El cuadrúpedo acústico elegido en esta oportunidad es el electrónico de matiz suave. Miki se tomó el riesgo con, el a veces soporifero estilo chill out que en malas manos puede ser realmente olvidable. Felizmente aqui la cosa le salió sencillamente redonda. Temas bastante sólidos, agradables, sutiles y sobre todo que logran impregnar el ambiente de los sonidos serranos, cosa que probablemente fué de saque la meta de Miki.

Los aportes vienen de todos lados: Cajamarca, Ayacucho, Cuzco, etc. Siempre tocados por instrumentos tan raros como reales. Ojo y oido: no hay samples aqui, ésto es Huayno electrónico si se quiere. Hay todo un trabajo de composición y arreglos que demuestran todo el potencial que siempre estuvo escondido detras de esas montañas, los que gustamos de esta música ya lo sabiamos, pero fué Miki quien lo trajo a tierra (y al llano limeño ciertamente)

Yendo a los datos, el disco original se llamó Café Inkaterra (2004), y ésta es una edición posterior llamada Inka Beats que contiene una canción más. Y sin duda esta más completa. Destacan prácticamente todas las canciones por igual: Danza del agua tiene el inicio mandolina/órgano que te dice rápidamente de que se trata el asunto, es una gran canción de entrada, muy sólida de cabo a rabo, la amalgama cultural justa. Premonición no llega a despegar demasiado pero anda bien. Munaq retoma las maravillosas mandolinas y con sólo 2 acordes logra uno de los mejores momentos del disco, aún recuerdo escucharla por primera vez bajo el cielo estrellado de Marcahuasi totalmente relajado, qué mejor escenario para disfrutar esta placa?

Nostalgia - loca juventud es la adicional y es una tranquila versión del clásico de los Reales de Cajamarca. Mi abuela, quien apenas escucha, lamentablemente ya no puede disfrutar de esta versión de su canción amada y tantas veces bailada. Aunque a decir verdad no estoy seguro que le guste, lo normal es que los adultos sean reacios al cambio, más aún cuando caiga en conflicto con nostalgias de juventud. Mi vieja ni la reconoció por más que le dije que la escuche bien...

Altiplano y Modesto Sikuri pasan bien y abren campo para la muy relajante divinidades andinas, de entrada larga que poco a poco se convierte en una maravillosa melodia altiplanica emotiva fácilmente identificable llamada Apuyaya, otro de los mejores momentos del disco sin duda.

Y se acaba el relax...

En fiesta de la abundancia la cosa es más agresiva, los sonidos electrónicos se ponen más rápidos y lo folclórico se hace más remoto. Más riesgo que resulta bueno. Luego el chill out termina por esfumarse y aparecen secuencias más agresivas y aceleradas (que recuerdan a The Prodigy) que resultan combinar casi a la perfección con los diametralmente opuestos saxofones y violines misteriosos del huaylas de sierra central profunda, se llama Lagrimas de madre y es la estrella del álbum.

Con ésa lo lograste Miki...

Entonces hay que decir que despues de muchos años de carrera musical inquieta y no siempre efectiva Miki González llega a materializar un disco perdurable y del que debe sentirse orgulloso de haber creado. Estoy seguro que es inspiración de muchos seguidores de ambas tendencias musicales y nos anima también a tratar de intentar cosas similares.  Posteado está el disco, sin embargo merecería estar físicamente en tu colección.

Descargar Inca Beats

Read more...

18 diciembre, 2008

RUSH - MOVING PICTURES


Más de una vez he escuchado que Canadá es una provincia de Estados Unidos. A veces parece que lo sea, tienen la misma ascendencia europea y hasta el mismo idioma. Son también herederos de una fuerte influencia del rock británico pero con su propio estilo. Esta vez toca un post de los canadienses más influyentes en cuanto a rock se refiere.

El Moving Pictures nació allá por 1981 y es producto de una larga y magistral secuencia de álbumes de Rush. Los discos A Farawell to King, Hemispheres y Permanent Waves son los predecesores a este disco de inicios de los 80´s en donde se deja notar la fuerte influencia del progresivo. Para el Moving Pictures se alejan ligeramente de esa influencia para ser un poco más ellos mismos y lo consiguen muy bien.

Geddy Lee (voz, teclado y bajo), Neil Peart (batería) y Alex Lifeson (guitarra) encontraron la consagración definitiva en esta placa. El disco fue en su momento record de ventas y multiplatino y sería el cierre de una etapa muy productiva para el grupo, ya que luego entrarían a la onda de la música electrónica durante buena parte de los ochentas. El sonido que identifica a Rush en esta etapa "clásica" se debe especialmente a la llegada de Peart como batería del grupo ya que es a partir de 1975 (año de su arrivo) que el grupo encuentra la cohesión de la que carecía. Es también que su sonido a pesar de ser prog-rock, se percibe claramente la influencia de bandas capitales como The Who (es más, la guitarra de Lifeson es como escuchar a Townshend, muy similares) y Led Zeppelin (escuchen la batería, cercana por pasajes a la de Bonham).

El Moving Pictures empieza con el famoso Tom Sawyer, citado por el grupo como su tema bandera. El tema en sí es bueno pero ni por asomo es el mejor del disco. Basta con escuchar el temazo que continua. Red Barchetta es simplemente perfecto, la voz de Lee (bastante andrógina por cierto, siempre pensé que la voz de Rush era una mujer. Él tambièn tiene una apariencia muy andro) es sublime y la guitarra del gran Lifeson fluye, se siente mucha fuerza en este tema inspirado en un auto -un Ferrari 166-.

A continuacòn viene YYZ, probablemente es tema instrumental más potente que uno pueda escuchar. Aquí Lee no canta, destaca obviamente la guitarra de Lifeson -como en todo el disco- pero Peart ...que pedazo de batero! Un dios con los palillos. No hay palabras para describir lo que uno siente con este tema. La cuarta pista es Limelight, el otro clásico de Rush. Más cerca del pop que del hard o del prog, este califica para entrar en rankings radiales pero curiosamente es el tema que canta a la disconformidad del éexito que ya tenía Rush. El quinto track es de lejos a mi entender el mejor tema de Rush y usualmente no está dentro de sus favoritos. The Camera Eye es un canto épico como los de antes. Son 10 minutos de delectación, una batería brutal, un guitarrreo único acompañados de bajos y teclados en el más alto nivel. Fantástica. Lo reprochable de este tema es que Rush no ha vuelto a tocar el tema desde hace 25 años. Las razones pueden ser varias pero una es sin duda la enorme dificultad que entraña ejecutar tan compleja canción. Recomendable para cualquiera y más si eres guitarrista o batero.

La última parte del disco lo componen los 2 temás oscuros. Witch Hunt y Vital Signs son canciones hechas para bajarle el ritmo al Moving... Especialmente Witch Hunt, donde se lucen los teclados pero muy poco Lifeson. Mucho mejor se oye Vital Signs, que tiene màs ritmo pero sigue un tanto la línea de Witch... no està mal para cerrar el disco.

Los Rush han quedado sorprendidos cuando llegaron de gira por Sudamérica hace ya algunos años y tal ha sido su experiencia que repitieron el plato este año. Ojalá y esté cerca el día que toquen en Perú. Les dejo el link de descarga.

Descargar Moving Pictures

Read more...

30 noviembre, 2008

Orbital – Orbital 2 (brown album)

 

orbital-2-brown-album-cover

Orbital – UK

Orbital 2 – 1993

 

Considerando que, no soy un gran escritor dado que no siempre logro exhortar a la escucha de un disco cuando es lo que me interesaría, antes de escribir el post normal y antes de que te aburras de él sentenciaré al estilo de Zimmerman que:

Si te gusta la música electrónica (rave, Dj session, beats, Creamfields, etc) éste disco es absolutamente necesario de escuchar, y si no te gusta al final de hacerlo, tu gusto quedará en duda.

Estoy por inducir a una amiga a que escuche algo de ésta electrónica, he pensado prestarle una copia de Orbital 2, estará bien eso, espero le guste. Ella dice que no le va mucho este estilo pero no es algo definitivo, cuestión de prestarle un oído pues esta placa es efectiva.

Si pensamos en la música electrónica de este tipo: extensa, con un tema tras otro, con las mismas secuencias rítmicas de base durante la mayor parte de la sesión, lo mismo que produce que el oído no acostumbrado (me incluyo) piense que es monótono y que no hay demasiada variedad, es posible que nos desanimemos de este disco antes de escucharlo. Sin embargo Orbital 2 tiene una contundencia muy clara desde el saque. Sin sonidos de más para llenar sólo por llenar, ni carencia de sonidos para aburrir. Un sonido justo que al final termina de ser elegante durante todo el tiempo que dura ésta obra, lo que queda traducido en beats poderosos y ritmos excepcionales.

La estructura son 8 temas mas un intro y “outro” verbalizados, que si bien parecen algo tontos la primera vez que los escuchas, terminan de alguna manera gustándote, se convierten como la apertura y cierre de fiesta (time becomes, input output). Pero vamos a la fiesta, una planet of the shapes que calienta cuerpo y prepara mente para la parte principal del disco, un set de 4 temas poderosos, 28 minutos de secuencias bien pensadas y calculadas por los 2 hermanos Hartnoll en una época (1993) en que aún esto se podía considerar “lo nuevo”. Son Lush3-1, lush3-2, impact y remind las que forman un cuarteto valioso que hasta hoy resulta uno de los mejores momentos que la electrónica ha dado y que nos enseña como se debe desarrollar este estilo para que realmente haga desear mover el cuerpo.

 

                   Orbital – remind – Glastonbury 1994 (ya quisiera haber estado ahí!)

 

Walk now y Monday tampoco se quedan atrás pero después del portentoso ataque anterior quedan ya algo eclipsadas, sin embargo son 2 piezas que ya quisieran muchos Djs construir. Al fin siempre quedan como un descanso y preparativo para la ultima entrega Halcyon + On + On donde los sonidos se tornan algo más dulces y sublimes cortesía de esos gráciles coros femeninos sampleados hábilmente que la convierten también en uno de los referente del disco.

Lo siguiente sonará manido pero que importa: orbital 2 es un disco sólido, maduro y esencial que no puede faltar en la colección de nadie cualquier seguidor de este estilo musical.

Input/output translation -Input/output translation - Input/output translation – … dicen al final, en el outro y los que no se inmutaron por las canciones anteriores aquí suelen decir “¿que es eso?”. Me encanta cuando sucede.

Descargar Orbital 2

Read more...

22 noviembre, 2008

El disco de vinilo y el siglo 21

 

Piensas que escuchar Vinilos es sólo fetichismo?

Tengo 28 y estoy volviendo al vinilo pues, desde la fecha en que este formato fuera desapareciendo en su producción, y en que los nobles discos oscuros fueran a parar de los estantes de sala a los fondos de las cajas de carton, o para ser usados por los retacos de la casa como discos voladores corta-cabezas (esto ya un tono más macabro en realidad) desde esa época después de haber escuchado durante muchos años unos 600 álbumes en formato CD, y algunos más en MP3 ciertamente estoy cansado del sonido artificial de la era digital, sonido que es limpio, pero no es real. Y que a veces cansa.

Hay 2 hechos puntuales que hacen que sonoramente el vinilo esté por encima del sonido digital (CD, DVD o MP3):

  • El vinilo contiene una onda más real, (asumiendo que el disco está limpio y que la aguja es de una calidad aceptable, abstenerse tornamesas del pato Donald o similares). El sonido digital en cualquer formato que quieras (con o sin pérdidas) proviene siempre de la conversión análoga-digital PCM en donde a grandes rasgos la onda real se aproxima a una serie de bits que luego serán reconvertidos en unanueva onda análoga parecida a la inicial, el problema es que si bien la frecuencia de muestreo (teorema de Nyquist) de la onda inicial asegura que la onda saliente es exactamente igual a la analógica, el valor de la onda no es real sino aproximada (en 16 bits, 24 bits, etc), de hecho la conversión PCM tiene un parámetro llamado ruido de cuantificación que te grita en la misma cara que la onda producida por digitalización NO ES LA MISMA que la onda original. Muchos dicen que esto esta bien, el error es aceptable pues el oído no es suceptible al error de cuantificación, yo pienso que si se nota. Por dar ejemplo: un buen vinilo de rock clásico en donde las tarolas y platillos vibren las lunas de las ventanas, y el bajo vaya como comba directo al centro del pecho es algo que la era digital no ha logrado darme hasta ahora. Importa? si nunca lo has escuchado en esa magnitud probablemente no. Y entonces te estás perdiendo de una parte importante de la música. Una lástima.
  • Rango dinámico, aunque este tiene más que ver con las masterizaciónes antiguas, que con el vinilo en sí, hay que mencionarlo. En los noventas y coincidiendo con la desaparición del vinilo, apareció la nefasta guerra por el volumen, básicamente significa que en una masterización los diversos sonidos e instrumentos de la mezcla final deben sonar a un nivel promedio todos -léase altos- Prohibidas entonces las explosiones violentas y sorpresivas, prohibidas las partes de volumen tenue, prohibidas los medios ligeros, todo debe sonar como para que “no moleste”. Has puesto un disco pop actual en el que al escucharlo dices “manya suena bien” o “que nítido está” o “suena fuerte esto”? pues eso mismo es lo que se ha conseguido, una falsificación del sonido en pro de el volumen, probablemente de haber existido el vinilo hasta ésta epoca habriamos tenido este suceso igual, pero no ha sido asi y el viejo vinilo (y primeras ediciones de CDs) conserva la masterización seca y sorpresiva que solia electrizar el aire un par de décadas atrás.

 

IMG_2567

                    Pastilla Audio Technica de tornamesa Technics (calidad media)


Y los puntos de discusión de siempre:

El vinilo es grande y pesado? no es problema si está en tu colección de casa, y no piensas transportarlo demasiado, además las caratulas y libro del LP se ven muy bien.

El vinilo tiene ruido? no demasiado con una limpieza básica y sobretododo una aguja en buen estado, cuando es algo que aprecias al menos un poco no resulta ningun problema.

Suenan igual? sólo consigue un vinilo de Chemical Brothers (Exit planet dust version 2 vinilos para más amplitud de surco estaría bien), o Supertramp (Breakfast in America en cuaquier edición clásica) en una buena tornamesa más un ampli aceptable (no tiene necesariamente que ser de tubos) y deja que tu oido compare.

Es caro comparado con el MP3? pues esto sí, definitivamente, pero combinemos la tecnología, puedes escuchar MP3 en primera instancia y de engancharte con el álbum en cuestión, podrías pensar comprar el vinilo en la tienda virtual Amazon, normalmente cuesta entre 13 y 18 dólares. Un poco más que el CD pero vamos que la presentación es mucho más bonita y el sonido, pues ya dije antes. Y para armarte el tocadiscos te basta una tornamesa apropiada más un previo para conectarlo a tu amplificador moderno que probablemente no tiene entrada phono (piensa en unos 400 dólares todo eso nuevo y la mitad si es de segunda).

 

Fetiche? para ser sincero hay algo de eso también pero…

Imagina que en algún día (si la tierra no se va al carajo primero) podamos teletransportarnos y dejar los autos, no extrañarás el cariño que le tenías? tú sabes, te encargabas de él, lo arreglabas, lo “enchulabas” y lo limpiabas. Muchas veces no sólo se trataba era ir de aqui para allá, era también el asunto del auto en sí, era parte del ritual del transporte. Pues algo así es un buen Tornamesa girando a un disco de vinilo comparado con el vacuo MP3. El mp3 es trasportable, ligero, rápido,  útil, y de calidad aceptable, pero el feeeling y la fidelidad que se encontraban bien marcados fisicamente en los surcos del vinilo simplemente se ha perdido, al menos hasta ahora.

Pero no por mucho tiempo…

 

IMG_2539 Imponente presencia de 2 vinilos, uno antiguo y otro moderno frente a un ya poco usado CD

Read more...

16 noviembre, 2008

LHF 2008

El LHF ya pasó y me dejó 2 pensamientos para compartir

  • Que notable lo de Travis.
  • que insólitamente malo el sonido. Auque al final no importara demasiado.

                                                         Travis - Closer

Read more...

14 noviembre, 2008

Animal Collective en Lima - animales!!

No tengo mucho tiempo, es tarde y mañana hay que ir al trabajo y ya saben... acabo de venir de ver el concierto de Animal Collective en el local de la Fundación Telefónica (se agradece) con la buena compañia de La Ñoqui, y debo decir que es lo mejor que he escuchado en vivo hasta ahora. No hay nada que hacer, estos tios son los putosamos del momento, y los ví, tranquilito y cerquita.


El saado continuo este post.

Gracias mierda!

*********************************************************************************
Actualización (más calmada) 16/11:

Fue una presentación impecable por parte de los chicos de Baltimore, aunque la gente no se vió demasiado conectada. Es posible que muchos de los asistentes, los primeros 600 que llegaron, hayan ido a escucharlos por primera vez, y a Animal Collective el escucharlos por primera vez dificilmente significa amor a primera escucha. De hecho tampoco es una banda para amar, creo que es una banda para pasar un buen rato sumergido, si se propone, dentro de toda su maraña de percusiones raras y burbujeantes ruidillos electrónicos siempre modulados con una sucesión fácil de reconocer de notas y acordes. Lo que si es destacable es la diversidad sonora y la impecable sincronización de estos 3 tipos (faltó uno). Mientras tratas de entender como carajo va la onda de tal canción en un momento dado, ellos ya estan entrando a una nueva secuencia rítmica, claro me estoy refiriendo a las cosas más nebulosas de su repertorio, hay también cosas mas estándares dentro de la rítmica musical , cosas como Peacebone que la tocó al último, despues del tibio encore que se vivió en el anfiteatro. Con esa canción las cosas debieron converger un poco más para quienes no los conocian, lastimosamente con esa se despedían.

Para ir por orden, la tronada enpezó con la presentación del duo nacional electro-experimental Shaolines del Amor a las 8:20 aproximadamente, fue gracioso como dentro de su propuesta que bien podria pasar como las bases sonoras del sonido Animal Collective, mucha gente mostró su suave rechazo, me pregunto que tanto les agradará la obra musical de los chicos de Baltimore, quizá esos asientos debieron ser llenados por algunas otras personas que se quedaron fuera, que hubieran querido llegar a escucharlos... en fin. Me pareció muy precisa su presentación, desconocía completamente su obra, una obra absolutamente conceptual, compuesta de sonidos, tras sonidos, dándole fondo sonoro a una proyección de cortos animados la mayoria de ellos stop-motion. Abstracción total del mundo, saludable ingrediente para mentes que busquen aperturas sonoras dentro del abanico no muy enriquecido de creatividad que se ofrece en la última expresión sonora limeña. Estuvo bien.

                          shaolin
                                Extrañas proyecciones de los Shaolines del amor

Los AC se aparecen luego, 3 de 4, nueve en punto de la noche y empiezan lo suyo, aplausos iniciales, y para presentar su futuro octavo disco Merriweather Post Pavilion sueltan In the flowers que sonó bastante bien, yo la escuché tranquilamente sentado en mi butaca, y pensaba seguir haciéndolo hasta el fin del concierto pero, para la siguiente canción song for ariel de Panda Bear , Avey el vocalista principal espetó al inicio de la misma un grito que decia aparentemente "stand up!", considerando que él suele hacer éste tipo de bramidos, no estoy seguro si pidió que la audiencia se pusiera de pie realmente o no, pero asi sucedió, y por error o no todos nos lanzamos hacia adelante dejando las butacas semi-vacias. Me gustó ese tema, no aparece en ningun disco de Panda Bear pero al parecer simplemente lo vienen tocando en vivo y punto.

Después de la también nueva summertime clothes y Who could win a rabbit (sung tongs), se vino otra vez una muestra del talento de Noah Lennox interpretando asombrosamente dayly routine, que tampoco aparece en ningun disco de PB. Las cuerdas vocales del tío se entregan completamente a la audiencia, y le da un toque de misticismo al auditorio y yo solo vuelvo a decir "grande Noah".

                                                           Dayly Routine

    

#1 del disco Strawberry Jam también mantiene esa onda sosegada, donde empezé a ver cierta desconexión de alguna gente de la que hablé inicialmente, pero bueno. En Confy in nautica del disco Person Pitch debo decir que Panda Bear si se cayó un poco, me da la impresión que no logra llegar a las notas con las que la canta en el disco, la versión en vivo en realidad no llega a estar a la altura de la del disco, tampoco el final es muy bueno. Más adelante vendría la que más me gustó fireworks, en una versión extendida de casi 10 minutos la cosa se puso realmente seria, ya Noah tocaba algo de percusiones físicas y Avey hacia el bonito falsete en los coros, con Geologist siempre dándole a su sinte con esos ademanes que siempre lo muestran muy enchufado. Paja.

Brother Sport de su nuevo disco también me gustó mucho, aqui el ritmo es el deshueve total, una especie de cumbión yanqui (en serio) con harto coro intercalado Avey-Noah llevan el asunto nuevamente por más nuevos senderos. Y la gente estaba contenta, era un buen concierto y era ciertamente un lujo poder apreciar el trabajo de estos 3 geniecillos de la música de esta década.

Hacen el encore respectivo, no hay ole oles pero se sabe que la gente quiere que retornen, y AC lo hace, se piden temas del álbum Feels, de Strawberry, pero nada de eso, continua la relajante Chocolat girl de su disco debut y finaliza con su aparentemente más conocida canción Peacebone, y yo me sentia como en Coachella, mientras un par de chicas al lado sólo interactuaban con su celular (...)
 
                                      Arriba: Geologist y Avey, Abajo: Noah
 
                        geologist
                        panda

Le dije a Amapola "realmente quisiera que tocaran más" en verdad no me cansaban, ya sabes, un segundo encore no es siempre necesario, pero aqui sí lo hubiera agradecido, parecia que los muchachos volvían pues se abrió nuevamente la puerta, pero se volvió a cerrar y finalmente se fueron. Al dia siguiente hubo una conferencia de prensa con Avey y Geologist pero no pude ir, aunque realmente quize aparecerme. Ni modo, gracias por tocar en Lima, y esperamos verlos de vuelta pronto.

Nota: visiten la exposición Audio-visual "Emergentes" que esta presentando libremente la Fundación, son muestras de varios artistas latinoamericanos que te pueden sacar un rato del bullicio Limeño para meterte en otro bullicio sensorial, aún estará hasta el 21 de diciembre.

Setlist

In the flowers (Merriweather Post Pavilion)
song for ariel (single)
summertime clothes (Merriweather Post Pavilion)
Who could win a rabbit (sung tongs)
dayly routine (single)
#1 (strawberry jam)
Comfy In Nautica (person pitch)
Lion In a Coma (Merriweather Post Pavilion)
Fireworks (strawberry jam)
Brother Sport (Merriweather Post Pavilion)

chocolat girl (Spirit They're Gone, Spirit They've Vanished)
Peacebone (strawberry jam)

Read more...

07 noviembre, 2008

The Jesus and Mary chain – Lima noviembre 08

 

Bueno, sí recuerdo cuando aquí deseaba que algún dia las inclementes  distorsiones de la guitarra del inalterable William Reid llenaran el espacio de un pedacito de Lima, pero no esperé que me dejaran tan sordo realmente, ahora casi 24 horas después de que el último feedback de los JAMC ametrallara mi tímpano derecho, aún no se me quita el zumbido, en parte porque felizmente estuve bastante cerca de los parlantes, más cerca de lo que teóricamente constituye una zona “general”, para ser claro, a unos 15 metros, lo cual sería tranquilamente la parte delantera de un vip en un concierto de estadio. Gracias Scencia, me has agradado ayer. El sonido del recinto también andó bien, dió justo lo que necesitabamos, un sonido compacto en todas sus frecuencias para reproducir con la fiereza necesaria ese sonido tan básico que los JAMC tienen ya patentado a estas alturas. Además, la relativa pequeñez del local obligaba a los fanáticos (que hasta donde ví llegaron a llenar el local) a reunirse en un grupo compacto de rockeros, la mayoría de ellos comprometidos con la causa, cosa que en muuuchos espectáculos se suele disipar, de manera que se formó un grupo homogéneo que le dió frente a la banda, un grupo que se alimentaba y mezclaba constantemente con la distorsion que pasó a llenar hasta casi poder tocarse el aire de este joven y prometedor escenario.

El asunto sin embargo con los JAMC es que por tener esa actitud seria, que no conversa absolutamente nada con la audiencia, limitándose a desplegar su relativamente extenso catálogo musical, por tener esa actitud, sus conciertos se pueden caer animicamente por momentos. No tenemos problema en ello, basta con que pongan un tema de esos que realmente nos gustan,  para encender nuevamente las emociones generalizadas. Por supuesto tampoco no esperamos que se pongan a dar monólogos graciosos o nutridos en el escenario, ellos no son así y hasta diria que me siento identificado con esa actitud, pero quizá deban ser bondades necesarias que se deban ofrecer en vivo por un artista en general.

Y digo esto porque después del sorprendente recibimiento de la audiencia a la banda, despues de las primeras canciones snakedriver y sobre todo head on, en donde el desborde general era notorio, con ese arranque parecia que ahi ibamos a llegar todos a la gloria, en particular esperaba que tocaran  varias canciones de los viejos Psychocandy o Darklands, sus 2 discos más famosos, lo cual sucedería pero luego. Luego de una seguidilla de canciones que en parte disiparon la energía inicial cosa que entiendo un poco, pues no es que los discos Automatic, Munki o Honey’s dead no nos gusten, gustan, pero seamos sinceros, los JAMC son los JAMC por los 2 discos mencionados, y yo que me la pasé esperando hardest walk me sentí ligeramente bajoneado.

De manera que llegados algunos temas esperados como craking up (munki), some candy talking, just like honey y sobre todo taste on que es un recontra temazo todos del Psychocandy, además de happy when it rains (Darklands) la energía no era la misma, digamos si ponian una seguidilla asi despues del increible comienzo, podia morirme ahi mismo contento. Creo que el setlist pudo ser mejor o en otro orden, pero bueno ya está.

Despues de la demasiado mencionada just like honey que dió término a la primera parte del concierto y luego de un retorno ya clásico dentro de los conciertos limeños, con el olé olé respectivo donde realmente dudé que volvieran a escena, pues volvieron, y lo hicieron para terminar con 2 canciones grandes nine million days (Darklands)  y la magnifica reverence (Honey’s dead), puta que paja esa cancion me decía a cada rato. Dije que Jim no hablaba nada? bueno si dijo “this is our last song”  y los impertérritos hermanos Reid con su también impertérrita pero eficáz banda se despidieron sobre la madrugada limeña, pues le concierto empezó con 2 horas de retraso, aproximadamente a las 24 horas, lo cual fué el punto negativo del concierto.

Me quité semisordo, y parcialmente contento, no sin antes comprarme el nuevo disco de Catervas que abrió muy chevere el concierto, lo compré porque Transmisor esta de puta madre. Lo de Resplandor también tiene sus cosas, pero si bien es cierto su elemento shoegaze respalda la idea del canto a dúo chico-chica y con baja intensidad, creo que vocalmente pueden mejorar. Mientras que su muralla sonora compuesta hasta por 3 guitarras (una de ellas tocada por Robin Guthrie, ex guitarrista los Cocteau Twins) y set de violines fué una de las causantes de que ahora mismo me vea obligado a guardar reposo musical siendo viernes por la noche.

setlist

1. snakedriver
2. head on
3. Far Gone and Out
4. Between Planets
5. blues from a gun
6. teenage lust
7. sidewalking
8. craking up
9. all things
10.some candy talking
11.happy when it rains
12.taste of cindy
13.halfway to crazy
14.kennedy song ¿?
15.just like honey

16. 9 million rainy days
17. Reverence

 

video de http://lahabitaciondehenryspencer.com/

Read more...

02 noviembre, 2008

The orb - Adventures beyond the ultraworld

5d3f83d28fa0f22d70b93110.L 

The Orb – UK

Adventures beyond the ultraworld - 1991

 

Que se puede esperar de un trabajo que inicia con el cantar de un gallo, que samplea arbitrariamente “loving you”  y que tiene un incluido un titulo como “A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules from the Centre of the Ultraworld”? 

O es una fanfarria, o hay algo bueno ahi.

The Orb consiguió lo segundo con este album doble. Si hay un disco que merezca el apelativo de viaje, es éste.

El mérito sería saber escoger la droga apropiada que te lleve bien lejitos por un buen rato, tomar apuntes, y volver a tierra con ideas en mente para concretarlas en un disco. Un disco aparentemente sencillo ahora, 17 años transcurridos, pero no tanto para aquella época embrionaria en términos de house y el chill out.

Por supuesto que The Orb parecen haber recogido muchas influencias claras como (para variar) Kraftwerk, Brian Eno y Tangerine dream, sin embargo estos referentes eran digamos… ordenados en su obra. The Orb los recopila y los junta pero nunca termina de armar el asunto entre ellos, básicamente “los deja ahi” como hayan caido, no hay mayor orden, no hay mayor estructura, no hay intención, es sólo un viaje extraterrestre solitario, largo y adictivo.

Los samples vocales estan puestos “ahi”, en cualquier lugar, en cualquier idioma, diciendo cualquier cosa, no importa. El protagonista aquí es la soledad, las voces comunican silencio más que letras. Animales, gotas, notas, robots, etc, continuan la idea adornando el paisaje que atraviesas mientras te encuentras en esta especie de nave. Pero para que todo este material  espacial no quede huérfano, completamente colgado, efectivas secuencias ritmicas y poderosos bajos sirven de columna para que algunas pistas adquieran su forma final. De hecho estas secuencias resultan ser realmente notables en muchos parajes: (earth orbit two) "Earth (Gaia)"  , Supernova at the End of the Universe", (ultraworld probe six) "Perpetual Dawn" son buenos ejemplos del buen momento creativo de este colectivo electroácido de Inglaterra, que con esta propuesta llegaría a alcanzar el número 29 en las listas de UK. (reflexiono que en el año 91 sí que hubo buena música, donde demonios estuve?) .

La cosa se pone algo floja en (ultraworld probe seven) "Into the Fourth Dimension"  y en “(ultraworld probe eight) "Outlands" pero la escencia de la obra se muestra completamente en las 2 finales: (ultraworld nine) "Star 6 & 7 8 9" y sobre todo en (ultraworld ten) "A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules from the Centre of the Ultraworld. La primera minimalista y pacífica, casi easy-listening, unida a la segunda, preocupantemente abstrayente y absorbente con esa secuencia sempiterna de sintetizador viejo sencillamente irremplazable.  En donde los samples y ruidos llegan a extremos extraños y geniales. La tierna “loving you” casi se queda sonando ella sola en un momento y todo se pone de color primavera, pero rápidamente el resto de sonidos fantasmales la abrazan y la vuelven a ocultar, prosiguiendo la travesía hacia parajes que casi se pueden observar, parajes claramente retros, estilo pelicula futurista de albores de los setenta. Unos Tangerine Dream reciclados son The Orb aquí.

Escuchar este disco es fácil y dificil al mismo tiempo, el que te guste o no es incierto, siendo extraño y extenso dependerá del momento, de la luz, del sonido, de tu grado de depresión, de tu grado de alegria, confort, relax, de tus gustos por las películas de ciencia ficcion clásicas, por los sintes, etc etc. Lo que si puedo asegurar es que lo que está a continuación es el ticket de viaje espacial más barato que encontrarás alguna vez.

 

Earth

 

Descargar Adventures beyond the ultraworld

Read more...

19 octubre, 2008

FUNDAMENTAL - BORINQUEN LO HACE



Algunos cortes de este disco los escuché hace años, me parece increíble que las radios hayan podido pasar este disco demasiado "heavy" para un oyente de radio. Lo que me pregunté en aquel momento es que dónde podía quedar el lugar que dio origen a esta fusión y más extrañado quedé cuando supe que eran de la tierra de Ricky Martin.

Y eso dónde es? Pues en San Juan... de Puerto Rico. Sí, la tierra que ha visto nacer a innumerables salseros, a Menudo, a tantos y tantos reggaetoneros (esta última creación, está demás decir que mejor no los hubieran creado) es también culpable de regalarnos este disco lleno de fusión por donde se le escuche. Así como ustedes, pensé que se debía estar equivocando el dj pero averiguando era cierto. Así como ustedes, de Puerto Rico sólo sabía que era la tierra de las mujeres más bellas del mundo (que junto a las venezolanas se disputan el cetro en este rubro) y no mucho más. Pero de ahí a que en la isla se hiciera rock del bueno...

Harold Hopkins (percusión), Ramón Ortiz (guitarra), Eduardo Panigua (batería) y Sergio Curbelo (voz y percusión) son los responsables del esta placa alucinante. Claro, no podemos dejar de mencionar en el éxito de este discazo la producción a cargo del gurú, el rey midas del rock en castellano: Gustavo Santaolalla. En su trabajo, los Puya logran algo que el común de las personas le debe oír a casi imposible: fusionar la salsa y el rock pesado (decir que en el disco existe sólo rap-metal, de moda a fines de los 90´s, es errado. Se puede escuchar desde hardcore hasta trash). Sí así como lo escuchan. Al inicio parece un poco extraño pero a medida que se desarrolla el disco la fusión aparece tal cual.

El inicio del disco es como una metralla, posee un cocktail que cualquiera envidia: Fundamental, Fake y Oasis. Ya en estos temas se siente la fusión pero aún es "muy light" de los ritmos afro-latino-caribeño-antillanos (gracias Saravá), en especial con las trompetas y los instrumentos de viento (saxo y trombones) que son inconfundible parte de los ritmos bailados en Puerto Rico. En Montate es más claro aún pero vaya que uno se queda pegado al disco, es una fusión sincera que les nace de las entrañas (escuchen una voz de fondo muy parecida a la de Celia Cruz, préstenle oído). Whatever es otro ejemplo, aquí están mucho más cerca de Puerto Rico que de Seattle, la verdad es un cover (por favor, salseros ayúdenme con el tema, no sé a quien le pertenece). No será el mejor tema para un headbanger pero ahí está en línea con el resto del disco.

Retro parace (sólo parece) la balada del disco. Al menos empieza así pero de un momento a otro es como escuchar a Slipknot, un notable tema como el ying-yang, un inicio suave y luego una potencia atronadora, van a preferir recordar este tema. Keep it Simple es un rap lento -este sí- muy latino, con partes en anglo pero muy buena, tal vez el único tema donde no hay tantas revolusiones. Sal pa´Fuera y Rémora son dos buenos temas, especialmente para los nostálgicos del rap metal pero aquí no cabe duda que el nivel del disco desciende. Rémora es un gran tema pero que a mi entender no debió el lugar que tiene en el disco por luego sigue Trinidad que no es lo mejor del disco.

Solo es algo más funky pero que se percibe una influciencia de Rubén Blades, un tema con mucho tema social, un cuento con su respectiva moraleja. En este tema hay espacio solo para Puerto Rico y finalmente No inventes, digno tema para cerrar un disco que bien considerarse dentro de lo mejor creado por una banda latina (el tema suena un poco a Korn pero mejor suena cuando tratan de ser Puya).

Un disco 100% recomendado, un trabajo que no hace más que reafirmar que el rock (y el arte en general) no conoce de nacionalidades, colores, credos o prejuicios. Estos portorriqueños son lo mejor que dado la tierra del Cantante de los Cantantes. Les dejo el link de descarga.

Read more...

13 octubre, 2008

LA NACIÓN SOÑADA



Sonic Youth se dio a conocer allá por mediados de los ochentas. En un primer alcance del grupo pareciera netamente un dúo pero detrás de sus líderes-esposos se encuentra una agrupación innovadora que se valió de su ingenio para destacar.

Varias veces me he preguntado porqué un movimiento como el grunge tuvo que esperar exactamente hasta 1990 para entrar con fuerza y pulverizar a toda esa música esperpéntica de moda de fines de los 80´s (glam-metal). Este disco es un prueba de eso. Lanzado en 1988, Daydream Nation es un disco entre grunge y alternativo (pero convertido en referencia para el indie) que sabiendo la calidad que tiene, no se convirtió en un ícono del rock de inmediato. Al contrario, se demoró sus años para ser relanzado (hasta 1993).

Kim Gordon (bajo), Lee Ranaldo (guitarra), Thurston Moore (voz y guitarra), Steve Shelle (batería) son a quienes le debemos la creación de esta placa llena de white noise, como en un primer momento se le catalogó a Daydream Nation. Lo único que se le puede reclamar es que es bastante extenso, más de una hora, superando el promedio de 45 minutos que suele tener un disco. Por lo demás el disco cuenta con gran registro de guitarras acompañadas de los platillos de la batería que hace muy fácil asociar el disco con el estilo de Sonic Youth.

El porqué se asocia a este como clásico del rock pues se debe a temas que se convirtieron en bandera de una generación. Para empezar Teenage Riot, primer corte y mejor del disco, es un temazo. Es rarísimo escuchar una canción así en 1988 cuando parece muy lejano la aparición del grunge o del alternativo, cuando las radios estaban llenas de los primigenios Bon Jovi, Guns n´Roses, Deff Leppard y demás especímenes similares. En idéntico estilo se mantiene Silver Rocket, luego le siguen The Sprawl y Cross the Breeze, donde las guitarras suenan de lo mejor, ni que decir decir la voz de Kim. Aquí el sonido es típico del white noise, los platillos juegan un papel importante. Los riffs de Cross the Breeze son alucinantes parecen sacados de alguna influencia punk. Luego se escucha el clásico Eric´s Trip, sobran las palabras.

Total Trash es la canción que uno pondría en el carro luego de salir del trabajo, empieza con arreglos muy cuidados pero luego entra en una onda como de distorsión de guitarras y dándole más protagonismo a la batería y al sintetizador y retomar al final con la voz de Thurston. El nivel del disco desciende con Hey Joni y Providence, en especial con este último que es un tema con efectos de sonidos indescifrable. Con Candle el disco vuelve por sus fueros, un gran tema. Rain King le empieza a dar un cierre oscuro al disco, aquí los arreglos y el sonido son sacados a punta de trabajo del guitarrista. Kissability le da fin al disco en la voz de Kim, buen tema. Cuando fue relanzado (versión que cuelgo), la placa incluyó Trilogy (hecho en 3 partes: The Wonder, Hyperstation y Eliminator Jr.) préstenle oído porque se trata de excelentes canciones todas a mi entender que extendieron la duración del disco para beneplácito de los fans.

Si te consideras admirador de la música ochentera pues este disco es imposible que en la discoteca personal. Se adelanta a todo el movimiento que apareció a inicios de los 90´s, sin duda precursor en muchos aspectos este disco. Les dejo el link de descarga.

Descargar Daydream Nation

Read more...

22 septiembre, 2008

Iggy and the stooges - Raw Power


Iggy and the stooges - USA
Raw Power - 1973

Todo bien con la música actual, paja Panda Bear, potente LCD soundystem, bien Ratatat, no hay problema hasta ahi; Pero me pongo a pensar en la emoción que se vivió en otras épocas, los Beatles en USA, Hendrix en Woodstock, The Who en vivo,  Morrison haciendo el baile indio e Iggy pop lanzandose por primera vez sobre una fanaticada sorprendida para hacer el actualmente ya gastado pero no menos emocionante "stage diving".  Pensando en ello me  digo "y donde esta toda esa energía?" osea, los White stripes y los Zutons han hecho cosas por ahi, pero en escenario ya no hay esas performances que sorprendían antes, esos actos no muy programados de rebeldía y desafío. Hoy ya no parece ofrecerse en vivo la oferta de emoción y adrenalina que se podía dar antes, siempre en adición a la buena música claro está. Hoy no hay eso, el rockandroll no ha muerto pero esta algo aburrido en el escenario últimamente.

Pensaba en esto cuando ví a los Stooges reunidos después de como 35 años, con Ron Asheton en guitarra todo panzón. uno pensaría que fueran a dar un espectáculo patético, tipos viejos que se la quieren de dar de jóvenes otra vez, encima mucho punk y muchas locuras ya se han visto en el escenario y ya no hay muchos ases que puedan sacarse de la manga para sorprendernos. Sin embargo y para mi alegría sucede algo contrario. Observas a Iggy Pop dando lo que daba antes, haciendo movimientos apurados, ansiosos, como animal que quiere follar,  todo en frente de un público algo diferente, ahora son los hijos de aquellas audiencias sorprendidas de comienzos de los años 70, pero igual su extraña carisma, esa personalidad imposible de pasar desapercibida sigue confiriendo emoción al oyente/espectador. nada ha cambiado, están de vuelta, que bestia, pienso que si Rocco ha nacido para follar, este tío ha nacido para hacer rock en vivo. Nadie como él. Los Stooges son adrenalina pura en su música como tal, pero con Iggy todo se termina por romper ahi arriba. Todo es locura, todo es rock. 

Raw Power es un discazo, como toda obra Stooge fue concebido tan demente y quizá enajenado, que cuando fue remasterizado en el 97, Iggy mandó a hacerlo con todos los canales de consola en rojo, vale decir saturando canales. Así debia hacer, debia ser el disco más ruidoso con menos intrumentos posibles. Recuerdo retornando el día siguiente a la tienda donde lo compré a devolverlo por "estar mal grabado" . Menos mal el vendedor conocía bien este disco y me explicó el rollo de la grabación. Después de cierta gracia que me hiciera tal historia me iría a casa con el mismo disco bullero y admirando aún más a Pop.

Históricamente es disco básico para la concepción venidera del punk, admirado por muchos músicos entre ellos Cobain y Marr. Raw power es un trabajo violento, divertido y sexual. Sonidos fragorosos, sucios y letras procaces. Tipos que bien podrían haber pasado a ser personas perfectamente nefastas en su época, llevando vidas airadas y con drogas hasta la frente; mas asociados a la sordidez que a la música pero extrañamente graciosos al mismo tiempo. Sino como explicar titulos como Search and destroy en el año 73? como explicar la energía exagerada  de un titulo misógino como your pretty face is going to hell, o el machismo musical de penetration, "balada" hecha sólo por orden del sello discográfico, en donde Iggy y compañia rezuman excitación, la misma que luego es transferida al escenario de forma frontal, sin concesion alguna. La cosa no es hacer bulla, no es salir semi desnudo a hacer tonterías, la cosa va por hacer rock and roll o como sea que se llame ese estilo, música bailable, energética e inspiradora y recién sobre esto se pone la cereza histriónica que el buen Pop supo poner como ninguno.

Despues de manifestar la necesidad de una mujer para lo que sea haya pasado por la cabeza de Iggy en I need somebody todo el quiosco se va al carajo nuevamente con las 2 últimas entregas del disco, las últimas de los Stooges de aquella época de hecho, Shake Appeal y death trip ponen las cosas no tanto de cabeza, ojo no es una mierda el disco, ponen las cosas divertidas mas bien, buenos ritmos, guitarras bien ritmicas, casi como un Harrison en crack e Iggy cantanto, susurrando, bramando y gimiendo; y encima de todo este escándalo que asustaría a cualquiera no preparado esta la bendita saturación. No estoy seguro como sería si este disco sonara "bien", quizá perdería todo su encanto, pero no hay duda que la voz de Iggy en el ultimo track queda muy bien con esa saturación encima. 

Sin más descripción que se me ocurra sobre este disco completamente genuino e irreprochablemente visceral, te dejo el álbum para descargarlo y disfrutarlo en el formato saturado maquinado por Iggy en el 97.

Read more...

11 septiembre, 2008

The flaming lips - The soft bulletin


The Flaming Lips - USA
The soft bulletin - 1999


The soft bulletin es el noveno disco de Flaming Lips, para cuando lo sacaron ya tenian 16 años en la escena musical norteamericana en la que habian tenido... ehhh bueno solo un éxito comercial algunos años atras. A eso yo le llamo perseverancia. Ahi donde la mayoria de bandas espera cierto suceso hasta el tercer disco, quizá hasta el quinto, los Flaming quizá nunca lo esperaron, y aqui la excusa de la independencia a la popularidad masiva no cuenta porque son 16 putos años y 9 discos!

Al fin con este noveno disco, llegó un relativo éxito en ventas, el cual se engrandeceria mas con el álbum venidero tres años después, presentando en ambos trabajos un estilo muy peculiar de hacer pop rock. En realidad The soft bulletin y Yoshimi battles the pink robots son casi 2 caras de la misma moneda, y podrían haber constituido ambos un disco doble. 

La incapacidad vocal de Wayne Coyne en las voces cuando escala forzadamente notas altas,  revelada siempre en vivo, y bajo el generoso consentimiento de su público, en realidad hace que su voz suene frágil y sentida en estudio. Es esta una de las caracteristicas patentadas por esta banda, inconfundible y necesaria tambien para que Soft bulletin suene a Soft bulletin. Y en este disco, los Flaming ofrecen durante una hora musica dirigida tanto a oidos detallistas como a corazones felices y no tan felices. Pop alturado, joven, hermoso, alcanzando puntos sublimes por momentos siempre bajo un formato electrónico de base. Un batiburrillo de melodias azucaradas, pianos clásicos y guitarras con baterias chispeantes siempre exitoso dado el talento de estos viejos batalladores de la música, que al parecer alcanzó un punto apropiado en estas épocas.

En realidad es posible que en primera el disco arranque y finalize sin mayor éxito, sobre todo si has escuchado ya el Yoshimi primero. Recomendable es darle mas vueltas, pues mientras lo vas escuchando mas veces, ante ti va apareciendo todo su esplendor. Un momento, esto sucede con todas las escuchas de discos no? cierto, pero realmente este trabajo bien merece la distinción, siempre escuchas algo más que no te habias percatado en la escucha previa. Y demás esta decir que si ya te ha enganchado entonces te mantendrá asi por un buen tiempo. Esto te recuerda a Pet sounds? pues aqui incluso podrías encontrar mas riqueza.

Race por the price es la apertura, precisa, the spark that bled ya le pone una cota de calidad, deja claro que esto no es cualquier cosa pop, lo mismo the spiderbite song, maravillosa y simple, échale atención a esa percucion que mas parece juegos artificiales de tarolas. The observer pone las cosas algo mas obscuras inicialmente, para luego virar hacia la melancolia de manera natural, no hay voces, solo coros tan breves como intensos. Llega luego el sosiego de waiting for a superman, a la mitad, para que te tomes una pequeña vacación bien planeada. Los bajos electronicos de suddenly everything has changed muestran que también son inquietos en estos sonidos y desarrollos, haciendo agradable y un poco mas propio el resultado final.

Listo para el desenlace? que se viene con The gash, un inicio portentoso, chillon y todo eso, pero vaya que se ponen geniales esas estrofas. Feeling yourself desintegrate continuando tiene un inicio simplemente hermoso, letra corta, y guitarra emotiva. Ahora que la escucho, se me ocurre que es la canción mas bonita de este disco y quizá de los Flaming lips. Completa el disco la instrumentada sleeping on the roof cual si fuera una pieza para cerrar todas las escotillas abiertas durante la escucha ya pasada, antes de que vayas nuevamente a tu mundo donde probablemente flaming lips le suene a la gente a una frase maricona antes que una banda de musica pop dulce y elegante al mismo tiempo.

Y ahora que hay muchos conciertos por aqui, que esperamos con ansias las visitas de Animal Collective, REM, Jesus and Mary chain y demás en Lima, no estaría de mas pensar en que estos tíos vengan por aqui a hacer sus cosas extrañas y surrealistas en el escenario, nosotros por nuestra parte estaremos encantados de ayudar a Coyne a cantar todas las canciones. 

Read more...

31 agosto, 2008

Bert Kaempfert - greatest hits


Bert Kaempfert - Alemania
Bert kaempfert and his orchestra (greatest hits) - 1958 - 1970


Si regalas un disco como este, estas regalando además de un disco, deseos de sentir alegria interna a tu agasajado. Un verdadero deseo de algo, no una frase mecánica tipo "feliz navidad" o "feliz cumpleaños"

Mi tio escuchaba estas canciones en vinilo, yo las oía desde que era niño hasta que este formato desapareció, quizá tu tia, tu abuela o tu viejo también las escuchaban. En sus épocas o para especificar: años 50 y 60, estas expresiones (artistas, melodías, estilos) estaban de moda, las llamaban sugerentemente easy-listening. Las ponían en las reuniones, mientras conversaban sobre sus vidas, donde todo parece que era mas tranquilo, de seguro vidas menos intensas que las actuales. Los escuchas de entonces se sentaban a disfrutar plácidamente de aquellas obras, frente a su tocadiscos (previa limpieza de surcos y aguja), viendolos girar y girar, emitiendo la música marcada en el vinilo, formato analógico, como debe ser. Nosotros por supuesto no tenemos esa suerte ya, todo ahora es CD y peor aún MP3, el cual por mas que esté con bitrates altos nunca podrá llegar a la fidelidad que tenia el vinilo. Sin embargo y para mi alegria ahora muchos de mis artistas preferidos estan sacando sus trabajos también en este formato asi que, ya viene siendo momento de hacerme de un buen reproductor.

Bert Kaempfert? mayores datos en Wiki por favor, era un músico total. Componía, arreglaba, dirigía, producía y respiraba música. Tiene muchos discos en su discografía segun he visto. Lo conocí por unos vinilos de "hermosas melodias" de mi tio. Decidí hacer una selección de las mejores según mi parecer y regalarla a mi madre, para ser usada en sus habituales "te de tias", pues esa música les gustaba y de hecho a mi también. Me di cuenta que las canciones que más me gustaban eran precisamente de un tal Bert K. Diablos es bueno! decia, me gustaba esa elegancia, ese bajo caminante, ese ritmo jazzístico, coros hipersutiles, y por supuesto los vientos. De la música instrumental clásica debe ser de lo mejor que se haya hecho. Toda esta generosidad estilizada mencionada no se queda sólo en eso, sino que logra transmitir emoción y alegria hasta que en un momento te sorprendes a ti mismo con los pies al son de los platillos, y quizá con un "tururu" acompañando al corito.

Aqui, encontré un excelente compilado de sus composiciones, si, dije composiciones, la mayoria son canciones aregladas por él, en este caso director de orquesta. Estan la hermosísima red roses for a blue lady, la mejor para mi, cuidado puede emocionar mas de lo esperado. Spanish eyes en menor medida, deja su mejor momento para el final; Love es irrefutable, Stranges in the night bueno nada que decir aqui y a swinging safari es una despedida al oyente con buenos deseos mas un plus de energía incluidos.

Los tiempos actuales no dan para mucho Bert Kaempfert, una pisca de su arte en un paréntesis temporal de cuarenta minutos si te agrada sera suficiente alimento para el espiritu, después volverás a tu vida intensa, donde a lo más tienes herederos como Air y Stereolab, pero aquellos tiempos del easy-listening con el teutón Bert K. definitivamente no volverán. Y Mejor que sea asi.

Descargar disco

Read more...

19 agosto, 2008

LOVELESS





La discografía de My Bloody Valentine se compone de apenas 2 discos, uno de los cuales es una verdadera obra maestra y es el motivo de este post. Hasta aquí parece una carrera muy similar a la de The Stone Roses: ambos con sólo 2 discos editados, uno de los cuales es extraordinario, carrera muy corta, fans esperanzados en una posible reunión, etc. Pero tienen una historia muy particular.

Kevin Shields (guitarra y voz), Colm Ó Cíosóig (batería), Bilinda Butcher (guitarra y voz) y Debbie Googe (bajo) forjaron un disco tan influyente que si tratamos de elegir los mejores discos de los noventa, Loveless estará rankeado como uno de los primeros. A pesar del fracaso inicial -ya que la disquera quebró luego del lanzamiento- no hay duda que se trata de un disco vastamente influyente y todo aquel que considere como una buena década musical a la última del pasado siglo encontrará aqui algo que lo devolverá una hora a los noventas.

No sabemos por qué ni quién acuñó aquello de rock alternativo pero Loveless fluye, respira y destila ese rock, un rock hecho de un ruido que parece hasta interferencia, murallas construidas a base de guitarras rozando la distorsión, voces femeninas al borde del susurro: un nuevo sonido, completamente nuevo -shoegazing le dicen-, denso, difícil de explicar pero sin duda muy bello que te hace al volver al disco una y otra vez. A veces parece que uno escuchara a algún grupo de esos setenteros con su rock denso y espacial, por otros crees que estás escuchando a un grupo tipicamente alternativo.

La placa se compone de 11 pistas con casi 50 minutos de duración. Entre tema y tema es fácil escuchar que una canción es la continuación de otra, como una canción hecha en 2 partes pero también están los temas que son completamente ajenos a la canción anterior. Todo empieza con un clásico Only Shallow, desde un inicio se siente ese aire denso de guitarras (el bajo aquí es una clase) y ruidos que dominan el disco, ni que decir la voz de la Butcher que se escucha preciosa. Le sigue Loomer con la voz femenina como protagonista de este viaje musical. Touched suena como a un soundtrack o la canción de algún comercial de tv que sirve de preámbulo a To Here Knows When, que se escucha como un tema oscuro, sacado de alguna influencia dark o pospunk. El sonido de las cuerdas y los efectos aquí son absolutamente monopolizadores, tecnicamente es el tema más logrado.

I Only Said y Come in Alone le dan el aire clásico al disco, son temas que son perfectamente "digeribles" por un habitual oyente de radio, aquí Shields coloca una piedra angular de los que sería el rock alternativo o simplemente el rock de fin de siglo. En esa misma línea se ubica Sometimes que viene a ser la balada del disco, presten atención a la guitarra siempre presente pero de una manera imperceptible. Blown a Wish es la continuación a Sometimes pero en la voz de la Butcher, otro gran tema. Que mejor que terminar con What you Want y Soon, 2 temazos.

Se necesitaron cerca de una veintena de ingenieros de sonido para mezclar el disco (claro que no todos trabajando a la vez, la mayoría desertó del proyecto), una disquera quebrada y la relación entre los integrantes deteriorada para que el Loveless vea la luz pero no hay nada que reprocharle a Shields y compañía. Con esta obra alcanzaron un lugar entre los más grandes grupos (y también entre los más osados e innovadores). Les dejo el link de descarga.

Read more...

12 agosto, 2008

Máquina total 3 - Tranqui colega


Artistas varios
Máquina total 3 - 1992
Mezclado por Jose M. Castells

Máquina Total? no eran esos mixes algo infantiles que se hacían con retazos de canciones techno normalmente regularonas?

Ah y no olvidemos las carátulas!

Un poco si, y aparte de la saga de máquinas totales tambien existían otros mixes españoles de nombres un poco tontos (Bolero mix, locos por el mix, etc) construidos casi siempre por las mismas personas. Pero toda saga extensa que por más devaluada que haya terminado definitivamente tuvo que haber tenido su momento, Máquina lo tuvo y debió con seguridad ser Máquina Total 3 y 4 (y se podrían colar 5 y 6) de hecho con éstos trabajos llegaron por aqui, por Lima, por primera vez, por el ya lejano 1993 cuando en España ya venia sonando hacía tiempo el techno industrial y el bacalao.

No importa lo que hayas esuchado de los mixes españoles, del pobre techno de años 95, 96, en Máquina total 3 concretamente se consiguió reunir un buen puñado de canciones techno, de esas que rememoran a juegos de video de Nintendo, que solían introducir reverberaciones tipo industriales que luego serian masivas con Prodigy; un techno casi embrionario y de pocas variantes, que evocaban a la guerra del golfo, a la pelicula Terminator y cosas asi. Las canciones estaba bien elegidas y la mezcla principal tambien resultó muy bien hecha, prácticamente se convierte en una sola suite electrónica, muy bien enlazada, pasando de tema en tema de manera uniforme y casi transparante con una misma energia en casi todas sus partes, cosa que la hace mas cohesionada. Esto se perdería en mezclas posteriores, ya con canciones vocalizadas en donde en la mezcla pasa de melodia 1 a melodia 2 y asi sucesivamente, perdiendo un poco la gracia de un mix que resulte un track mas en si mismo.

Los sonidos de espiral, the object, dance your ass off, Hiroshima, James Brown is dead y demás, que son canciones con influencias de bandas básicas como Kraftwerk y New Order fueron bien escogidos y mezclados acertadamente por Jose M Castells con equipos en su mayoria analógicos, realizando las uniones y efectos básicamente "cortando y pegándo cintas". Porsupuesto ahora ya no es necesario ésto, pero hace 16 años si o era. Lo interesante es que en las anteriores máquinas no participó él, y en las sucesivas participó con alguien más, de manera que ésta es una mezcla completamente suya.

Disco doble rescatable de aquella desdibujada saga, donde algunos tracks pueden ser prescindibles pero en suma es un disco que logró algunas cosas, entre ellas traer algo del Bacalao discotequero de fin de semana nocturno español por tierras Peruanas, cosa que finalmente y tras algunas "evoluciones" generó una moda dance de algunos años no necesariamente ricos musicalmente pero divertidos al fin.

Descargar Album Máquina total 3

Read more...

09 agosto, 2008

Aphex Twin - Selected ambient works 85-92



Aphex Twin - Reino Unido
Selected ambient works 85-92 - 1992


Para la mayoría de gente de mi generación, la palabra o género techno tiene un lugar en su mente, y quizá en sus memorias. A mediados de los noventas este estilo se volvió muy popular por estos lares, en un inicio con canciones decentes, y luego, con su comercialización con producciones enlatadas bastante mediocres. Digamos que del 92 al 94 hubo cosas interesantes , por mencionar algunas: Culture Beat, Le bouche, Cap Hollywood; quienes produciendo beats bastante facilones pero efectivos pusieron su aporte en la época. Viene a mi memoria con agrado lo mucho que me gustaban los mixes expañoles, en especial las máquina total 3 y 4, que después irían decayendo como el techno en general. Por supuesto ésto es algo completamente subjetivo, a mi no me va mucho el techno con la melodía, lo prefiero industrial o abstracto. Era bastante jóven y recuerdo con agrado esa época.

Ahora, bien, se sabe que este género es solo una rama de la música electrónica en general (rave, acid, house, etc etc y bla bla) pero debido a que el disco que reseño esta ubicado temporalmente en el año 92, se puede considerar que fue influencia para parte de la música mencionada anteriormente, otras produciones interesantes (que haya escuchado) pudieron ser The white room de KLF, cuyos sonidos sumados con los de éste disco contienen un buen catálogo sonidos que se usarían luego por muchas producciones electrónicas venideras, ejemplo clarísimo en este disco: Pulsewidth.

Pero dejando de lado el asunto de influencias e historia, éste trabajo es en serio una expresion artistica genuida, tanto si hubiera salido en el 2007 aún sería aún fresco. Contiene una colección de composiciones sumamente consistentes, sentadas en bases ritmicas repetitivas, pero hipnóticas. Construyendo paisajes sonoros que invitan a acompañar muchas facetas de tu vida. Digamos que si lo usas como fondo sonoro para un video, estaría probablemente perfecto.

Cual es su mérito? pues es simple, Richard D. James es un gran buscador de sonidos agradables, elegantes y extraterrestes, el resto es juntarlos con una base ritmica apropiada para finalmente hacerlos repetir sin nunca perturbar ni agotar al oyente quien ya esté envuelto en su atmósfera. Bajos pesados e interesantes terminan por delinear toda la estructura. De manera que este disco no se hace ni molesto ni aburrido, aunque si es extenso pero vamos, lo puedes escuchar en 2 tiempos, no hay pierde diríase. La mayoria de tracks contienen el mismo efecto, aunque Green calx puede tener un grado de ruido extra debido a su chillon y acida linea de bajo la mayoria invita a darse un viaje espacial similar a los que el talento de APhex Twin o Richard D. James debió tener cuando componía esta obra.

Selected ambien works se convierte sin mayores comentarios en un disco imprescindible para todo amante de la onda electrónica, y un disco de escucha recomendada para los oídos en general. Una de esas obras que que sabes que tiene algo para todos, no desafía, sòlo obsequia e inspira, dejando de paso muchas bases para las futuras construcciones musicales.

Descargar Selected ambient works 85-92

Read more...

25 julio, 2008

LA LÁGRIMA DEL BUFÓN




No tengo idea de como llegué a este disco, me parece que busqué en Internet algo y dí con este disco. Marillion es una banda netamente ochentera que se mantiene vigente hasta hoy -con una muy inteligente estrategia para editar sus discos- y que tuvo en este disco un début sobresaliente. Muchos encasillan a la banda como "neo-prog" -especialmente la etapa que coincide con Fish como vocalista- pero yo no diría eso. Si bien se escuchan rasgos progres, yo pienso que es más un sonido ochentero característico de la década.

Eran los tiempos en que incluso el punk ya había pasado de moda y empezaba a sonar con toda su fuerza el new wave. Los tiempos setenteros habían dejado el paso a The Cure, The Smiths, Durán Durán entre otros y los nostálgicos vieron en la aparición de Marillion soplar vientos conocidos. Canciones llenas de mucho sentimiento, complejas, un cantante que se pintaba el rostro como el gran Gabriel, teclados que sonaban como los de Wakeman o Banks, todo esto hizo que el disco se convierta en un suceso por aquellos años. El disco -el original- es bueno, aparte de su clásico Script for a Jester´s Tear, tenemos He kwons, You know, The Web, Chelsea Monday, temas de buena factura, bien logrados que tal vez no sean para poder ser escuchados en la radio pero son contundentes. Sin embargo, el relanzamiento del disco - 1997, como disco doble, es decir el original más su disco bonus- me parece aún mejor.

Este disco doble es mejor de lejos a la edición original. Si bien trae el original, el disco bonus hasta me parece mejor que el disco de 1983, tiene temas remasterizados como He kwons, You know y Chelsea Monday que se escuchan mejor pero tiene temas como Market Square Heroes que abre y cierra el disco con versiones original y alternativa que son de lo mejor, y aparte como obviar el tremendo tema Grendel con sus casi 20 minutos de duración, sólo por este tema ya el disco se hace casi imprescindible.

Este disco atrae desde la tapa misma, a mi entender las carátulas de Marillion son de las mejores que se han podido ver. Los discos que corresponden a la era Fish poseen tapas realmente atrayentes desde que lo uno los ve, no sé si se deba al color o a los dibujos lo cierto que es difícil encontrar cubiertas como el de este álbum o de Fugazi, Misplaced Childhood y Clutching at Straws. Sin duda que el Misplaced es el disco que se lleva todas las palmas por presentación y calidad.

Les dejo los enlaces para disfrutar de los discos de Marillion. Como muchos sabrán, el nombre del grupo proviene de una contracción del libro de Tolkien, El Silmarillion, ya que la familia del creador de la trilogía de El Señor de los Anillos prohibió el uso del nombre por lo que los miembros de la banda debieron cambiarlo y sólo usaron el recurso de la contracción. Con ustedes, Marillion.

Descargar Script for a Jester´s Tear

Descargar Script for a Jester´s Tear Disco Bonus

Read more...

12 julio, 2008

Panda Bear - Person Pitch



Panda Bear - USA
Person pitch - 2007

No quería tener que comparar pero, es inevitable no encontrar sonidos "Beach Boys" en Person Pitch, exactamente como me sucedió en "wincing the night way" de los Shins, lo bueno es que es lo único que se puede encontrar reflejado de alguna fuente, el resto es pura imaginacion de Noah Lennox, quien construye en Panda Bear, "banda" de un solo integrante -él- una suite sonora compleja en capas pero simple y efectiva en ritmos, siempre liderada por su voz con efecto de coro, como quien no quiere sentirse solo y para darle tambien mayor consistencia vocal a la melodia que le imprime, la cual es realmente necesaria. Lennox en voz (con su chorus) da el toque melódico preciso a todo el sonido de Person Pitch (resultando de ésto que escucharlo en vivo puede ser algo decepcionante) y aqui la razon de que me guste un poco mas éste proyecto que lo que hace en Animal Collective (su otro proyecto, banda multipersonal).

2 caracteristicas que hacen Person Pitch mi disco preferido del 2007, aparte del tema vocal, son la buena forma de entrelazar ritmos dentro de una misma canción, take pills y good girl/carrots son los claros ejemplos, las uniones resultan ingeniosas pues en la mayoria de casos las partes unidas son de tempos que no tienen nada que ver, incluso todo el resto no tendría mucho que ver, para ésto Lennox utiliza convenientemente todo el multi decorado sonoro como herramienta para cubrir estas uniones, y el producto final funciona y emociona. La otra caracteristica son los samples, que provienen de fuentes tan divergentes como Kratfwerk o Cat Stevens (incluso juraría escuchar a Chemical Brothers en confy in nautica) y los cuales estan lo suficientemente fusionados al resto de sonidos, y sólo por momentos, que nunca toman protagonismo, sino que sólo entran cuando son absolutamente necesarios. Nadie que no conozca la fuente de estos samples podrá darse cuenta nunca que son samples.

Todo el disco es valioso, pero personalmente creo que alcanza la cúspide en la 3-en-1 good girl/carrots, hay sonidos para toda la familia en esta pieza, multicultural casi (Noah eres un bastardo), y hasta bailable por momentos, sin pareja claro está. Y pensar que vienen de USA.

Asi que si piensas que tienes talento para la música, pero no tienes banda, o no te llevas bien cuando trabajas en equipo, échale una escucha a Person Pitch, de seguro será fuente de inspiración. Y si te ingenias una forma en que la propuesta sea también consistente en vivo, entonces habrás hecho un disco perfecto.

Descargar Person Pitch

Read more...

28 junio, 2008

LARCO ES MÁS QUE UNA AVENIDA


Tras ese oscuro tiempo que significó los setentas para el rock en Perú (leer el post sobre Telegraph Avenue y esa década) y en general para toda actividad, se empezaron a respirar otros aires en estos lares. La democracia trajo libertad en todos los campos pero también trajo sus problemas. Sin embargo, la música experimentaría una especie de renacimiento a partir de aquí (renacimiento que moriría en la segunda mitad de los ochentas, no por represión, más bien por una atroz crisis económica propia de un país en guerra). Serían cinco muchachos de Breña, quienes ya tocaban algunos años juntos, los que editarían un disco que significó la primera luz luego de las tinieblas setenteras.

Andrés Dulude (voz), Octavio Castillo (teclados), César Bustamante (bajo), Luis Valderrama (guitarra) y Arturo Creamer (batería, luego reemplazado hasta la actualidad por Jorge Durand) empezaron el proyecto Frágil en 1976. Como es evidente por aquellos años las influencias eran grupos capitales del rock progresivo: Yes, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer, Genesis, Led Zeppelin y paro porque la lista es extensa. Creo que las influencias son más que determinantes a la hora de escuchar a Frágil, la voz de Dulude cercana a la Anderson, los teclados de Castillo similares a los Wakeman o Emerson, la flauta... pues la flauta parece más a la de Gabriel que a la del gran Anderson.
Tras tocar covers especialmente de Genesis y Yes (quienes los hayan visto pueden afirman la calidad para esto de Frágil), se animan a realizar sus composiciones propias y alcanzan a pasar a la historia con un disco que lleva el nombre de una avenida. El suceso de Avenida Larco fue tal que recuerdo que mi hermana me contó que cuando los escucharon en la radio, la mayoría pensaba que eran argentinos o mejicanos (algo muy nuestro, no pensamos que podemos hacer buen rock). El resto creo que es historia muy bien conocida por muchos.

Pero, ¿cuántos de nosotros hemos escuchado este disco en su integridad? ¿Es Av. Larco lo mejor del disco? Más allá que en este disco ubiquemos lo que podríamos llamar el himno nacional del rock peruano, aquí se pueden escuchar temas superiores a esa canción -un dato que encontré en Internet es que Av. Larco fue colocada en la placa por presión del productor, Frágil no consideraba a este tema dentro de su début-. Sólo al inicio tenemos el instrumental Obertura (usual tema que abre cada presentación de ellos), un tema muy progre y excelente. A medida que el disco avanza se puede notar claramente el alto contenido social de los temas. Pepas, Pastas y otros Postres es un ejemplo bellísimo, un tema con una melodía maravillosa y una letra fantástica.

A partir de ese tema el disco tiene un nivel de clásico. Esto es Iluminación le sigue a Pepas..., es otro gran tema pero la segunda parte -supongo que correspondería al lado B del LP- es aún más buena. Si te gustó el disco hasta ahí pues luego la cosa se pone mejor con Floral, El Caimán y Oda al Tulipán. Escuchen El Caimán porque es tal vez el mejor tema del disco -en las radios creo que ha sido el único tema aparte de Larco que he escuchado de este disco-. Para terminar está Lizy, tema instrumental con una flauta ejecutada de manera magistral por Tavo Castillo. El único punto bajo es el último corte, Le dicen rock, que cosa curiosa no es cantada por Dulude -en verdad, no sé hasta hoy quién canta esa canción-, tema que rompe con la onda del disco, escúchenla.
La pregunta que sale a flote es por qué siendo el grupo de larga data tienen tan pocos discos, sabemos que sacar un disco en Perú es difícil pero hablamos de nuestro grupo bandera. Sólo nos queda disfrutar de este gran disco y, si pueden, ir a la presentación de Frágil en este mes. Les dejo el link de descarga.


Descargar Avenida Larco

Read more...

14 junio, 2008

Megadeth en Lima - review



El miércoles durante la presentación de Megadeth, donde se congregaron aproximadamente unos 8 mil seguidores de la banda norteamericana (la mayor presencia para un concierto metal hasta ahora en Perú) se cumplió el sueño de muchos de ellos, ver en vivo y en su tierra a una de las bandas del género mas pajas y consistentes de siempre, pues mucho se puede dudar de lo que el metal puede ser, pero hay que hacer una pausa en el caso de esta agrupación, la cual con sus 11 discos producidos hasta ahora (la mayoría de muy buen nivel, pero con agrupación cambiante salvo Mustaine) se ha consolidado con justicia en la escena mundial del speed/thrash/heavy metal. Logrando reunir en su obra: potencia, velocidad, técnica y emoción pura.

Y sucedió que Lima se convirtió en un punto dentro de la gira mundial "Tour of Duty", 23 años después de fundada la banda (de ahí que se presenta el comentario típico de que vienen cuando están "viejos") sin embargo Megadeth ha sabido mantenerse haciendo música sólida. Inteligentemente ya no realiza el thrash veloz y demoledor de los 80tas e inicios de 90tas. Muchas cosas han cambiado y aparecido en el rock para seguir en ello debe pensar Mustaine, entonces le da dado toques mas heavy's a su sonido, baterías menos brutales y mas llevaderas para llevarse bien con la época. United Abominations su ultimo disco es la expresión de una persona mas madura, que ya ha quemado satisfactoriamente etapas vehementes y quien ahora recluta músicos de calidad (como siempre) y le brinda una energía adaptada al nuevo milenio a los fans que no por nada los siguen desde hace ya buena cantidad de años, así como a los nuevos escuchas, semillas de lo que sera el metal venidero.

La comunidad Peruana para este evento varias veces rezagado en nuestro pais expresó previamente su afán de hacer sentir durante su estadia su cariño al grupo y para el concierto en si tambien: ensayaron coros, incitaron a no perturbar y distraerse con las cámaras, fabricaron algunas banderolas todas con una combinación de frases conteniendo las palabras Megadeth y Perú (algunas con los colores de la bandera Peruana detrás, otras con Vic haciendo presencia) confeccionaron polos, algunos fans trataron de regalárselos a la banda para que los usaran, pero esto no fue posible, lo más que se logró fue que el batero Shawn vistiera la camiseta de la selección de fútbol durante toda la presentación, lo cual viniendo de una goleada lamentable no encendió los ánimos, pero vale igual.

Shawn Drover

Si algo tenemos los espectadores Peruanos para los conciertos es buena vibra, el artista normalmente es alimentado de una cantidad generosa de energía, de manera que ésta no fue la excepción, queríamos dejar en claro que Sudamérica no es solo Buenos Aires (aludiendo las buenas relaciones entre Megadeth y esta ciudad), también en Lima se disfruta de los conciertos, lo cual definitivamente sucedió para una nueva sorpresa de los músicos de turno (alguna vez fue Bjork, ahora es Mustaine y compañía)

Pactado a las 9pm empezó un par de minutos antes, dejando a los tardones, y víctimas del insoportable trafico de la Javier Prado perdiéndose el inicio del concierto, un inicio en donde aun se veían algunos claros entre las zonas de la explanada, la que no se llenó, pero 8000 personas, es una buena cifra, sabiendo todo lo que ya se sabe de la popularidad de este tipo de música aquí. Inmediatamente después de que terminara de sonar la última canción de estudio de un playlist en su mayoría heavy que se programó para calentar cuellos (por cierto la canción fue run to the hills de Maiden, que la fanaticada trasformó con coros "megadethianos" ingeniosamente improvisados) las luces se apagaron sorpresivamente y salieron los 4 guerreros que lograrían extraer todas las energías de la tropa vestida en su mayoria de negro. Iniciando con sleepwalker, una buena canción saliente del último disco "United Abominations", que mostraba a un Mustaine construyendo el veloz y emocionante riff inicial, con esa guitarra de 2 puntas y melena peliroja características, y bajo las luces blancas que le daban un aspecto señorial, cosa que desató la emoción de la masa congregada. También se vio a un Shawn haciendo una significativa pero sutil oración detrás de su batería antes de tomar las baquetas. Y Aunque el sonido inicialmente no ayudó mucho, pues los instrumentos estaban muy bajos, lo cual acrecentó la voz de Mustaine (efecto que paradójicamente resulto ser interesante, yo dije algo como "que paja suena esa canción con la voz de mustaine así por encima de todo) todo se fue acomodando ya a partir del tercer tema ejecutado.

David Mustaine


Inicio de Sleepwaker


Ensambladas a sleepwalker aparecen la vehementes y clásicas underground wake up dead y take no prisoners retando al público a empezar el pogo reglamentario, así fue y no era fácil mantenerlo pues las energías se iban rápido, tratar de cantar, seguir los solos, cuidarse de ser aplastado y saltar es agotador y mas en canciones como estas, esperadas para el desahueve total hace más de 15 años. Traté de tomar un par de fotos pero fue imposible, igual quise disfrutar del momento así que guardé el celular y me sumergí en el remolino de energía sonora y humana. Pasada esa tripleta inicial, algunos headbangers estaban regados en el primer round, algunos vomitando por la presión, pero aun vendría mas, mucho mas...

Imagino que ambas partes hasta ese momento ya sabían que la cosa sería seria, se vendría una noche intensa, la primera acometida había sido fuerte, y hubo respuesta. Era una noche propicia.

"Bienvenidos a la casa de Megadeth. Mi español es muy malo, pero muchísimas gracias" dice el usualmente poco comunicativo Mustaine, y presenta Washington is next también del último disco, la hinchada coreaba como podía la canción, ahí se aprovechó para tomar fotos. la contemporánea Kick the chair del "the system has failed" y la ochentera y tributo al ex bajista de Metallica y finado Cliff Burton darkest hour del "So Far, So Good... So What!" continuaron magníficamente el concierto, finalizando con una buena bulla de parte de la gente. En esa bulla se dió el inicio de hangar 18 y cuando la asistencia se dió cuenta de ello, empezó la euforia. No se sabrá la letra pero se sabe como va la guitarra principal con sus arpegios superpuestos, y eso se corea y eso es mas que suficiente para seguir la canción, todo era locura en ese momento, empiezan a aparecer los primeros cuerpos surfeando por encima del publico, se cantan a tope de garganta los estribillos, Chris se junta con Dave y llega el momento estelar, y la gente lo sabe, los 7 solos, ejecutados impecablemente por Broderick y Mustaine alternados, retroalimentados por coros unísonos de la congregacion metalera, esa parte se comió un buen porcentaje de energía (y algunos metros de baranda separadora de zonas) aunque al final la gente estuvo al 200% así que no hubo problema con la respuesta que luego vendría.

Hangar18


Chris Broderick


Pasando un gears of wars mas asentador y recuperador, inicia la emotiva y cantable a tout le monde del noventero "Youthanasia", no sin antes ver a Mustaine amarrando la bandera nacional al parante de su micrófono, bajo los acordes iniciales del melódico tema y con las luces nuevamente y exclusivamente sobre él, imagen que podría ser la imagen del concierto.



A tout le monde


Un breve solo de Broderick (podía terminar en un himno nacional quizá?) da pie a otro coreable pero mas veloz tornado of souls del "rust in peace", canción que personalmente me parece de puta madre de inicio a fin, aproveché para descansar un poco y disfrutarla, pero igual la algarabía de la gente me contagió y me mande al pogo una vez más...

La heavy ashes in your mouth y la muy veloz burnt ice siguieron, con algunas palabras y gestos de Mustaine acerca de las drogas antes de la segunda: "...parece divertido eh? pero pfff no lo es" mencionó, hecho que no es muy común en el, al parecer se alimentó de la energía del público, y bien para todos.

Symphony of destruction del "Countdown to extintion" inicia y el coro pactado "Megadeth Perú es Megadeth" sale impecable. Creo que las ocho mil almas lo cantaron a todo pulmón hasta el final, eso fue emocionante, y se bajó una buena área de garganta también. Broderick haciendo solos y Lomenzo ya sin chaqueta haciendo ademanes y gestos incitadores son imágenes para el recuerdo.

Symphony of destruction


Cuando sigue la no tan metal mas bien ligera trust del Cryptic Writings del 97 con estribillo en español incluido, me di con la sorpresa que la gente se sabía mas la versión en ingles que el coro español, cosas del metal. Como sea, esta canción que inicia con un buen juego de tombs mas un bajo sólido cortesía, en este caso, de un ya contagiado y contagiante Lomenzo nuevamente hizo cantar a "tout le monde".

Trust


Uno de los mejores momentos llega antes de la solicitada she-wolf del mismo disco "Cryptic Writings", los fans le entregan una pancarta a Mustaine quien la recoge y con ayuda de Broderick le muestra al publico su mensaje para su locura total.




Después del salir y volver a entrar de la banda, previa ovación, hace su aparición del "Peace sells but who's buying" del 87, la esperadísima (para terminar de sacarnos la mierda) canción del mismo nombre, iniciando Lomenzo con esa línea de bajo demoledora acrecentada por sus movimientos y gestos tan deputamadre que hicieron olvidar a un tal Ellefson. Y ahí la gente cantó, gritó, coreó, saltó, aplastó, cargó, y envió gente a otras zonas como si fueran catapultas humanas, y todos felices...

James Lomenzo
Peace sells



Y se van? parece, hasta ahi en realidad todo había sido brutal, pero todos lo sabíamos, faltaba del Rust in peace la clásica del speed metal holy wars la pidieron, Mustaine presento a la banda, todos aplaudieron, agradecieron y ovacionaron y a coro dijeron holy wars, y holy wars fue, y mientras pasaban sus veloces riffs, solos y toques demoledores de batería, el público peruano disfrutaba debajo, un fan más emocionado que enajenado se escurria hacia al escenario siendo reducido fácilmente, todos se olvidaban de todo en ese momento y todo era pura adrenalina, emoción y unión. Nada mas existió, y arriba la gran y reconocida banda dejaba todo de si, destruía sus dedos y sus cuellos de tanto movimiento violento sin importar las consecuencias, es la esencia el metal parece ser... es algo que sólo vivido en carne propia se puede entender, solo cuando se termina sudado, pisoteado, aplastado, afónico y extasiado se puede decir que se ha disfrutado de un concierto de metal, y con la convicción de saber que detrás de todo ello esta el sonido de una banda que a pesar de sus traspiés es irrefutablemente una de las mejores de la escena y que con cambio de integrantes aún como ayer sigue sonando grandiosamente.

Holy wars!

EL publico Peruano, lo disfrutó y David lo agradecio diciendo "Dios los bendiga, han sido una jodida gran audiencia, esta es la última cancion pero volveremos..." no se sabe si pasará pero lo pogueado igual nadie lo quita.

Como nota final el setlist conformado por 19 eficaces canciones, fue mayor al promedio de los setlist tocados en Sudamérica (Brasil 4 fechas 16 temas, Venezuela 18, Chile y Arg 19)


Read more...

  ©Template by Dicas Blogger.